Il y a quelques mois, le Baltimore Museum of Art (BMA) a nommé Kévin Tervala en tant que nouveau conservateur en chef de l’institution, Eddie C. et C. Sylvia Brown, rôle qu’il avait auparavant occupé par intérim pendant près d’un an. Avant cette affectation, Tervala était chef du département des arts d'Afrique, des Amériques, de l'Asie et des îles du Pacifique depuis 2017, et il apporte de nombreuses idées sur la manière de programmer un tel matériel pour une ville aussi diversifiée que Baltimore. Observer a récemment rencontré Tervala pour entendre parler de son nouveau rôle et de ses réflexions sur le monde de l'art en général.
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Vous êtes au BMA depuis 2015. Qu’est-ce qui est unique en tant qu’institution ? Qu'est-ce qu'il fait mieux que les autres ?
En 2018, le BMA a suivi un processus de planification stratégique qui a abouti à une révision radicale de notre énoncé de mission et de vision, qui nous engage à « incarner un engagement envers l'excellence artistique et l'équité sociale dans chaque décision concernant la présentation, l'interprétation et la collection d'art. à la composition de notre conseil d’administration, de notre personnel et de nos bénévoles. Cet engagement est profondément ressenti à tous les niveaux de la BMA et depuis 2018, nous avons agi rapidement pour transformer notre organisation de haut en bas. Cela n'a été possible que grâce aux personnes incroyables qui se sont engagées dans cette institution, du personnel et du conseil d'administration aux artistes et baltimoriens qui nous font confiance.
Quelles sont certaines de vos émissions préférées sur lesquelles vous avez travaillé pendant votre mandat là-bas ?
C'est difficile ! J'ai eu le privilège d'organiser huit expositions au cours de ma carrière au BMA, allant de petites présentations dans une seule galerie à des projets tentaculaires multi-galeries. Parmi ceux-ci, deux se démarquent comme mes favoris : « Kuba : Fabric of an Empire » (19 août 2018 – 24 février 2019) et « A Perfect Power : Motherhood and African Art » (5 avril 2020 – 7 mars 2021). ). Dans « Kuba », la BMA a examiné la relation entre l’histoire politique du royaume Kuba d’Afrique centrale et les motifs brodés sur les textiles créés et portés par l’élite du royaume. Il s’agissait d’un projet de recherche extrêmement amusant – un projet qui impliquait la datation au carbone 15 d’une cache de textiles pour créer une chronologie de 250 ans du design bidimensionnel de Kuba – et les résultats nous ont aidés à comprendre le rôle important de la mode dans l’exercice de la mode. pouvoir.
Dans « A Perfect Power » – une exposition qui examinait le rôle de l'iconographie maternelle dans les États et sociétés historiques d'Afrique centrale – j'ai organisé l'exposition aux côtés d'un groupe d'universitaires et d'étudiants vraiment brillants, dont Oyèrónké Oyěwùmí, professeur de sociologie, Africana, et Études sur les femmes à l'Université Stony Brook ; Jennifer Kingsley , directeur du programme Musées et société à l'Université Johns Hopkins (JHU) ; et Michael Harper , Hae In Kim , Maria Kyriakakos , Clara Leverenz et Andréa Blanc , étudiants de premier cycle dans le cadre d'un stage de conservation au printemps 2019 que j'ai enseigné avec Jennifer Kingsley à JHU. Ce processus de conservation collaboratif a été extrêmement important pour faire de l’exposition le succès qu’elle a été, et il l’a également rendue très amusante.
Comment programmez-vous à la fois les habitants de Baltimore et le monde de l’art au sens large ?
C’est une excellente question qui touche très directement à tout ce qui nous concerne au BMA. Notre directeur, Asma Naeem , s'est donné pour mission de mêler les histoires mondiales et locales, et nous façonnons notre programme d'exposition et notre stratégie de conservation pour les galeries de collections afin de mettre ces récits au premier plan. Et c'est une tâche assez facile. Baltimore est et a toujours été une ville mondiale. Ainsi, si vous vous concentrez sur les artistes et les récits basés à Baltimore, vous vous concentrerez naturellement sur les histoires d’interaction et d’échange. Notre prochaine rétrospective sur la légendaire artiste de Baltimore Joyce J. Scott – « Joyce J. Scott : Walk a Mile in My Dreams » (du 24 mars au 14 juillet 2024) – le montre clairement. Joyce a vécu à Baltimore pendant la majeure partie de sa vie, mais a parcouru le monde pour apprendre et créer avec d'autres artistes. Ses œuvres et sa pratique artistique sont profondément ancrées dans cette ville, mais elles sont également liées au talent artistique et à l'histoire de notre monde.
Vous êtes titulaire d'un doctorat en études africaines de Harvard. Qu’est-ce qui vous a attiré sur le terrain ?
Je suis tombée amoureuse de l'art africain au cours de ma première année d'université. À l’époque, mon alma mater de premier cycle – l’Université du Maryland – exigeait que tous ses étudiants suivent un cours d’histoire ou de théorie des arts dans le cadre de son programme d’enseignement général, et je me suis inscrit à un cours d’introduction à l’art africain pour y parvenir. exigence. À l’époque, je n’avais aucune idée de ce qu’était l’histoire de l’art en tant que discipline et je n’avais jamais suivi de cours de sciences humaines au niveau collégial. Bref, je n'avais aucune idée de ce dans quoi je m'embarquais et je suis tombée absolument amoureuse de ce que je voyais. Cela s’explique en partie par le fait que l’histoire de l’art africain est remplie d’une gamme éblouissante d’œuvres visuellement saisissantes qui ravissent les yeux et défient l’esprit, et en partie parce que l’art m’a permis de me transcender et de transcender mes expériences personnelles.
L’art des personnes de couleur semble être plus populaire que jamais auprès des collectionneurs et des conservateurs. Comment cela a-t-il affecté le domaine ?
Même si je conviens que le « marché de l’art » – cette entité amorphe centrée sur les capitales financières mondiales – a finalement reconnu que des gens du monde entier créent des œuvres d’art magnifiques et qui suscitent la réflexion depuis des millénaires, je pense qu’il est également important de reconnaître que la nouveauté perçue de cette insistance est en quelque sorte un phénomène localisé. Les collectionneurs, conservateurs, universitaires et artistes des pays du Sud collectionnent, organisent et réfléchissent aux œuvres d’art créées par des artistes de couleur depuis des siècles. Et de nombreux universitaires et conservateurs dans les pays du Nord ont également consacré leur vie à défendre les artistes de couleur et les œuvres qu’ils produisent. Le « marché de l’art » est tout simplement en train de rattraper son retard. Et il est grand temps qu’ils le fassent. Nous avons besoin de davantage d’expositions et de recherches axées sur les artistes de couleur historiques et contemporains. Nous avons besoin de plus de collectionneurs pour soutenir les artistes et les galeries qui se concentrent sur ces œuvres.
Votre musée a récemment acquis sa première œuvre d’art performance. Qu’est-ce que cela nous apprend sur l’avenir de votre stratégie d’acquisitions ?
Nous ne pourrions être plus fiers d'être l'intendant institutionnel de Jefferson Pinder la performance phénoménale de Ben-Comment . Et même s’il s’agit de notre première acquisition d’une performance, ce ne sera certainement pas la dernière. En effet, nous nous engageons à prendre soin de toutes les formes d’expression artistique et révisons continuellement non seulement les feuilles de route de collecte qui guident notre stratégie d’acquisition, mais également les politiques et procédures internes qui guident la manière dont nous collectons, recherchons, exposons et prenons soin des œuvres d’art. Prenez par exemple « Making Her Mark : A History of Women Artists in Europe, 1400-1800 ». Cette exposition, présentée au BMA entre le 1er octobre 2023 et le 7 janvier 2024 et inaugurée au Musée des beaux-arts de l'Ontario le 27 mars 2024, a permis de découvrir et de valoriser des femmes artistes qui ont travaillé dans des médiums artistiques historiquement ignorés par les historiens de l’art traditionnels et les musées d’art. En plaçant des médiums artistiques comme la dentelle et le papier quilling au même niveau que la peinture et la sculpture, notre brillante équipe de commissaires a mis en valeur l'extraordinaire diversité de la créativité artistique du début de l'Europe moderne.
De même, une grande partie de mes recherches tournent autour des œuvres d’art réalisées par des artistes nomades, et ce que j’ai découvert, c’est que les médiums artistiques normatifs de nombreux artistes nomades sont assez différents des médiums artistiques normatifs de nombreux artistes sédentaires. Il y a, comme j'aime le dire, un peu d'art dans tout, et au BMA, nous voulons nous assurer de mettre en valeur et de valoriser la diversité étincelante de notre esprit créatif commun.
Que diriez-vous avoir appris au cours de vos neuf années dans cette institution ?
Je pense qu’une question plus facile à répondre pourrait être : qu’est-ce que je n’ai pas appris ? Je me sens incroyablement privilégié d’avoir passé les neuf dernières années à travailler aux côtés du groupe de collègues le plus intelligent, passionné, travailleur et innovant (tant à l’intérieur qu’à l’extérieur du musée). Grâce à eux, mon approche de presque tout a été radicalement transformée. Et je pense que c’est la plus grande leçon que j’ai apprise au BMA. Notre travail est toujours meilleur lorsque nous nous engageons ouvertement et profondément les uns avec les autres.
