Infidèle d'Adrian Lyne, tiré du scénario d'Alvin Sargent et William Broyles Jr., librement inspiré de La Femme Infidèle de Claude Chabrol, rappelle l'aphorisme crypto-marxiste, anti-blanc, pré-néoréaliste de Vittorio De Sica selon lequel l'adultère est le seul drame de la classe moyenne. M. Lyne n'est pas étranger à l'adultère et aux autres formes de sexe illicite à l'écran ; tout au long de sa carrière, il s'est arrêté considérablement en deçà de la pornographie pure et simple, mais est allé bien au-delà des inhibitions traditionnelles contre l'expression charnelle explicite. Le verdict critique sur les précédents festivals de leer de Lyne comme 911/42 Weeks (1986), Fatal Attraction (1987) et Indecent Proposal (1993) a été, au mieux, très mitigé. Et, bien sûr, son traitement provocateur de 1997 de Lolita de Vladimir Nabokov a pleinement profité de l'assouplissement de la censure depuis la version de 1962 de Stanley Kubrick, dans laquelle la virtuosité verbale de Peter Sellers servait de détournement comique du fond du culte des nymphettes.
Unfaithful est idéalement choisi pour le plaisir et les jeux sans aucune motivation. Diane Lane, en particulier, est une révélation spectaculaire en tant que femme au foyer de banlieue mariée et satisfaite, Connie Sumner, qui tombe littéralement dans une affaire de Soho avec le bohème désordonné Paul Martel, jouée avec un charme convaincant par la jeune star française Olivier Martinez. Pour compléter les coups de casting du film, le mari cocu de Connie, Edward Sumner, est interprété par Richard Gere sans aucune des marques de fabrique arrogantes et perverses de la plupart de ses rôles précédents. Edward de M. Gere, propriétaire d'une entreprise de voitures blindées, est rasé de près et carré au point du cubisme, mais jamais négligent ou sans amour envers sa femme et leur petit garçon Charlie (Erik Per Sullivan).
Lors de la grande projection théâtrale d'Unfaithful, j'ai pu sentir un léger bourdonnement dans le public, comme pour demander quel était le problème de Connie avec une vie et un mariage aussi idylliques ? Je ne me souviens pas que quelqu'un ait posé cette question lorsque le mari et le père heureux et mariés de Michael Douglas se sont livrés à une aventure d'un soir avec la femme de carrière de Glenn Close dans Fatal Attraction. Ah, le bon vieux double standard roule à nouveau.
À mon avis, cependant, le pur plaisir et la passion manifestés par Connie à la fois au moment d'être volontairement séduite par son amant, et par la suite dans ses souvenirs lascifs, libère une explosion physique et émotionnelle dans le jeu de Mme Lane dont je ne me souviens pas. dans ses performances passées par ailleurs admirables, mais comparativement restreintes. À vrai dire, Mme Lane existe depuis si longtemps - avec des crédits de film remontant à 1979 - qu'on pourrait penser qu'elle était bien dans la quarantaine ou au-delà. Mais après avoir commencé sa carrière cinématographique au début de son adolescence avec A Little Romance, elle n'est maintenant qu'à la fin de la trentaine, avec une beauté maternelle pleinement développée, mais pas matrone.
Pourtant, les mécanismes de manipulation du public dans les films grand public étant ce qu'ils sont, M. Lyne a pris un gros risque en faisant profiter Connie de ses sorties avec son amant négligé sans montrer de culpabilité ou de remords pour la trahison de ses vœux de mariage, et même avec peu de peur d'être pris. On est loin de l'adultère avorté de Celia Johnson avec Trevor Howard dans La brève rencontre de David Lean et Noël Coward (1946), ou encore de Madame de… (1953) de Max Ophüls et Louise de Vilmorin. En ces temps obscurs pour les femmes infidèles, les pécheresses avaient tendance à souffrir de culpabilité sans sexe. Ce n'est pas le cas dans Unfaithful, dans lequel les scènes de sexe éclatent sous tous les angles pour offrir une équivalence cinématographique à l'extase orgasmique de l'héroïne. La première rencontre de Connie et Paul est plus causée qu'accompagnée par un vent tourbillonnant anormalement, une turbulence presque aveuglante comme du papier. Les futurs amants s'écrasent les uns contre les autres et sur le trottoir - un acte du destin, ou peut-être un moyen de tirer Connie du crochet avec un pick-up plus décontracté. Elle a une chance de s'en aller, une chance dont elle se souvient avec regret quand il est beaucoup trop tard.
Comme dans Fatal Attraction, M. Lyne a du mal à trouver une fin à une relation adultère qui finit par exploser en violence. M. Lyne veut jouer sur les deux tableaux : des scènes de sexe acrobatiques problématiques et un châtiment baroque qui rassure un public hypocritement puritain que le salaire du péché est la mort pour quelqu'un, mais pas nécessairement le pécheur. Pourtant, le public ne veut pas que le mariage soit brisé de façon permanente, en particulier avec un enfant mignon à considérer. La fin que j'ai vue nous a tous laissés en suspens pour ce qui allait suivre, sauf qu'il n'y avait pas de prochain, seulement les titres de fin.
Il existe un moyen d'accepter ce que le film a à offrir sans pénaliser trop sévèrement M. Lyne pour être en quelque sorte un taquin, voire un hypocrite complet. Le lyrisme rapproché des scènes de sexe ravies et des scènes de maison heureuses crée un monde irréel dans lequel de belles personnes s'ébattent, tandis que nous prétendons que la culpabilité et la peur qui paralysent le reste d'entre nous dans de telles situations s'appliquent en quelque sorte à ces dieux cinématographiques et les déesses aussi. En fin de compte Unfaithful est l'évasion dans sa forme la plus pure, et je suis prêt à en faire l'expérience à ce niveau, même si avec toute la joie sans mélange exposée, il n'y a presque pas d'humour. Mais croyez-moi, j'ai beaucoup réfléchi à cette question. En outre, Unfaithful est l'un des très rares films grand public actuellement destinés exclusivement aux adultes.
Une vénération pour les femmes
L'eau chaude sous un pont rouge de Shohei Imamura, d'après un scénario de Motofumi Tomikawa, Daisuke Tengan et M. Imamura, basé sur un livre de Yo Henmi, combine un réalisme social comiquement lugubre avec un fantasme grotesque de rédemption et de régénération. Agé de 75 ans, M. Imamura a réalisé 19 films depuis son premier long métrage, Volé Désir, en 1958. Sa Ballade de Narayama a remporté la Palme d'Or au Festival de Cannes en 1983, et L'Anguille a remporté le même honneur en 1997. Il partage avec Kenji Mizoguchi (1898-1956) une profonde obsession pour les femmes. En effet, il a été cité comme disant du nouveau millénaire : Quelqu'un a dit que le 21ème siècle sera l'ère de la science et de la technologie. Je suis d'accord, mais j'aimerais ajouter une chose : le XXIe siècle sera aussi l'ère des femmes.
Dans son dernier film, M. Imamura commence par le sort de Yosuke Sasano (Koji Yakusho), un employé licencié d'un cabinet d'architectes qui a fait faillite, un phénomène bien trop familier dans le Japon contemporain. L'ex-femme de Yosuke continue de le harceler sur son téléphone portable pour trouver un autre emploi, ou au moins prendre son assurance-chômage et lui virer de l'argent illico, sinon plus tôt. Yosuke, cependant, est un perdant-né qui dérive sans but dans les rues de Tokyo à la recherche d'un travail inexistant.
Un jour, il tombe sur Taro, un autre vagabond, qui raconte à Yosuke qu'il a volé une fois une statue bouddhiste en or de valeur dans un temple de Kyoto et l'a cachée dans une maison près d'un pont rouge dans une ville de la péninsule de Noto, près de la mer de Japon. Le pont rouge en question devient l'une des constantes visuelles du film quand, après la mort de Taro, Yosuke se remémore l'histoire de la statue d'or, qui pourrait résoudre tous ses problèmes financiers, et part aussitôt à sa recherche. En arrivant en ville, il se dirige vers le supermarché, où il aperçoit une femme en train de voler à l'étalage. Lorsque Yosuke se rend à l'endroit où se tenait la femme, il trouve une boucle d'oreille dans une mystérieuse flaque d'eau. En suivant la femme jusqu'à sa maison près du pont rouge, il découvre qu'elle est Saeko, la petite-fille de Mitsu, une vieille chérie de feu Taro. Yosuke rend la boucle d'oreille à Saeko et découvre le mystère de la flaque d'eau : elle vient de Saeko comme une forme de libération orgasmique, et cette eau a le pouvoir de faire fleurir des fleurs hors saison, et d'attirer les poissons de la mer dans le fleuve. Yosuke devient immédiatement son amant et facilitateur, et décide de s'installer dans la ville et de travailler avec les autres pêcheurs, même si la statue en or est introuvable.
Un groupe de voyous de Tokyo arrive en ville à la recherche de l'héritage bouddhiste, mais après quelques alarmes et excursions, Yosuke et Saeko s'installent pour la vie dans la maison près du pont rouge. Yosuke a guéri Saeko de son affliction grâce à ses attentions constantes, et il s'est préparé à une nouvelle vie. Mais pas avant que M. Imamura n'ait réaffirmé la fertilité infinie et magique des femmes.
Spiritueux et Vaisselle
Les Destinées Sentimentales d'Olivier Assayas, d'après un scénario de Jean Fieschi et M. Assayas, d'après le roman de Jaques Chardonne, est une tentative curieusement atténuée d'un film de trois heures couvrant les trois premières décennies du 20e siècle dans la porcelaine française et les industries du cognac - comme le révèle l'histoire de deux amoureux qui ont lutté pour rester ensemble tout au long de cette période. Il y a un minimum de spectacle de transition traditionnel associé au genre, mais c'est une chose paradoxale à regarder des films: beaucoup de conventions que vous en avez marre de voir laissent un trou béant dans la continuité une fois qu'elles sont omises.
Le casting lui-même soulève des problèmes déroutants au cours des trois décennies imaginées. La belle Emmanuelle Béart en tant qu'amoureuse principale, Pauline et Charles Berling en tant que Jean Barnery, qui est d'abord vu comme un pasteur protestant dans un mariage sans amour avec Nathalie d'Isabelle Huppert, sont en perte de vitesse. La dernière fois que nous le voyons, il est mourant, le chef de l'usine de porcelaine de la famille et soigné par son seul véritable amour, Pauline. Entre les deux, il y a eu de nombreux malentendus, une Grande Guerre, plusieurs crises financières et une rupture entre une fille et ses parents. Le temps passe avec force et Mme Béart se retrouve dans la position inconfortable de paraître trop vieille pour les premières séquences et trop jeune pour les suivantes.
Étrangement, le film manque complètement de dispositifs de la variété de madeleine proustienne ou de bouton de rose Wellesian pour lier émotionnellement les trois décennies ensemble. Les gens vieillissent et meurent, mais au petit bonheur, sans cérémonie. Les réunions de famille sont des affaires chaotiques sans lien reconnaissable avec le récit central. Le résultat final est intéressant, mais pas convaincant. Le protagoniste masculin de M. Berling conclut que l'amour est tout ce qui compte, mais il est dit plus qu'il n'est ressenti et dit plus qu'il n'est montré.
