La couleur est un langage polyphonique qui rapproche l'artiste nigérian-américain Victor Ekpuk (né en 1964) et indo-américain Natvar Bahsar (né en 1934) pour explorer l'étendue d'une palette expressive et richement saturée pour dessiner de nouvelles géographies en parallèle montre à Galerie Aicon .
Trois ans après une premier spectacle solo , Ekpuk présente dans « Je suis l'essence de mon ancêtre ” peintures et sculptures en acier de 2014 à 2022, revisitant la notion de chez-soi, de déracinement et de traditions réinventées. À travers des traits audacieux et faussement naïfs, Ekpuk donne corps et voix aux couleurs primaires dominantes. Ils rugissent ; défi; et perturber. Ekpuk réinterprète de manière sensible mais graphique les nsibidi, symboles pictogrammes traditionnels du sud et du sud-est du Nigeria qui ont voyagé en Haïti et à Cuba avec la traite atlantique des esclaves.
De tels symboles planent au-dessus de l'esprit des personnages, par exemple dans les peintures Matriarche 2 (2021) et Tête à Tête 2 (2022), et sculptures Fille Ibibio (2022), qui traduisent l'intraduisibilité des pensées intérieures. Dans Oracle (2014-2022), des formes bleues d'inspiration nsibidi enveloppent toute la toile. Leur totalité solidifie leurs traits indivisibles. Le personnage, quasi-symétrique et texturé, se fond dans ce vaste inconscient collectif qui n'est ni tout à fait passé ni tout à fait présent. Leur visage est symbolisé par un œil omniscient. L'esprit observe principalement; sa fonction est de voir ce qui est à la fois visible et caché.
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Des racines africaines aux paysages plus proches, Cet américain (2022) est une tentative impressionnante de capturer la physicalité de la noirceur dans la société américaine d'aujourd'hui. La peinture est basée sur une esquisse antérieure, alors appelée Chef d'état (2011). Des lignes nettes et vives suggèrent la division, la confrontation et la liminalité - il y a un intérieur et un extérieur, un soi et les autres. Le personnage en forme de totem - une iconographie récurrente dans les œuvres d'Ekpuk - se tient debout. Leurs cheveux dessinent les contours de guet ambiguës. On peut viser les autres dans ces interstices ou se protéger des attaques extérieures. Ici, les formes nsibidi ajoutent également au motif et à la texture qui résistent à l'effacement.
'Il n'est pas nécessaire d'essayer de lire littéralement mon travail, il est plus important de se permettre de ressentir l'art, sans le fardeau de chercher un sens à chaque marque', a déclaré Ekpuk dans une interview avec Art Breath, sur un vocabulaire personnel qu'il puise dans l'art et l'écriture. Boursier de la Smithsonian Institution maintenant basé à DC, les travaux d'Ekpuk ont figuré dans la Biennale de Johannesburg (1995), la Biennale de Dakar (2014) et la Institut du Monde Arabe (2017) parmi d'autres lieux et collections remarquables.
L'art sur papier d'Ekpuk, à travers l'acrylique sur collage, célèbre la féminité et ses attributs sacrés. Tissu et autres marques labyrinthiques nsibidi définissent les silhouettes des statuettes, rappelant comment Bronzes du Bénin et d'autres artefacts indigènes acquis à tort restent dans un nombre obscène de collections, loin de là où ils appartiennent vraiment - chez eux, dans leurs communautés. La confiance et le défi de Libérienne (2022) contraste avec le regard mélancolique de Dame en robe du dimanche (2022) et il y a un certain degré de perte dans les deux images. Dans le premier, le contour rouge et inachevé d'un totem hante comme un souvenir douloureux, tandis que le second entraîne un nuage de pensées sinueuses, projetant une ombre sur une journée autrement ensoleillée.
Dans de telles œuvres, Ekpuk utilise les codes du portrait et des icônes colorées incendiaires pour dénoncer les héritages coloniaux et leur esthétique simplifiée. En tant qu'incarnation d'un sol mental et d'un foyer culturel, les totems sont les témoins essentialisés d'une identité fluide qui cherche à capter les aspirations célestes et la ferme reconnaissance d'une terre et d'un territoire. La couleur est un moyen de percevoir et une telle expérience phénoménologique est sans précédent dans les œuvres de Natvar Bhavsar.
' Partie III : Travaux de 1987 à 2005 » forme le troisième volet d'une rétrospective sérialisée. Dans cette dernière exposition qui comprend 14 tableaux, Bhavsar joue avec l'infinité linguistique de la couleur qu'il transforme en une danse, une intimité, un mouvement de pigments dépouillés d'éléments figuratifs. Ce faisant, il révèle le pouvoir de l'intensité visuelle en termes minimalistes mais puissants.
Bhavsar, d'origine indienne, a déménagé à New York en 1962, à une époque où les artistes vivaient dans les mêmes quartiers que les galeries, et où le milieu SoHo comprenait des profils familiers tels que Mark Rothko et Barnett Newman. C'est dans l'abstraction que Bhavsar se souvient des couleurs des textiles et des teintures indiennes et des poudres du festival Holi. La couleur est un refuge contre les aléas des souvenirs, les diffractions de l'esprit et son potentiel libérateur.
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Bhavsar présente trois corpus d'œuvres qui embrassent collectivement la tension d'explorer l'esprit et de trouver sa place dans le monde. Cette dualité est présentée comme une exploration progressive des couleurs froides à chaudes, dont la plupart contiennent un noyau dense de pigments tels que VASOO II (1997) et VASOO III (1997). Ces éclaboussures, bouffées et taches canalisent la frontière incommensurable de l'espace extra-atmosphérique, une échelle malléable qui se prête également aux formes moléculaires. Que ce soit dans l'infiniment grand ou dans l'irréductiblement petit, notre esprit vagabonde dans les diverses diffractions et déclinaisons qu'augmentent ces pigments.
De couleur intensément saturée, des peintures telles que MANJAREE II (1996) et VERGAA (1973-2004) apportent des teintes plus feutrées et aériennes. Avec eux, nous faisons une pause et le temps s'attarde si doucement dans une vue édénique et cotonneuse. CAG III (2001) est plus encombrée et troublée, les gris désaturant les teintes jaunes.
Bhavsar peint généralement par phases ou cycles, alternant entre les bleus, les rouges, les violets, etc. Il n'y a pas une couleur qu'il n'a pas approchée dans sa carrière de plus de 50 ans. Des travaux plus récents tels que BHADRAA III (2005) et ANDRE (2005), appliquent un savoir-faire contrôlé en sculptant de belles indentations et des détails qui conversent avec l'interprétation artistique d'Ekpuk de nsibidi ou Rachid Koraïchi' s le lettrisme mystique.
Il est difficile de transmettre avec des mots l'émotion sensorielle que ces peintures provoquent. Bhavsar est en partie magicien, en partie musicien et le talent chevronné qui imprègne ses œuvres saisit dans son apparente simplicité. Là où Ekpuk communique l'amour viscéral et la violence, la lumière diffuse de Bhavsar apparaît plus indulgente mais non moins profonde.
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Bhavsar comprend l'obscurité et les ombres comme des variantes et des interlocuteurs nécessaires aux compagnons prismatiques, une subjectivité qui s'approprie la peinture comme plus qu'une matière ou un médium. Bhavsar dépeint l'évanescence et les rêveries, la fumée d'un moment et les allitérations de l'élévation humaine de manière beaucoup plus organique que le mouvement Light and Space des années 1960 de la côte ouest, qui a été relancé à travers des spectacles récents tels que ' Color Out of Darkness » organisée par James Turrell à Pace Le printemps dernier. Alors que ses œuvres font partie d'un nombre impressionnant de collections institutionnelles et privées, sa contribution à l'expressionnisme abstrait contemporain a souvent été sous-estimée.
« La couleur me possède. Je n'ai pas à le poursuivre. Elle me poursuivra toujours, je le sais », écrit Paul Klee dans son journal, lors d'un voyage mémorable de deux semaines en Tunisie avec ses collègues artistes August Macke et Louis Moilliet en 1914. « La couleur et moi ne faisons qu'un. Je suis peintre », ajoutait Klee le jour même.
Tant de choses autour de la couleur restent insaisissables, immatérielles et consacrées. La luminosité est une aura, une énergie, des stimuli addictifs et une vie pure. Dans les spectacles d'Ekpuk et de Bhavsar consacrés au déplacement et au sentiment, nous voyons en couleur un cœur battant, les rémanences des rêves, les images rémanentes et les sons inébranlables d'ailleurs.
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