Paddy Johnson, écrivant sur Agrandissement de la Pace Gallery en 2019 et ses spectacles inauguraux, a déclaré : « Avocat Hollowell Les peintures abstraites de blobs de ont des couleurs vibrantes et c’est tout. Johnson cherchait, je pense, des moyens de critiquer la galerie – qu'elle décrit dans le même article comme attirant principalement « de jeunes frères financiers, des vieilles femmes enthousiastes ayant recours à la chirurgie plastique, des collectionneurs motivés financièrement et des touristes High Line » – et le travail de Hollowell. j'ai simplement été pris entre deux feux. L’artiste, pour ceux qui ne la connaissent pas, ne peint pas de « taches » et les teintes vives de ses toiles ne sont même pas ce qu’il y a de plus enchanteur.
Ce qui est si intéressant dans le travail de Hollowell, au-delà de la couleur, c’est la façon dont ses peintures et dessins au pastel semblent briller de l’intérieur, projetant leur propre lumière peinte sur des courbes et des monticules avec lesquels toute personne possédant un corps humain devrait ressentir une certaine parenté. Hollowell, dont le travail est très ancré dans l'expérience de la physicalité, n'est pas particulièrement timide avec ses titres, donc si vous ne savez pas si le sein, le pénis ou le mont pubis, votre cerveau a trouvé dans ce qui ressemble à première vue à un image carrément abstraite, il y a de fortes chances que ce que vous pensez avoir vu soit ce que vous avez vu.
Si vous manquez de voir la sélection des nouveaux dessins à grande échelle de Hollowell se clôturer dans quelques jours chez Pace, il y a encore ' Loie Hollowell : Space Between, une enquête sur dix ans »—sa toute première enquête muséale se déroule actuellement au musée d'art contemporain Aldrich à Ridgefield, dans le Connecticut. Cette dernière, bien sûr, offre une image plus complète de son talent artistique, mais il y a quelque chose de convaincant dans l'extrême concentration du spectacle de Pace, « Dilation Stage », qui met l'accent sur l'adaptabilité du corps féminin - le corps de Hollowell en particulier, l'ur mère dans l'abstrait - pleinement exposée, racontant une histoire aussi ancienne que l'humanité elle-même à travers des couleurs changeantes.
Observer a récemment contacté Hollowell pour lui poser des questions sur son processus, sur la façon dont les gens réagissent aux thèmes qu'elle choisit et sur les artistes qui l'ont influencée.
Beaucoup de gens parlent d’abstraction dans votre travail, mais je pense que pour ceux qui ont vécu certaines expériences – dont moi-même – cela ne semble pas du tout abstrait. À votre avis, qu’est-ce qui explique cela ?
C’est l’interaction idéale que j’espère que les spectateurs auront en regardant mon travail. Je n'ai jamais considéré mes peintures comme entièrement abstraites car elles parlent d'une expérience vécue viscérale. Même si l’impulsion pour créer une image vient toujours d’une circonstance spécifique que j’ai vécue, je souhaite que la peinture elle-même fonctionne à plusieurs niveaux et n’illustre pas uniquement ce que j’ai vécu. Je m'intéresse à tous les différents types de personnes ayant leur propre lecture ou connexion distincte, et j'espère que le spectateur oscillera entre voir quelque chose d'abstrait et distinguer simultanément des éléments de la figure. J’ai en fait découvert qu’il était impossible d’éliminer complètement la présence d’un corps.
La forme ressort souvent dans votre travail, mais quel rôle joue la couleur dans vos thèmes ? Et la lumière ?
La couleur et l’intensité de la lumière sont généralement les premiers éléments auxquels je pense lorsque je compose une image. Souvent, je connais l'expérience de couleur ou l'ambiance générale que je souhaite obtenir pour exprimer une situation avant de déterminer comment façonner l'image. Ainsi, la couleur et la lumière sont les personnages directeurs de mon travail.
Chez Pace, vous exposez des dessins intensément biographiques : dans quelle mesure votre œuvre est-elle biographique dans son ensemble ? Et pourquoi?
Tout mon travail est autobiographique. Tout vient d’expériences personnelles que j’ai vécues dans mon corps. Je réalise un travail sur ma propre expérience du monde, à partir du moment où j’ai voulu devenir artiste. C'est le contenu que je connais le mieux, que je peux explorer le plus en profondeur et dont je peux parler avec le plus d'autorité.
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Ce qui m’a frappé dans beaucoup de vos pièces, c’est qu’elles rendent le corps féminin d’une manière distincte du regard masculin, ce qui est encore inhabituel en 2024. Était-ce intentionnel ?
Mon travail explore souvent mes expériences selon une approche de l’intérieur vers l’extérieur, en particulier les situations que j’ai vécues de l’intérieur de mon corps et de mon cerveau. Compte tenu de l’origine de ce contenu, il m’est impossible d’analyser mon travail sous un autre angle que celui à partir duquel je vis ma vie, logée dans un corps identitaire féminin. Si la majorité de mes compositions s’intéressent de près à mon moi intérieur, j’ai également réalisé des images me regardant ou, plus précisément, mes organes génitaux en relation avec les organes génitaux de mon partenaire. Pour moi, cette œuvre est la plus pornographique et la plus proche de l’idée d’un regard genré.
Les gens ont comparé votre travail à celui de Georgia O’Keeffe. Cette comparaison est-elle appropriée, ou y a-t-il un (ou des) artiste(s) du passé avec lequel vous ressentez un lien plus puissant ?
Si je devais choisir un artiste du passé avec lequel je me sens le plus connecté, ce serait Agnès Pelton , en raison de son exploration de la lumière et de la couleur, et de la façon dont elle a brouillé la frontière entre abstraction et figuration. Georgia O'Keeffe a en effet été l’une des premières, et peut-être ma plus grande influence, à l’époque où j’ai commencé à réaliser ce style de travail. Lorsque j’ai commencé à me plonger dans mon travail actuel, je réalisais en fait des portraits vaginaux en forme de fleur et j’utilisais les palettes de couleurs d’O’Keeffe pour m’inspirer. Mais au fur et à mesure que ma pratique a évolué, j'ai découvert qu'Agnès Pelton et d'autres peintres transcendantaux, ainsi que des peintres néo-tantriques comme Ghulam Rasool Santosh , ont été extrêmement influents en m'aidant à abstraire mon corps tout en préservant l'essence d'une expérience vécue présente dans l'œuvre.
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