Eric Clapton et Mark King se produisent au Prince's Trust Rock Gala 2010 soutenu par Novae au Royal Albert Hall le 17 novembre 2010 à Londres, en Angleterre.Ian Gavan/Getty Images Nous hyperbolisons souvent les grands artistes en tant que maîtres de l'évolution de leur genre, mais peu peuvent vraiment revendiquer cette affirmation comme Eric Clapton.
Ce week-end, Eric Clapton célèbre à quel point il a fait évoluer le rôle de la guitare électrique dans la musique rock au cours des 55 dernières années alors qu'il joue deux nuits au Madison Square Garden dimanche 19 mars , et Lundi 20 mars .
Pour beaucoup d'entre nous, il a été l'un des premiers musiciens que nous avons suivis lorsque nous sommes entrés dans AOR. Il est aussi peut-être le plus grand récit édifiant contre les excès de toxicomanie que le rock 'n' roll ait jamais vu : Clapton lui-même dans son autobiographie de 2007 a admis qu'il était surpris de survivre relativement indemne dans les années 1970. Eh bien, au moins dans le sens physique et mental ; en ce qui concerne son représentant, les 40 dernières années ont vu Clapton – autrefois présenté comme un dieu de la guitare électrique – servi froidement comme l'un des parias du ballonnement du rock traditionnel.
Et ce n'est pas seulement Clapton le symbole ; c'est son travail en solo qui a le plus découragé les fans de musique vertueux qui ont épinglé leur propre crédit de rue sur la façon dont ils peuvent harceler le guitariste en public.
Bien sûr, Clapton ne s'est pas rendu service en maintenant sa réputation. Cette tirade raciste ivre a-t-il poursuivi lors d'un concert à Birmingham en 1976 (dont le contexte était antérieur aux sentiments rétrogrades actuels qui ont inspiré le Brexit) n'aide sûrement pas son cas parmi le set Fuck Eric Clapton. Mais considérez ceci : vos précieux parquets n'auront jamais de merde sur Eric Clapton, qui à 72 ans avec des lésions nerveuses peut encore couper les têtes de votre groupe de rock indépendant flash-in-the-pan préféré comme une lame de ginsu chaude.
Évidemment, quand il s'agit de creuser dans la discographie de Clapton, vous irez directement aux Yardbirds, Cream, Blind Faith et Derek & The Dominoes sur les plus de 20 albums solo que l'Anglais a sortis entre 1970 et l'année dernière. Mais si vous pouvez trouver dans vos lobes préfrontaux d'ignorer le concept d'Eric Clapton en tant que douchebag de rock d'entreprise, vous découvrirez le recueil de chansons d'un homme aux racines profondes et profondes dans le blues américain et le R&B, entrecoupé de badinages dans le reggae, le folk, country et jazz en chemin.
Laissez-vous tomber dans son catalogue sans préjugés, et vous pourriez être agréablement surpris par certaines des vibrations positives que vous découvrirez tout au long de votre descente dans le royaume de Dieu. Voici cinq Eric Clapton qui méritent d'être vénérés bien plus qu'ils ne le sont actuellement.
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5) Je le fais encore (2016)
Dans toute discussion sur le vrai cinquième Beatle, Eric Clapton a autant de peau dans ce jeu que Harry Nilsson, Billy Preston ou Klaus Voormann (bien que nous sachions tous que cet honneur a toujours appartenu à Sir George Martin, encore plus maintenant dans le sillage de son décès l'année dernière).
Clapton a été l'un des seuls artistes à faire une apparition sur un album des Fab Four, et il était sans doute une partie importante du style d'écriture de chansons que George Harrison a proposé. Malgré toute la situation de cocu avec Patti Boyd, Clapton et Harrison formaient un duo dynamique en collaboration l'un avec l'autre, comme en témoignent While My Guitar Gently Weeps et Badge. Le succès de Cream de 1969 comportait un crédit d'écriture de chansons à un Angelo Mysterioso, qui était le pseudonyme utilisé par Harrison en raison de ses obligations contractuelles avec les Beatles. Et c'est un nom qui apparaît sur le dernier album de Clapton, Je le fais encore, sur la chanson I Will Be There.
Clapton refuse d'admettre s'il s'agit vraiment d'un morceau inédit de Harrison ou non, bien que Billboard ait rapporté que c'était le cas en février. Écoutez la chanson et vous saurez la vérité, mais cet air de mystère est tout ce qu'il y a de mieux dans un album d'Eric Clapton.
Associé à une version améliorée de la formule à 80% de couvertures et à 20% d'originaux qu'il fait depuis Reptile, et supervisé par Main lente producteur Glyn Johns, c'est l'un des albums solo les plus cohérents de Clapton. Il y a même un autre lien avec les Beatles : le portrait de Clapton sur la couverture a été peint par Sir Peter Blake, qui a contribué aux illustrations de la jaquette de Sgt. Poivrons.
Bonus: la version de Bob Dylan I Dreamed I Saw St. Augustine qu'il fait ici est étonnamment très bonne.
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4) Du berceau (1994)
Clapton n'a pas directement expliqué la perte dévastatrice de son jeune fils Conor qui a imprégné son single Tears in Heaven de 1991 jusqu'à la sortie de son LP inégal de 1998 Pèlerin . Mais dans l'immédiateté de sa perte indicible (une perte qui, en tant que père d'un jeune garçon actif, exactement de l'âge de Conor, me frappe très profondément), Clapton a fait le deuil de la seule façon qu'il savait faire - en plongeant la tête la première dans le blues avec Du berceau.
Pour les fans de Clapton qui en avaient assez de ses manœuvres dans la pop contemporaine adulte qui incarnait largement son travail solo depuis la fin des années 70, c'était le redémarrage de carrière que nous attendions tous. Et le guitariste nous l'a donné à la pelle - les interprétations électrisantes de joyaux obscurs par des géants du blues vénérés comme Leroy Carr, Lowell Fulson et Willie Dixon sont aussi immersives que tout ce qu'il avait fait depuis son passage dans les Bluesbreakers de John Mayall.
À la suite de la mort tragique de son ami Stevie Ray Vaughan (avec deux de ses propres camarades de groupe), personne d'autre qu'Eric Clapton n'aurait pu garder le blues vivant au cœur de la révolution du rock alternatif.
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3) août (1986)
Pendant très longtemps, j'ai pensé que ce Clapton LP de 1986 était le puits absolu de ballonnement excessif des dinosaures qui imprégnait une grande partie de ce que les vieux rockeurs d'album d'antan produisaient pendant les jours Reagan pour MTV. Cependant, alors que la génération post-millénaire continue de rechercher l'innovation dans les vieilles valises à ruban Caselogic de leurs parents, la réorientation innovante des techniques de studio assistées par Fairlight et Linn a jeté un nouvel éclairage sur l'ère du milieu des années 80.
Dans cet esprit, écouter avec des oreilles fraîches la version brute de Clapton sur les sons de la radio urbaine l'inspire et le producteur Phil Collins donne août (nommé d'après le mois où son fils Conor est né) un nouveau placage de cool. Cela devient encore plus cool en apprenant que le groupe de studio mettait en vedette l'oncle de Madlib, Jon Faddis, à la trompette et une reprise de Behind the Mask du Yellow Magic Orchestra qui avait été précédemment commandée par Quincy Jones pour une inclusion initiale sur Michael Jackson. Polar.
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deux) Aucune raison de pleurer (1976)
Appelez celui-ci l'album Woodstock de Clapton. On dit qu'il était tellement amoureux Musique de Big Pink qu'il cherchait activement un essai pour devenir membre officiel de The Band, qui à l'époque n'était qu'à quelques mois de The Last Waltz.
De toute évidence, Robbie Robertson n'était pas encore tout à fait prêt à abandonner son concert, alors Clapton a fait la meilleure chose suivante, enregistrant cet album de 1976 aux studios Shangri-la du groupe avec les cinq membres, plus un duo avec Bob Dylan, qui a offert le guitariste son morceau inédit Sign Language.
Lorsque la formation originale de The Band s'est finalement séparée cette nuit de novembre à The Winterland, Clapton a réalisé son rêve et a rejoint le groupe sur scène pour une interprétation montante de Further On Up the Road de Bobby Blue Bland, où Robertson l'a sauvé de l'embarras complet en ramasser son solo de guitare après que la sangle de la hache de Clapton se soit défaite.
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1) Il y en a un dans chaque foule (1975)
Après la course réussie qu'il a appréciée avec sa percée en solo en 1974 461 Boulevard de l'Océan , Eric Clapton n'a pas tardé à frapper alors que le fer était chaud et désireux de sortir le prochain disque dès que possible.
Doubler son amour croissant pour le futur partenaire d'écriture JJ Cale's Tulsa Sound et son obsession à l'époque pour le reggae (en particulier les œuvres de Peter Tosh et Bob Marley), Il y en a un dans chaque foule était plus une méditation sur Clapton l'auteur-compositeur-interprète que Clapton l'icône de la guitare, qui a fait le titre de travail original de l'album Le plus grand guitariste du monde (il y en a un dans chaque groupe) une proposition si effrontée.
Une version brûlante de The Sky Is Crying d'Elmore James nichée dans les vibrations rasta-gospel, cependant, a néanmoins prouvé qu'il était toujours le patron de la six cordes.
