Les portraits matelassés de la star de l'art Bisa Butler sont sublimes par leur échelle et leur concept : des ressemblances grandeur nature honorant des sujets noirs, basées sur des photos en noir et blanc d'environ 1850 à nos jours. Ses portraits regorgent d'un kaléidoscope de couleurs électriques et de textures riches, chaque teinte représentant une émotion ou un thème différent. Que les sujets soient historiques ou contemporains… célèbres (Frederick Douglass, Nina Simone, Lauren Hill, Jean-Michel Basquiat) ou inconnus… Butler les produit avec le même soin intime et le même respect.
Être en présence de son travail semble sacré, et Butler a contribué à élever la perception du quilting par les gens, du métier de femme « modeste » aux beaux-arts. On lui a commandé des portraits matelassés pour les couvertures de Temps , Essence et les mémoires de Tara Burke, fondatrice du mouvement #Metoo Non lié . Elle a présenté des expositions personnelles dans des institutions telles que l'Art Institute of Chicago et le Smithsonian National Museum of African American Art. Et plus récemment, la galerie Jeffrey Deitch a accueilli « The World Is Yours », une exposition de pièces de Butler inspirées par l'artiste hip-hop Nas.
J'ai eu le plaisir d'interviewer Butler dans son studio de Mana Contemporary, un vaste centre d'art à Jersey City, dans le New Jersey.
Votre couverture pour les mémoires de Tarana Burke Non lié m'a parlé, en tant que personne faisant partie du mouvement #MeToo. Comment en êtes-vous arrivé à travailler sur ce projet particulier ?
L'éditeur de Tarana m'a contacté et m'a dit : « Tarana aime votre travail, et c'est loin d'être le cas, mais y a-t-il une chance que vous envisagiez de concevoir la couverture de ses mémoires ? Et j’ai répondu : « Absolument ». Faire quelque chose pour Tarana après qu’elle ait fait quelque chose pour tant de femmes qui pensaient qu’elles étaient responsables et qu’elles devaient cacher ce qui leur était arrivé – cela signifiait beaucoup de pouvoir faire quelque chose pour elle.
Pouvez-vous me guider dans votre démarche artistique ?
La première chose que je fais est de parcourir des photographies pour me faire une idée et me laisser attirer par une image. Je préfère les photos en noir et blanc car je peux voir une échelle de gris. Je vais agrandir la photo, l'imprimer dans mon studio et dessiner par-dessus l'image avec un Sharpie, en identifiant cette échelle de valeur. Quelle est la lumière la plus claire ? Quelle est la plus sombre des ténèbres ? Et puis je crée des formes que je peux découper. Chaque forme deviendra un autre morceau de tissu. C’est alors que je choisis ma palette, ce qui prend le plus de temps car j’utilise la couleur pour exprimer des émotions à la manière des peintres modernistes comme Picasso et Matisse. Le bleu peut représenter le calme ou la sérénité, et le rouge peut représenter le feu ou la passion.
Je veux aussi qu'un modèle soit là aussi. De nombreux tissus africains présentent des motifs de contes populaires, de contes d’épouses et d’allégories. Par exemple, il y a un tissu connu sous le nom de « grandes lèvres ». Si je veux ce tissu là-dedans, j’essaie de dire que les lèvres charnues de cette personne sont belles. Je pense à la fois à la couleur, au motif et à la signification. Après avoir tout coupé et disposé, je le colle légèrement avec de la colle à tissu et des milliards d'épingles. Je pourrais avoir un tissu de base rouge, mais tout ce qui se trouve dessus pourrait être constitué de dix ou quinze couches d'autres textures, couleurs et nuances, car j'essaie de lui donner un aspect modélisé en trois dimensions. Et puis je le charge sur ma machine à coudre.
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Votre mari, DJ John Butler, a joué une chanson de Nas qui a inspiré « The World is Yours » à la galerie Jeffrey Deitch. Comment est-ce arrivé?
Nas a cette chanson 'One Mic'. Et je voulais que mon travail ressemble à cette chanson. J’ai l’impression que la génération hip hop (les rappeurs, les producteurs – il y a quelque chose avec les musiciens) a le doigt sur le pouls, et ils sont capables de faire accélérer et redescendre votre pouls. Dans la chanson de Nas , il rime très lentement. Je sais qu'il écoutait les bruits de la rue, ou les trains M ou A. Pendant qu'il rappait, c'était presque comme s'il courait dans les rues de New York, puis c'était comme si quelqu'un le poursuivait. Sa cadence était très élevée, puis il l'a redescendue. Je voulais rendre mon œuvre aussi viscérale que cette chanson. Je veux que les gens ressentent quelque chose et je veux pouvoir le contrôler comme un maestro. Cela m’a fait recommencer à écouter Nas.
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Comment avez-vous apporté cette cadence dans votre show ?
J'essaie d'amener les gens dans mon monde pour qu'ils puissent ressentir l'humanité. La chanson vient de notre statut social actuel dans ce pays. Les gens sont les uns contre les autres, et ils deviennent de véritables sauvages : « Vous n’êtes pas comme moi. Tu es autre. » Et donc je voulais transmettre l’idée que vous ressentez ce que je ressens. Le monde est les notres . Nous n’avons pas à nous battre à mort. Cela nous appartient à tous et nous devons nous respecter les uns les autres. Cela consiste en partie à comprendre les émotions des autres et à réaliser qu’elles sont comme les vôtres. Et Nas vous emmène avec lui dans ce voyage à travers New York tel qu'il l'a connu. Et je veux que mes expositions puissent faire voyager les gens tel que je le connais. Ce sont les gens que je connais. Voilà à quoi ressemblent les Noirs. C’est ce que nous ressentons. Et vous y verrez des échos de votre propre famille.
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Parlez-moi de la fanfare qui a clôturé votre exposition à la galerie Jeffrey Deitch.
Nous avons accueilli le Malcolm X Shabazz High School Band de Newark, dans le New Jersey. Il n’était pas prévu que tout le monde se mette à marcher derrière les enfants, mais telle était l’ambiance. Et puis c'était comme un truc de Pied Piper. Les gens ont commencé à venir de partout et ils marchaient juste derrière les enfants. Au moment où ils sont arrivés à la galerie, c'était magique. Je n'ai jamais pensé à ce qui se passerait si vous jouiez de la batterie jazzy à SoHo par une journée chaude et ensoleillée du printemps. Les enfants ont marché directement dans la galerie jusqu'à la scène principale. On pouvait voir qu'ils étaient si fiers. C'était trop bien!
Dans votre exposition la plus récente à la galerie Jeffrey Deitch, les photos sur lesquelles vous avez travaillé étaient plus contemporaines. Comment est-ce arrivé?
Cela s’est produit pendant le confinement. Je me suis retrouvé dans une conversation où je parlais à la mère de Beyoncé et à MC Hammer sur Clubhouse – je pense que nous parlions de NFT. MC Hammer est très actif dans le monde de l'art numérique. Il y avait dix panélistes et trois cents personnes qui écoutaient et qui pouvaient laisser des commentaires. Cette connectivité m’a rendu plus courageux car il y a des photographes vivants à qui je voulais demander : « Pourrais-je créer une œuvre basée sur votre travail ? Mais j'ai toujours été trop timide.
J'avais toujours été fasciné par ce qui se passait auparavant, mais nous étions là à ce moment où ce qui se passait devant nous était insensé. Et je me suis demandé, pourquoi est-ce que j'ignore le maintenant ? Laissez-moi prêter attention à ma propre histoire plutôt qu'à ceux qui ont inspiré mes grands-parents.
Peut-être qu'il fallait commencer par le passé pour arriver au présent ?
Cela a certainement contribué à créer des portraits de personnes comme Harriet Tubman lorsqu'elle avait la quarantaine ou Frederick Douglass lorsqu'il avait vingt-neuf ans. Ils ressemblent à des personnages mythiques, mais ce sont aussi des êtres humains. Lorsque je créais un portrait de Frederick Douglass, j'ai dû réfléchir aux pensées qui lui traversaient la tête. Frederick Douglass, c’est autre chose car c’est une force de la nature qui se libère, s’évade et apprend tout seul à lire. Il est devenu la personne la plus photographiée, encore plus que la reine Victoria, au XIXe siècle. En le regardant dans les yeux, j'ai réalisé qu'il y avait tellement plus que je n'obtenais pas. Je veux dire, quand regarde-t-on vraiment les photos des autres pendant cent heures ? Je pouvais voir une tache dans son œil. Puis j'ai lu dans son autobiographie qu'il avait été battu une fois et qu'il avait presque perdu son œil gauche. Mais la tache était toujours là, le capillaire éclaté. C’était une conversation intime et profonde avec une personne qui avait une vie très différente de la mienne.
Lorsque vous êtes allé à l’Université Howard, vous avez découvert une manière différente de peindre. Pouvez-vous parler de ça?
Le chef du département d'art, Jeff Donaldson, a fondé un collectif artistique révolutionnaire Black Power dans les années 1960 à Chicago, appelé AfriCOBRA. Ce sont mes professeurs qui ont jeté les bases de nombreuses couleurs que vous voyez dans mon travail car ils ont créé une nouvelle palette : Kool-Aid. Avant cela, la tradition de la peinture européenne aurait été la norme dans les écoles d’art de tous les États-Unis. Kool-Aid avait plusieurs significations. C'était cool, car nous voulions que notre palette corresponde aux couleurs que les gens portaient dans les années 60 – orange vif, jaune, vert vif, rouge vif, DayGlo – toutes les couleurs étaient présentes. Mais aussi, nous voulions les couleurs du continent africain. Vous aviez des étudiants comme mon père venant d’une Afrique nouvellement libérée. Vous avez commencé à voir des enfants nigérians sur le campus et des enfants ghanéens sur le campus. De plus, les Noirs américains se rendaient en Afrique pour étudier et ils ont vu les couleurs du marché. Je pense que Kool-Aid faisait partie de l'art destiné au peuple et pas seulement aux musées et aux galeries. Ils voulaient que les gens ordinaires aient de l’art chez eux et qu’ils le comprennent.
Après avoir obtenu votre diplôme, vous avez obtenu une maîtrise ès arts à la Montclair State University. C'est là que tu as appris à quilter ?
Le noyau de Montclair State comprenait les arts de la fibre. C’est là que j’ai réalisé que je n’avais pas besoin de toile. C'était la première fois que je pouvais créer un art adapté à mon style de vie. Quand j'étais une jeune mère, John travaillait toute la journée et j'étais à la maison avec les enfants. J'avais besoin d'avoir des œuvres d'art sur lesquelles je pourrais travailler pendant des heures avec mes enfants, et le quilting, c'était ça.
J'ai lu que votre premier portrait matelassé était celui de votre grand-mère. Qu’est-ce qui a inspiré cela ?
J'ai peint un portrait d'elle quand j'étais à l'école supérieure. Sa santé était mauvaise. Elle a dit : « Vous m’avez fait ressembler à une vieille, vieille dame. » Elle détestait ça. J'ai donc réalisé un portrait matelassé de sa photo de mariage [ Francis et Violette (grands-parents) ] et elle a adoré.
L'a-t-elle accroché au mur ou l'a-t-elle utilisé comme couverture ?
Elle ne pouvait pas sortir du lit. Elle s'appelait Violette, j'ai donc dû utiliser un tissu violet violet. Mais la couette n’était pas si grande. Elle le posait sur ses jambes. C'était dans du papier de soie, donc quand les gens venaient, elle enlevait le papier de soie. Elle voulait que tous ceux qui venaient s'asseoir à son chevet regardent cette courtepointe.
Parlez-moi de votre portrait matelassé de la mère et de la fille, Entrée colorée . Même si les couleurs que vous avez choisies sont exaltantes, je suis hantée par le panneau.
Cette photo particulière a été prise en 1956 et Gordon Parks utilisait un film photo couleur, ce qui était nouveau à l'époque. Les couleurs étaient douces, pastel et granuleuses, ce qui a influencé les couleurs que j'ai choisies. J'ai choisi un fond floral orange et blanc. Ma nièce et moi avons remarqué que cela ressemblait à une glace. C'était comme cette crème pastel orangée. Parce que c’est la première impression de cette photo. C’est un beau dimanche ou samedi après-midi, et une femme et un enfant font leurs courses dans l’avenue. Ils sont habillés de manière très féminine. La petite fille porte une robe en dentelle. La femme est en talons. Tout chez eux est si gentil et féminin. Mais ensuite, il y a cette énorme enseigne au néon au-dessus de leurs têtes qui dit : « Entrée colorée ». C’est donc l’aspect horreur – c’est comme une frayeur dans un film d’horreur. Et le plus triste, c’est que c’était la réalité de la vie américaine.
Après avoir obtenu votre diplôme de la Montclair State University, vous avez enseigné l’art au lycée de Newark. J’ai lu que vous étiez ami avec un bibliothécaire décédé, et c’est à ce moment-là que vous avez arrêté d’enseigner. Était-ce un moment lumineux pour vous ?
C'était. À cette époque, la bibliothécaire du lycée où je travaillais est décédée dans son sommeil et elle n’avait pas beaucoup de famille. Mon directeur a eu un moment de silence pour elle, mais ce sont des adolescents. C'était censé durer une minute, mais ils n'ont réussi que 30 secondes. Quelques mois plus tard, ils avaient embauché un autre bibliothécaire. Avec le décès de mon ami, j’ai réalisé que le soleil se lèverait toujours, que la lune se coucherait toujours et que la vie continuait. Alors, que veux-tu faire de ta vie ? Parce que si vous disparaissez, ils continuent sans vous. C’est à cette époque que j’ai décidé que je devais trouver un moyen de devenir artiste à plein temps.
Parlez-moi de vos prochaines expositions au musée.
Je prépare actuellement une visite de trois musées pour une exposition personnelle qui débutera à Washington, DC, et je serai la première femme noire à présenter des expositions personnelles dans deux de ces lieux. C'est une exposition qui présentera des pièces datant de mes débuts en 2001 jusqu'à nos jours. Je pense qu'il y aura une trentaine de quilts dans l'exposition.
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En ce qui concerne le climat politique en Amérique, on a parfois l’impression que nous reculons. Comment devrions-nous traiter cela?
Cela me fait peur comme tout le monde, mais je pense qu'il faut se rappeler qu'il y a eu d'autres moments dans le monde et dans ce pays où certaines personnes ont été réduites en esclavage. La loi a dit à certaines personnes : « Vous n’êtes pas un être humain. Vous êtes les trois cinquièmes d’un être humain. Vous n’êtes pas propriétaire de vos enfants. Vous n’êtes pas propriétaire de votre terrain. Vous n’êtes pas propriétaire de votre propre corps. Frederick Douglass a déclaré lors de son évasion : « Je suis un voleur. J'ai volé cette tête, ces mains et ces jambes. Et c'était lui-même. S’il pouvait sentir qu’il y avait mieux et plus dans ce monde et qu’il y avait de bonnes personnes, nous ne pouvons pas abandonner.
