Chris Clark.Tim Saccenti L'artiste électronique britannique Chris Clark a sorti une techno avant-gardiste sur Disques de distorsion depuis 2001, à mi-chemin entre une musique corporelle agressive et impénétrable et de magnifiques mélodies cérébrales. La semaine dernière, Warp est sorti Décès Culminer , le neuvième long métrage de Clark et le plus grand résumé du formidable talent du producteur à chatouiller l'esprit et le corps simultanément.
Peut-être plus que n'importe quelle sortie solo depuis, Clark's Pic de la Mort est une composition, qui suit un tableau d'ambiance lâche de la vie florissante alors qu'elle se dirige vers la décadence et la mort. Son dernier long métrage, éponyme de 2014, Clark , était un album d'hiver. Celui-ci est pour le printemps.
L'incroyable professionnalisme et la nature multicouche de Pic de la Mort est logique lorsque l'on considère la formidable production multidisciplinaire de Clark, en particulier au cours de la dernière décennie. Il a composé des pièces de danse, collaboré avec des collectifs d'art, composé des séries britanniques Les Dernières Panthères et s'inspire de collaborateurs comme Melanie Lane, une chorégraphe avec qui il travaille depuis une décennie dans divers contextes multidisciplinaires.
The Braganca a récemment rencontré Clark sur ce que le fait de regarder la chorégraphie de Lane lui a appris sur l'improvisation et la composition, la libération du travail avec des formes sonores bon marché et dégradées, et comment garder un public constamment engagé dans le push-pull entre beauté et abrasion.
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Je te suis depuis 2014, quand le disque S/T est sorti. Vous avez joué une soirée électro très intéressante avec Chose Nosaj lors de cette tournée, dans un quartier qui était autrefois connu pour sa culture et qui est rapidement devenu très omniprésent et monotone avec la musique comme contenu, la musique comme bande sonore commerciale de voiture.
Il n'en faut pas, le glissement incontournable vers une vie homogène, fade, banale.
Ce qui rend votre approche de la façon dont vous présentez votre musique et comment vous présentez votre travail d'autant plus fascinante pour moi. Installations lumineuses, chorégraphies, votre travail interdisciplinaire avec Mélanie Lane .
Oui, j'aime vraiment avoir une idée claire de qui je veux laisser prendre en charge ces choses, et en qui j'ai confiance pour permettre que cela se produise. Je pense que j'ai abandonné cette idée que je dois tout faire moi-même, parce que c'est assez autolimitatif. Il y a des domaines de ma musique sur lesquels j'exerce un contrôle psychotique, mais ce sont généralement des choses musicales. En termes d'esthétique, je suis très heureux de travailler avec Mélanie, car nous avons fait tellement de choses sous le radar. J'ai composé neuf œuvres pour elle maintenant.
Des commissions, non ?
Oui, c'est une chorégraphe, et la plupart d'entre elles sont des commandes. Ce qui était étrange pour moi, c'est que cela semblait être un bond en avant par rapport au dernier spectacle en direct parce qu'il y a des danseurs, et je n'ai jamais eu de danseurs sur scène auparavant. Mais, et j'espère que c'est évident, ce n'était pas comme si je pensais juste, Oh, la danse est cool, demandons à une entreprise de marketing d'avoir des danseurs. Mélanie et moi avons une relation depuis 10 ans, donc c'était intuitif et facile à saisir, l'idée qu'elle ferait ainsi la chorégraphie du spectacle. Donc ça s'est vraiment bien passé. Et je l'ai laissée s'occuper de ça en gros, c'est elle la patronne...
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Cela dit, je me demande comment penser à travailler aux côtés de ces différents contextes performatifs affecte votre travail lui-même et votre cerveau créatif, lorsque vous revenez avec la programmation et le beatmaking. Quelle est la manière la plus simple dont toute cette vaste expérience s'est glissée dans votre travail enregistré ?
Je pense que l'idée que vous condensez… J'ai beaucoup appris sur le processus d'improvisation et de composition dans la façon dont Mélanie travaille, et aussi dans mon propre travail. Comment vous tracez certaines limites autour des choses. Mes albums sont massivement composés, mais j'improvise beaucoup. Je fais de la musique tout le temps, et les morceaux de l'album sont ceux dont j'ai des versions réitératives, sur lesquelles je reviens encore et encore. Et chacune de ces versions est une sorte d'improvisation, mais finalement vous devez choisir une copie distillée, vous savez ? Et vous devez choisir la copie qui est les copie, la version légitime qui rend les autres non pertinentes.
Et puis, quand tu joues en live, tu as toutes ces pistes à tirer ?
Exactement, ouais. En direct, c'est complètement différent. Tu peux aller assassiner en direct. Eh bien, pas de meurtre, exactement, mais des versions assez étendues et monstres de Frankenstein de votre musique.
Il y a beaucoup de symboles de statut yuppie dans la musique, des gens utilisant des modes de production incroyablement privilégiés pour créer une musique assez fade. J'aime l'idée d'utiliser n'importe quelle forme disponible pour créer quelque chose de convaincant.
C'était l'ambiance quand je t'ai vu jouer il y a quelques années. Il sonnait plus chaud, mais aussi plus impétueux que le disque. C'était de la musique corporelle, que je le veuille ou non.
[Des rires] J'avais l'habitude d'aller aux raves quand j'étais adolescent et de danser toute la nuit, donc la musique pour moi doit être physique dans un club. Jouer en direct, vous ne voulez pas être désinvolte, vous voulez garder le contrôle. S'il y a un endroit où il y a une zone de test pour les erreurs, et les erreurs que vous tournez ensuite à votre avantage, c'est en direct. Si vous le faites d'une manière ouverte et audacieuse, les gens y répondent bien. S'il y a assez d'énergie brute autour de cet élément impétueux, alors les gens l'adorent, j'ai appris. C'est ce que vous êtes là pour faire, vous êtes là pour vous mettre en danger. Et parfois, les choses sont un peu rudes sur les bords, mais je suis fan de ça.
Eh bien, je sais que vous avez libéré Clark sachant très bien que c'était un peu un album d'hiver, et vous le dites clairement dès le début Décès Culminer est un record de printemps. En quoi cela vous est-il utile de penser à ces cycles de chansons en termes de saisons ?
J'adore avoir un contrôle de niveau supérieur sur l'esprit de mon public. J'aime le fait que je raconte une histoire et que je ne me contente pas de sortir Tech House Bangers Vol. 2.3. et ce n'est pas une tournée de DJ. Je raconte une histoire, j'ai un récit et oui, je pense à mes disques sous tous les angles. Je veux que mes auditeurs l'apprécient à ce grand niveau méta, pas seulement ce titre de piste obscur et obtus. Oui, c'est un record printanier. 
Chris Clark.Tim Saccenti
Quelle est l'histoire, qu'est-ce qui change du début à la fin, l'intensité de construction mise à part, l'apogée mise à part ?
Eh bien, j'aime y penser comme une roue musicale continue qui n'a pas vraiment l'impression de se terminer ou de commencer. Lorsque la dernière piste se termine, elle est dans la même tonalité que la première. C'est cette roue bien construite. Il n'y a pas de paroles, je ne peux pas prétendre que je suis Nick Cave, tu sais ?
Je raconte des histoires à travers des mélodies et des rythmes, et je veux que ces bases vraiment solides soient ce qui le porte, plutôt que la technique ou la complexité de surface. Je veux qu'il y ait ce fil d'émotion. Et je suppose que le fil conducteur de cet album est qu'il commence comme un jeu de prairie, assez modeste et pour mon écoute assez facile. Quand je dis que les gens qui écoutent facilement peuvent hausser les sourcils…
Mais ensuite, cela se transforme, comme une sorte de spirale, en ce monde d'équipement beaucoup plus lourd et émotionnel, je pense. Je voulais faire ça d'une manière qui flirte avec la vulgarité, qui flirte avec la musique pop, et utilise une forme assez dégradée. Vous savez, le son de Hoova est bon marché comme de la merde, c'est l'un de mes sons préférés, mais c'est comme une bande dessinée. Je suis vraiment influencé par Alan Moore, et vous savez qu'Eddie Campbell a fait les conceptions graphiques.
Alan Moore, le romancier graphique ?
Oui. Il utilise une forme bon marché et dégradée, mais il raconte des histoires émotionnelles et complexes avec. Je préférerais faire cela plutôt qu'un orchestre de 30 musiciens joue les arrangements de cordes les plus fades que l'homme connaisse. Et il y a beaucoup de ça. Il y a beaucoup de symboles de statut yuppie dans la musique, des gens utilisant des modes de production incroyablement privilégiés pour créer une musique assez fade. J'aime l'idée d'utiliser n'importe quelle forme disponible pour créer quelque chose de convaincant.
C'est ce cercle constant : vous voulez être gentil avec les gens, mais vous voulez aussi être un peu dur.
Je t'entends. Parlé à Kevin, The Bug plus tôt la semaine dernière sur la façon dont la musique industrielle est ce genre qui a été ironiquement coopté et perverti de son contexte d'origine en quelque chose de pasteurisé. Une grande partie de votre crudité pose les mêmes questions, elle vous frappe après une lente construction de quelque chose de particulièrement joli ou mélodieux.
Oui, j'aime cette contradiction. C'est ce cercle constant : vous voulez être gentil avec les gens, mais vous voulez aussi être un peu dur. Rien n'est séduisant si c'est trop l'un ou trop l'autre, il faut avoir de la nuance avec tout. Comme le dernier morceau de l'album, Un U.K., la fin est assez schmucky, à un niveau. Si j'utilisais un vrai orchestre ce serait terrible, mais il y a ces vieux magnétophones appelés Nagras, et c'est juste moi sur un poste de travail avec une chorale d'enfants. C'est tellement lo-fi que toute grandiloquence est sapée par le fait que ce n'est que moi sur un magnétophone.
Cela semble certainement assez ancien. C'est un tel cliché que je n'arrive presque pas à croire que je le dis, et je sais que je viens de faire une grosse affaire en racontant une histoire, mais je pense que si je pouvais raconter l'histoire, je n'écrirais pas la musique. Mais j'ai juste ce sens très fort du pathos et de la narration dans ma musique et cela passe avant tout le reste, vraiment.
Pas cliché du tout. La version cliché de ce que vous venez de dire serait, si je savais faire autre chose, je ne ferais pas ça.
Oui, [des rires] il y en a tellement de bons ! Le meilleur, c'est que je fais de la musique pour moi-même, si quelqu'un d'autre l'aime, c'est juste un bonus. C'est dans mon Top 10 de tous les temps.
Mis à part le fait que nous sommes tous les deux membres de la classe créative et que nous sommes considérablement baisés par l'infrastructure de l'entreprise, être écrivain m'a appris que les gens qui disent des conneries comme ça ont tendance à être les plus narcissiques. Cela peut être une chose pour beaucoup de producteurs en particulier, car il y a une singularité de vision impliquée et vous êtes le gars dans la pièce avec vos sons pendant si longtemps, en train de vous défoncer de votre propre approvisionnement.
[Des rires] C'est si bon!
Encore un cliché !
Il y a de l'arrogance et de l'humilité à chaque étape du jeu, et vous les avez en quelque sorte tous les deux dans une petite danse humoristique les uns avec les autres. Tout ce qui est bon est motivé par l'ego, vous devez avoir une touche de sévérité. Et je me méfie des musiciens qui s'y lancent avec une idée de, je fais juste ça parce que je veux sonner comme le prochain gars. Non, vous devriez faire cela parce que vous êtes insatisfait de tout sauf du son de votre propre voix, sûrement. [Des rires] Comment ça sonne?
