Sorti le 11 mai 1967, les débuts de Country Joe & the Fish Musique électrique pour l'esprit et le corps capturé la magie flottant dans l'air à San Francisco juste avant le début du tristement célèbre Summer of Love.
Mais avant de commencer à regarder à travers le kaléidoscope teinté de rose de la nostalgie des vieux jours de la renaissance psychédélique de San Francisco, commençons par comprendre comment Country Joe et le poisson a son nom…
Comme le dit leur guitariste/organiste d'origine David Bennet Cohen :
Joe McDonald et E.D. [Eugene Denson, l'ami/manager du groupe] était assis autour du cottage d'E.D. à Berkeley, essayant de trouver un nom pour le groupe. Comme ils avaient tous deux des tendances révolutionnaires, ils voulaient un nom reflétant leur position politique. En feuilletant le « Petit livre rouge » du président Mao Tse Tung quand E.D. a trouvé la phrase : « Le révolutionnaire est un poisson qui nage dans la mer du peuple. » De là est venu « Le pays Mao et le poisson ». Mais Joe a dit que cela pourrait semer la confusion car l'Amérique ne reconnaissait pas la Chine rouge. Donc, E.D. a suggéré « Country Joe and the Fish, avec « Joe » étant Josef Staline.
L'approche de Joe était… profondément cérébrale. Son concept était essentiellement de rassembler quelques personnes et de faire bouger les choses, explique le guitariste principal Barry The Fish Melton.
Aucun de nous n'était musicien professionnel, sauf peut-être David, qui venait de New York. [Le batteur Gary] Chicken Hirsh était quelque peu professionnel, mais seulement parce qu'il avait quelques années de plus que nous.
Quand je suis arrivé en Californie en 1965, je jouais de la guitare, principalement des chansons folk, a déclaré Cohen.
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Je n'ai décidé d'acheter une guitare électrique qu'après avoir vu les films des Beatles. Ils m'ont finalement fait accepter le rock'n'roll. J'y étais vraiment opposé avant ça. J'ai commencé à traîner dans les magasins de guitare et dans quelques petits clubs locaux appelés le Jabberwock et le Questing Beast, où nous jouions pour 5 $ et de la nourriture. Le Jabberwock avait un vieux piano battu et Barry est devenu fou de mon boogie-woogie en jouant sur des chansons comme « St. Louis Blues.' Country Joe voulait un joueur d'orgue dans le groupe après Autoroute 61 est sorti et Barry lui a dit que je jouais.
Les orgues d'église étaient vraiment de gros instruments intimidants, avec toutes ces pédales. Je n'avais jamais joué d'orgue auparavant, mais je voulais le concert, a déclaré Cohen en riant. Le groupe m'a donc offert un orgue Farfisa. Je n'avais aucune idée de ce que je faisais. Aucun de nous ne l'a fait ! Nous étions juste en train de composer cette musique, de créer un son et puis c'est devenu réel. Plus tard, les critiques ont dit que j'avais «un style unique». Mais je ne faisais que copier mes propres riffs de guitare !
Nous avions été un groupe de jug mais nous ne jouions pas de manière conventionnelle, a déclaré Melton. Nous faisions quelque chose de nouveau. Nous avons délibérément emprunté un chemin différent. Ce n'était pas comme si nous en discutions. Nous avons fait le pont entre le folk et le jazz avec le bluegrass, la country et le blues. C'était une musique folk improvisée, comme ce que les Grateful Dead exploitaient commercialement. Lorsque vous créez quelque chose de nouveau, vous ne pouvez être soumis à aucune norme de critique.
Six semaines seulement après la formation du groupe, ils ont décidé d'enregistrer un EP composé de trois chansons et de le sortir sur l'obscur label Rag Baby, car aucune maison de disques ne frappait à leur porte… pour le moment. Le disque comprend trois morceaux qui apparaîtront bientôt sur leur premier album : Section 43, Bass Strings et Love.
Nous n'étions même pas sûrs que nous allions rester un groupe très longtemps, mais nous voulions faire un disque, a déclaré Cohen. L'EP est sorti étonnamment bien.
Peu de temps après, le groupe a signé avec Vanguard Records.
Joe a signé un contrat terrible pour 12 albums en trois ans ! se souvint Cohen. Mais nous en étions très contents car ils avaient cette image folk branchée que nous aimions beaucoup. Nous avons enregistré le premier album [ Musique électrique ] en trois jours, et bien que cela aurait pu être mieux, mais c'était vraiment impressionnant. Il a été enregistré sur huit pistes. Pour la plupart, nous avons tout fait en direct, les voix étant doublées plus tard. [Producteur/auteur/musicologue] Sam [Charters] est resté à peu près à l'écart de nous laisser faire ce que nous voulions.
Sam nous a convaincus de licencier notre batteur original John Francis Gunning, un joueur de conga beatnik alcoolique qui a déjà mis fin à un solo de batterie en tombant de son tabouret. C'était un changement étrange et lourd pour le groupe, mais la batterie de Chicken était bien meilleure. Il ne jouait pas de solos flashy. Il était solide et perdait rarement le rythme, et surtout, il comprenait le jeu d'ensemble. Mais, même si musicalement nous étions bien meilleurs, il y avait quelque chose d'intangible qui était perdu. Nous devenions un groupe de rock « professionnel »…
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Ouverture avec Flying High, en moins de trois minutes Musique électrique pour l'esprit et le corps établit le modèle de ce qui allait devenir l'un des albums les plus avant-gardistes et emblématiques des années 60 : un blues slinky et louche avec des riffs de guitare solo cinglants, accompagnés d'un vibrato électrique fou qui était populaire parmi les guitaristes de San Francisco comme Jorma Kaukonen de Avion Jefferson et John Cippolina de Quicksilver Messenger Service.
Le deuxième morceau de l'album, Not So Sweet Martha Lorraine, était le seul single de Country Joe à (à peine) faire partie du top 100 du Billboard.
L'air s'ouvre sur un glissando d'orgue glissant de David Bennett Cohen. Son son rappelait davantage les rockers tex-mex comme Question Mark & the Mysterians et Augie Meyers du Sir Doug Quartet que les riffs Hammond d'Al Kooper sur Like A Rolling Stone, qui (avec les groupes britanniques Invasion the Animals and the Zombies) a fait l'instrument une partie essentielle du rock des années 60. Avec des lignes comme des volumes de littérature basés sur elle-même, les paroles de Country Joe ont révélé l'inspiration de la poésie surréaliste de Dylan qui a illuminé ses nouveaux albums, Ramener tout à la maison , et L'autoroute 61 revisitée .
Le Death Sound Blues a résonné avec un tambourin bruyant et une guitare solo fumante de Barry Melton portant l'influence du regretté/grand guitariste Mike Bloomfield (qui a ensuite produit l'un des albums solo de Melton). Barry et moi sommes allés voir le Paul Butterfield Band et Mike Bloomfield était fabuleux, se souvient Cohen.
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Nous sommes allés voir «Butter» sous acide et avons réalisé que nous devions être électriques, a expliqué Melton.
Butterfield Est Ouest [sorti l'année précédente, en 1966] vraiment resté dans ma tête. Ils ont introduit des riffs du Moyen-Orient dans la musique occidentale. J'ai grandi à L.A. et la scène folk était vraiment florissante à l'époque, dans un club appelé Ash Grove. Ry Cooder, Taj Mahal et David Lindley y ont tous joué. Il y a eu beaucoup de ce qu'on a appelé plus tard la « musique du monde ». Je suis allé voir Ravi Shankar et Ali Akbar Kahn enregistrer aux World Pacific Studios, ainsi que Hamsa El Din et Kimeo Eto, le grand maître [aveugle] du koto.
Dans la poésie pourpre de Porpoise Mouth Country Joe, qui a embrassé avec enthousiasme tous les tabous possibles de l'époque, a offert une métaphore hilarante du sexe oral, alors qu'il chantait, J'ai faim de ta bouche de marsouin et je me tiens debout pour l'amour.
Mettant en vedette les claviers de David Bennet Cohen, avec une guitare époustouflante et un harmonica bluesy chevauchant des tambours tribaux, l'instrumental décousus Section 43 était le parfait jam psychédélique de forme libre, pour danser toute la nuit. 
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Nous avons commencé à emballer le Fillmore et l'Avalon Ballroom. La danse était assez étrange, vaguement sexuelle et ondulante, a déclaré Barry en riant. Les gens n'ont pas toujours eu de recul. Parfois, le rythme était suspendu ou abandonné complètement. Ils seraient soit heureux, soit énervés, mais pour être honnête, nous nous fichions de ce que les gens pensaient.
La deuxième face de l'album a débuté avec Superbird dans lequel Country Joe a visé à mort la promesse de LBJ de la Great Society et de la machine de guerre vorace qui l'a alimentée. Sortez, Lyndon, les mains hautes, raille MacDonald, menaçant de renvoyer le garçon d'eau de l'établissement au Texas, [pour] travailler sur [son] ranch.
Un numéro folk-rock de style Byrds suit avec Sad & Lonely Times, avec des harmonies chaleureuses et des guitares country entraînantes. Malgré un accord de neuvième jazzy surprenant marqué à la fin, la chanson sonne comme un retour en arrière, même selon les normes de 1967. Joe avait déjà écrit la plupart de ces chansons bien avant que nous enregistrions l'album. Ils étaient déjà dans son répertoire, a expliqué Cohen.
Ensuite, il y a un air de blues rock groove appelé Love, que Barry Melton a chanté dans son plus sale Janis Joplin (oui, Country Joe et Janis étaient un élément pendant une minute chaude) râpeux. Cohen et Barry échangent des lèches pendant que la basse de Bruce Barthol pompe en dessous. Mais le fondu arrive trop vite sur ce qui était clairement le meilleur jam que l'album avait à offrir.
Six mois avant que Mick Jagger ne se demande avec désinvolture Où est ce joint ? au milieu de la mêlée psychédélique des Stones, Leur Demande des majestés sataniques , Country Joe a ouvertement exhorté ses copains à passer ce tour sur Bass Strings (probablement nommé en l'honneur de la basse douce et ambulante de Barthol).
La voix sinueuse de Joe livre l'une des paroles de stoner classiques des années 60 : je crois que je vais aller au bord de la mer, laisser les vagues me laver l'esprit. Ouvre ma tête maintenant, juste pour voir ce que je peux trouver. Juste un voyage de plus maintenant, ils savent que je resterai haut tout le temps. Barry Melton plie et tord les riffs élastiques de sa guitare pendant que MacDonald murmure à plusieurs reprises L…S…D… alors que la chanson s'estompe.
Suit le Masked Marauder, une autre valse en boucle, dégoulinante et trippante, parfaite pour se balader à la lueur du spectacle de lumière en constante évolution. Nous étions plutôt défoncés. Presque tout le monde était défoncé presque tout le temps, a avoué Cohen en riant.
Complet avec des carillons éoliens retentissants, des harmoniques de guitare déformées, une flûte à bec lugubre et des voix en écho, le dernier numéro de l'album, Grace était la pétillante valentine sonore du groupe pour la sirène de Jefferson Airplane, Grace Slick. 
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À cette époque, un ami m'a demandé si je voulais voir «l'avion», se souvient Cohen. Je ne savais pas de quoi il parlait. Je pensais qu'il allait m'emmener à l'aéroport ! Donc, nous sommes descendus à Haight et avons rencontré Marty et Jorma. Leur manoir était plein de belles guitares ! Puis nous sommes allés voir les Dead, que je connaissais bien et j'ai entendu Jerry faire exactement ce que je voulais faire ! Peu de temps après, nous avons joué un concert sur le campus de Berkeley et Jorma et Jerry sont venus nous voir.
Dix ans avant l'éclatement du punk à New York et à Londres, les groupes de San Francisco s'opposaient avec défi aux groupes pop raffinés et raffinés qui dominaient la radio et étaient présentés chaque semaine sur Le spectacle d'Ed Sullivan. Il y avait un esprit do-it-yourself, Devil-may-care, go-for-it, qui a défini les nouveaux groupes de la Bay Area, dont le son sans fard a énervé même Pete Townshend.
Je ne voyais pas comment les Grateful Dead, Janis Joplin ou Country Joe pouvaient être pris au sérieux, a déclaré Townshend à l'auteur Harvey Kubernik (dans son nouveau livre d'images fabuleux 1967 : Une histoire rock complète de l'été de l'amour ). Leur son était si rugueux et brut que le guitariste des Who gémit. Maintenant, je vois mieux ce qu'ils faisaient, et tout comme les Who, il ne s'agissait pas seulement de musique, il s'agissait de message, de style de vie et de changement… [mais] il a fallu du temps pour comprendre cela.
Malgré son audace thématique et sonore, Melton et Cohen m'ont accueilli avec un sentiment d'indifférence distincte lorsque j'ai demandé s'il y avait des plans pour un concert de retrouvailles pour commémorer le 50e anniversaire de Summer of Love. En fait, la ville de San Francisco semble préférer oublier la renaissance de la contre-culture tant vénérée qui s'est jamais produite - il ne semble y avoir rien à l'horizon pour célébrer ce moment sauvage et merveilleux dans le temps.
Dans deux ans, ce sera le 50e anniversaire de Woodstock, a déclaré Melton avec désinvolture, comme pour laisser entendre que l'avenir pourrait éventuellement permettre un dernier concert.
Joe est un gars compliqué, a proposé David Bennet Cohen. J'ai quitté le groupe fin 1968. Jouer avec Country Joe & the Fish, c'était comme jouer à la fois le meilleur et le pire concert de votre vie.
