Avion Jefferson.Facebook Bien avant que le mot unplugged ne fasse partie de notre langue vulgaire, un instrumental évocateur d'à peine moins de deux minutes est apparu sur Avion Jefferson Travail de 1967 Oreiller surréaliste . Premier morceau de musique jamais écrit par le guitariste Jorma Kaukonen, Embryonic Journey était une méditation à six cordes qui résumait l'ambiance des années 1960 aussi puissamment que n'importe quelle chanson de cette époque (avec ou sans paroles).
« Embryonic Journey » m'a fait m'asseoir et prendre note du remarquable jeu acoustique de Jorma, s'est exclamé l'ancien Capitaine Cœur de Bœuf guitariste Gary Lucas. C'est l'une des compositions les plus cristallines et les plus belles de tous les temps, avec John Fahey à son meilleur.
Mélangeant des riffs de raga inspirés des sitars modaux avec le style de doigté piémontais du révérend Gary Davis, la chanson de Kaukonen est rapidement devenue l'une des préférées des DJ à l'époque de la radio FM de forme libre, qui l'utilisait régulièrement comme entrée ou poursuite. aux nouvelles du jour, pour la plupart de mauvais et sinistres rapports sur les émeutes du centre-ville ou l'escalade de la guerre au Vietnam. Cinquante ans plus tard, ce morceau de musique s'est logé dans notre conscience collective.
Sorti le 1er février 1967, le deuxième album d'Airplane (et le premier à présenter Grace Slick, qui a remplacé Signe Anderson, une mère récente qui a quitté le groupe pour s'occuper de son bébé) contenait deux de leurs plus grands succès : Somebody To Love, qui en vedette la voix de force coup de vent de Slick et la guitare hurlante de Kaukonen ainsi que le boléro rampant et claustrophobe, White Rabbit, complété par des paroles inspirées de Lewis Carroll construites sur la pulsation insistante de la basse de Jack Casady.
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Jack se situe quelque part entre John Entwistle et [le bassiste de la session Motown] James Jamerson, affirme Victor Krummenacher, bassiste des piliers du rock de Santa Cruz Camping-car Beethoven . Il est plus précis que McCartney, mais pas aussi mélodique. Il a un groove puissant et est bon avec un remplissage rapide. Il sait comment propulser la musique de manière intéressante. Jack connaît son travail et ne gêne pas, ce qui est admirable.
Avant de se produire à l'idyllique Monterey Pop Festival (16-18 juin,1967) où le groupe a joué un set explosif au premier rassemblement de masse de la contre-culture en plein essor, l'Airplane est apparu sur Kiosque américain le 3 juin. L'animateur de l'émission, America's Oldest Teenager, Dick Clark a informé son public adolescent qu'il y avait une toute nouvelle scène [happening] à San Francisco avant qu'il ne tente maladroitement d'interviewer le groupe, qui, portant une variété de lunettes de soleil, se tenait devant l'image d'un vieux manoir victorien effrayant qui ressemblait à la résidence délabrée de Norman Bates dans Alfred Hitchcock psychopathe .
Vêtue d'un sweat à capuche noir, Grace Slick ressemblait à une mère de culte menaçante tandis que Casady souriait d'un sourire narquois de chat du Cheshire alors qu'il jouait, empêtré dans une toile d'araignée de câbles de guitare. Pendant White Rabbit, la caméra coupait par intermittence entre des plans à l'envers du groupe et une lampe à lave qui jaillissait lentement.
Mais c'est la réponse désinvolte de Paul Kantner à la question de Clark de savoir si les parents ont des raisons de craindre les tendances récentes parmi la jeunesse américaine qui se démarque encore aujourd'hui comme un moment révélateur de l'été de l'amour. Je pense que oui, répondit Kanter. Leurs enfants font des choses qu'ils ne comprennent pas.
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Bien que les médias soient généralement obsédés par Slick, en écoutant l'Airplane, il fallait se demander qui était en réalité le chanteur principal du groupe.
À tout moment, il pourrait y en avoir trois—Marty Balin, Grace Slick, Paul Kantner—ou quatre, comme Kaukonen se joignait de temps en temps, tout en offrant de temps en temps un joyau de l'écriture de chansons comme Good Shepherd (à partir des années 1969). Bénévoles ). Leurs voix s'élançaient et se tissaient, tournaient, se poursuivaient, jusqu'à ce qu'elles se rejoignent finalement comme un chœur wagnérien en lambeaux. Pendant ce temps, la guitare solo sinueuse de Kaukonen couvait de blues et d'accents de trémolo piquants qui menaçaient d'effacer complètement la chanson.
Les improvisations de Kaukonen, comme de nombreux guitaristes psychédéliques de l'époque, étaient-elles inspirées du jazz modal de John Coltrane et des ragas envoûtants joués par le maître sitar bengali Ravi Shankar ?
Oh, absolument, a déclaré Kaukonen dans une récente interview. Nous ne savions pas grand-chose de l'harmonie à l'époque. Dans les années 60, quand tout le monde voulait jouer au raga, il fumait juste un tas de pot et commençait à jouer à l'extérieur. Mais maintenant vous avez un gars comme Derek Trucks. Quand il a voulu jouer au raga, il est allé en Inde et a étudié pendant un an.
Jorma est l'un des meilleurs exemples du style de jeu de guitare électrique raga de San Francisco en termes d'attaque globale et d'approche d'échelle modale, a expliqué Gary Lucas. La comparaison contemporaine la plus proche à l'époque serait Mike Bloomfield sur Paul Butterfield Est Ouest . Le rapprocher géographiquement serait John Cippolina [le guitariste prodigieux avec Quicksilver Messenger Service] avec «The Fool». Tous étaient habiles à utiliser des vagues de rétroaction soutenue tout en brossant les cordes ouvertes sympathiques voisines adjacentes à la corde principale articulée principale comme générateurs de drones. 
Jefferson Airplane se produisant au kiosque de Central Park à New York, en août 1969.Enregistrements RCA/Getty Images
Mais l'ingrédient clé qui leur donne tout ce son raga est leur vibrato signature dans les doigts de la main gauche qui fait chanter la corde choisie comme la voix humaine hurlante des chanteurs ghazal ou quwalli de l'Inde et du Pakistan. Dans le cas de Jorma, son ton et son attaque sont particulièrement singuliers et toujours incontestablement les siens. Vous ne le prendriez jamais pour un autre guitariste que Jorma.
En parlant d'innovateurs de guitare, le mystère non résolu du rôle de Jerry Garcia dans la fabrication de Oreiller surréaliste occupe toujours une place importante à ce jour. Je laisse maintenant les rênes à Oliver Trager, auteur de Le livre des morts américain , une encyclopédie obsessionnelle de l'héritage tentaculaire des Grateful Dead, pour aider à combler les fissures de cette énigme de longue date :
La première fois que beaucoup d'entre nous ont entendu le nom de Jerry Garcia, c'était sur la pochette du LP de Oreiller surréaliste où il a été reconnu comme « conseiller musical et spirituel ». En écoutant l'album aujourd'hui, la touche de Jerry peut être entendue partout. Des chansons telles que « Today » et « How Do You Feel ? » sont imprégnées d'une mélancolie d'espoir alternativement douce et automnale que les morts captureraient sur leur Aoxomoxoa - matériel de l'époque (pensez « Montagnes de la Lune » et « Romarin »). La sensibilité de Jerry à ce à quoi une chanson pourrait ressembler et à ce que devrait être un album était une force douce sur la scène et le son naissants de San Francisco, une force qui a duré pendant trois décennies.
Le gourou bienveillant de Haight Ashbury, Captain Trips, comme on l'appelait autrefois Jerry, aurait nommé l'album lorsqu'il a spontanément plaisanté en disant que l'un des morceaux de l'album était surréaliste comme un oreiller. 
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D'accord, il est temps, comme on dit, d'en donner au batteur.
Le premier son que vous entendez Oreiller surréaliste est le tonnerre trempé de réverbération de la batterie de Spencer Dryden battant un rythme respectable de Bo Diddley sur She Has Funny Cars de Marty Balin. Barry Melton, alias The Fish, guitariste principal de Country Joe & the Fish, se souvient de son vieil ami et partenaire de jam occasionnel Dryden : C'était un musicien extraordinaire. Spencer avait une sensation extraordinaire pour « le groove », et quand il était allumé, il le trouvait instantanément. Je voulais lui dire de réduire sa consommation d'alcool, mais il était évident qu'il ne pourrait jamais perdre ses repères, peu importe combien il consommait. Le « feel » ou « le groove » était la chose la plus importante de la musique pour Spencer ; et il pouvait en parler pendant des heures. Il savait où c'était et comment s'y rendre.
Au-delà des coups, Oreiller surréaliste offrait un large assortiment de chansons enchaînées comme un gros collier scintillant de perles d'amour. Écrit par le tragique Skip Spence, le batteur de l'Airplane qui a quitté le navire pour former le légendaire mais condamné Moby Grape, My Best Friend évoquait le son chantant des Mamas et des Papas alors que la voix de Slick et Balin se balançait de manière ludique sur la coda de la chanson.
Aujourd'hui, c'est une ballade introspective mettant en vedette Marty Balin, ainsi que de douces harmonies de Slick et Kanter et un saupoudrage de (l'invité fantôme) la guitare solo étincelante de Jerry Garcia. 
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L'introspectif Comin' Back to Me est un parfait exemple des méandres musicaux époustouflants du style des années 60. Après cet épisode momentané de regard sur le nombril, 3/5's of a Mile in 10 Seconds, comme son titre (inspiré au hasard d'un titre de journal vu par Balin) le suggère, fume comme un morceau de caoutchouc fraîchement posé, débordant du genre de fire and edge qui était auparavant le domaine des groupes d'invasion britanniques comme les Stones, les Kinks et les Who.
Un autre folk-rocker doux et facile à groover à la Mamas and the Papas, avec une flûte à bec trempée d'écho jouée par Slick, How Do You Feel semblait poser une réponse douce à Like a Rolling Stone de Dylan, quand Dylan a chanté Comment ça se passe Ressentir? Et en parlant de Dylan, l'influence de sa poésie fracturée sur Subterranean Homesick Blues est partout dans les paroles abstraites de Plastic Fantastic Lover.
Jouer Oreiller surréaliste fort et dans son intégralité. Il se déploie de chant en chant comme une fleur étrange dont le parfum sonore continue de nous enivrer 50 ans plus tard.
