Au cours d'une période de trois ans de production créative, Alberto Giacometti était capable de ranger chaque pièce qu'il avait fabriquée dans six boîtes d'allumettes, qu'il portait ensuite dans sa poche. Beaucoup de ses figures en plâtre sont devenues si petites qu’elles se sont complètement désintégrées. Dans celles-ci et dans toutes ses œuvres, Giacometti recherchait ce qu’il appelait la « ressemblance », comme si la réduction pouvait atteindre la réalité absolue. « … à ma grande terreur, mes statues ont commencé à devenir plus petites. C’était vraiment une catastrophe effrayante… Ils devenaient si petits que je n’arrivais plus à les détailler. Vingt ans plus tard, il déclarait : « Toutes mes statues finissaient par atteindre un centimètre de haut. Encore une touche et hop ! la statue disparaît.
La relation avec ce qui se trouvait dans et autour de son œuvre était le nord magnétique de Giacometti. Il dessine et peint avec des lignes rapides, marquant la relation entre l’oreille et le nez, les yeux et les oreilles, la tête et la fenêtre, la fenêtre et le bord de la table, la table et le sol. Le visage disparaît puis réapparaît, s’efface, se réassemble, s’effrite, se désintègre, s’enferme, puis s’efface, et enfin est laissé – parfois parce que son modèle a dû quitter le pays ou que la date limite de l’exposition était dépassée. Un mannequin a déclaré que Giacometti « dévorerait les gardiennes ».
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La dynamique spatiale était essentielle pour lui ; se localisant dans l'espace, comme pour ancrer sa nature d'insatisfaction mercurielle et implacable. Il cherche à se libérer des habitudes réflexives et à se surprendre. À 56 ans, il disait qu’il essayait de « mieux voir… de mordre dans la réalité… de découvrir de nouveaux mondes… d’être aussi libre que possible ». La recherche sans fin pour arriver à quelque chose de tout à fait original, « retrouver ce contact naïf avec le monde ».
Né en 1901 dans un petit village près de Stampa, en Suisse, le premier monde de Giacometti était les montagnes et la forêt environnantes, sa mère bien-aimée et son père, Giovanni, un peintre excellent et exigeant . Son père donnait à son fils une pomme à peindre et, peu importe le nombre de tentatives, Alberto ne cessait de rendre la pomme de plus en plus petite, frustrant son père. Son frère, Diego, est né en 1902 et est finalement devenu le compagnon constant d'Alberto, son assistant en studio et son modèle, son roc.
Giacometti a été un copieur prolifique tout au long de sa vie, commençant dès son plus jeune âge à copier des chefs-d'œuvre, une formation importante pour tout artiste. « Depuis de nombreuses années, je sais que la copie est le meilleur moyen de me faire prendre conscience de ce que je vois, de la façon dont cela se produit avec mon propre travail ; Je ne peux connaître le monde extérieur, une tête, une tasse ou un paysage, qu'en le copiant… On ne copie jamais le verre sur la table ; vous copiez le résidu de la vision… c'est toujours entre l'être et le non-être. Il estimait que Paul Cézanne était le seul artiste capable de copier la nature. « Sa peinture est nature.'
Les dessins de Giacometti cartographient la tête, le corps et l’espace environnant avec des lignes qui se croisent, obtenant ainsi les proportions et les distances exactes. Il avait une conception inhabituelle du temps et une mémoire prodigieuse qui lui permettait de percevoir le temps de manière non linéaire, comme libéré du temps qui passe, dans une fusion du passé, du présent et du futur. Il se déplace facilement et rapidement entre les matériaux – dessin, peinture, sculpture et modelage en plastique humide et en argile. « Les jours passent et je me fais des illusions. Je piège, je retiens ce qui est éphémère. Il revenait souvent à des œuvres antérieures pour les modifier.
À 21 ans, il s'installe à Paris pour étudier la sculpture et, quatre ans plus tard, s'installe dans l'atelier du 46 rue Hippolyte-Maindron où il restera quarante ans jusqu'à sa mort. Au fil des années, le studio est resté non chauffé et le toit fuyait. Des seaux, qui fuyaient également, étaient éparpillés un peu partout. Tout était enduit de plâtre; murs, sol, chaussures, vêtements. À 30 ans, il devient membre du groupe surréaliste d’André Breton et en est expulsé quatre ans plus tard.
Giacometti avait de nombreux amis qu'il rejoignait dans les cafés : Derain, Cocteau, Genet, Beckett, le le philosophe Sartre , de Beauvoir. Picasso et Matisse en furent les premiers partisans. Giacometti a souvent vu Picasso tout au long des années 30 et 40 et pendant un certain temps, ils ont dîné tous les soirs au Café Lipp, fréquenté par des artistes et des poètes. En 1942, il rencontre Annette Bras qui devint plus tard sa femme. Elle était son modèle habituel avec Diego. De nombreuses peintures et sculptures excellentes étaient des deux. En 1947, galeriste Pierre Matisse présente la première exposition personnelle de Giacometti à New York. Le reste, comme on dit, appartient à l'histoire.
L'influent critique d'art, Clément Greenberg , a déclaré que le travail de Giacometti est « une morbidité voyante… un art archaïque ». C’est une façon de voir les choses. Un autre critique plus actuel, le regretté Tom Lubbock , a écrit : « … les minuscules figures féminines debout, les bras serrés sur les côtés, collées rigidement sur des bases rectangulaires disproportionnées. Ils mesurent plus de trois centimètres de haut, et je ne les qualifierais pas de révoltants, mais plutôt puissamment magnétiques. Ils attirent votre regard par leur minutie insaisissable, comme le Notre Père écrit sur un grain de riz.
Qu’est-ce qui rend un artiste grand et durable ? Un goût personnel, certes, mais il y a autre chose qui nous parle à travers les époques. Une voix indélébile et unique, magnétique et puissante, certes, mais autre chose. Il y a une vulnérabilité, comme dans les dessins, peintures et sculptures de Giacometti. Un effort et jamais atteindre. Les sculptures de Giacometti sont des passages du temps, l’équilibre instable que nous ressentons tous. Les corps minces se dressent fermement comme s'ils pouvaient tomber à tout moment, sauf que l'artiste leur a donné des pieds et des bases larges. On sent en eux l'artiste à l'œuvre. Les personnages grandissent et se désintègrent à mesure qu'il applique du plâtre sur l'armature, puis l'enlève, éclat après éclat. Il continue à chercher la ressemblance, la vraie réalité, jusqu'à ce qu'il ne reste presque plus rien, puis il fonde la figure en bronze. Un fragment d'un être avec une âme.
Vers la fin de sa vie, Giacometti eut des rétrospectives à New York, Londres, Allemagne et Zurich. Il a reçu le Grand Prix de sculpture et le Prix national des arts du ministère français de la Culture. Il faisait la couverture des magazines du monde entier. Et puis il est décédé d’une insuffisance cardiaque en 1966, à l’âge relativement jeune de 65 ans.
Avance rapide jusqu’en 2014, lorsque Char (l’un des six moulages et seulement deux peints) s’est vendu pour 101 millions de dollars chez Sotheby’s, battant presque le record de 104,3 millions de dollars du sculpteur. Cela se produirait l'année suivante lorsque L’homme au doigt (1947) a été vendu aux enchères par Christie's pour 141,3 millions de dollars après une estimation de 130 millions de dollars. En 2021, la sculpture, Le Nez (1947) vendu pour 78,4 millions de dollars, et Femme Léoni (1960), un bronze, vendu 28,5 millions de dollars en 2023. Femme debou , simple croquis que l’artiste a écrit à l’encre bleue sur une page du livre de Michel de M’uzan La Nouvelle Revue Francaise , vendu chez Christie's pour plus de 40 000 $ la même année.
De toute évidence, l’œuvre de Giacometti perdure.
