Ce fut une année de réflexion et de regret, tant dans nos vies que dans nos films. Dans le cinéma le plus retentissant de l'année, cette nostalgie inquiète - un recadrage triste et souvent douloureux d'expériences passées - avait un son particulier.
Vous l'entendez dans le vrombissement du caméscope de Sophie adulte, le bruit qui commence celui de Charlotte Wells Après-soleil , un premier film qui a tellement hanté mes rêves après l'avoir vu que j'ai dû le revoir immédiatement juste pour le sortir de mon subconscient et le remettre à l'écran.
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L'appareil photo, comme le tapis qui orne la chambre que Sophie partage avec son compagnon, a appartenu à son père Calum (un Paul Mescal envoûtant), qui l'a utilisé pour immortaliser des vacances passées avec Sophie, 11 ans. (Frankie Corio, faisant des débuts à l'écran tout aussi assurés et inoubliables que ceux de son réalisateur) dans une station balnéaire turque ringard. La minuscule bande à l'intérieur de l'appareil photo contient tout - une carte au trésor déterrée de la perte et de la compréhension - et aussi, angoissant, pas assez.
C'est le thunk d'une diapositive dans un projecteur Toute la beauté et l'effusion de sang , une documentation incisive de la vie de la photographe Nan Goldin et une exploration des innombrables façons dont le personnel peut et doit devenir politique. Le film est Citoyenfour le documentaire le plus abouti de la réalisatrice Laura Poitras à ce jour.
Alors que Goldin réexamine ses célèbres photos de fêtardes, de drag queens, d'ex-petits amis violents et d'amis mourant du sida, elle doit affronter la vérité que nombre de ces images ornent les murs et ajoutent de l'éclat aux galeries et aux ailes du musée nommées en l'honneur du Sacklers, une famille qui a profité sans raison de la mort et de la dévastation causées par la crise actuelle des opioïdes. Redresser cette injustice donne à Goldin, 69 ans, un nouveau but pour une vie qui a subi tant de pertes – le passé attisant une rage qui peut et va remodeler l'avenir.
C'est le thwip-thwip-thwip d'un film 8 mm se déroulant dans la machine de montage à manivelle du jeune Sammy Fabelman alors qu'il découvre lentement une vérité qui finira par déchirer sa famille. Ces images deviendront la base du 'film secret' que le cinéaste né, remplaçant de Les Fabelman ' réalisateur et co-scénariste légendaire Steven Spielberg, qu'il ne partagera qu'avec sa mère. Ce moment alors qu'elle regarde le film dans le placard de Sammy – avec Spielberg poussant sur le visage ouvert et émotionnellement travaillé de l'autre monde Michelle Williams – est une puissante démonstration de l'intimité angoissante que seuls les films peuvent produire.
Ce Les Fabelman, comme Todd Field Entrepôt et la plupart des autres films 'de prestige' sortis cette année, n'ont pas réussi à faire entrer les gens dans les salles est à la fois l'une des histoires majeures du cinéma cette année, et aussi une ironie triste, mais étrangement délicieuse. Cinq décennies après avoir inauguré l'ère des superproductions avec Mâchoires, Spielberg a essentiellement réalisé un autre 'film secret' (celui qui a coûté plus de 40 millions), à partager avec un public sélectionné dans des salles de cinéma souvent à peine plus peuplées que le placard de Sammy. (Les salles de cinéma sont devenues un refuge idéal pour les personnes qui meurent d'envie d'être dans le monde mais qui ne peuvent toujours pas gérer de grandes foules.)
Le fait que les films de Wells, Poitras et Spielberg traitent du traitement du traumatisme qui peut faire du ping-pong entre parent et enfant met en évidence une autre tendance notable dans les meilleurs films de cette année.
Dans La fille tranquille , chef-d'œuvre tranquillement dévastateur du scénariste-réalisateur Colm Bairéad d'un premier long métrage, une fillette introvertie de 9 ans trouve un répit à la négligence émotionnelle et à la pauvreté de sa maison surpeuplée lorsqu'elle passe l'été avec un couple qui est lui-même piégé dans une catacombe de désespoir . Le film entièrement en langue irlandaise est si poétique et si précis dans le langage cinématographique que, comme Après-soleil, vous repartez avec l'impression que vous n'avez pas simplement regardé le film, mais que vous l'avez plutôt vécu.
De même (mais aussi complètement différent), Devenir rouge , le film Pixar qui, pour des raisons COVID, n'a jamais reçu de sortie en salles, met en scène Mei, une jeune fille de 13 ans essayant d'équilibrer son enfance en voie de disparition, sa place en tant qu'immigrante chinoise dans le Toronto moderne et l'angoisse générationnelle symbolisée par une malédiction magique qui la transforme en panda roux lorsqu'elle atteint la puberté. Ce premier long métrage de Domee Shi, membre du personnel de longue date de Pixar, est bruyant et de couleur Jolly Rancher où La fille tranquille est renfermé et vaporeux, mais comme le film de Bairéad, il démontre la capacité singulière du cinéma à mettre à nu nos vies intérieures et à les faire vibrer de l'émerveillement de l'enfance, quelle que soit la taille de l'écran.
Chez Lukas Dhont proche , la douleur et la perte endurées par Léo, 13 ans (Eden Dambrine, dans une autre des nombreuses performances exceptionnelles de ce qui a été une année remarquable pour les jeunes acteurs) sont presque trop lourdes à supporter. Ce qui vous retient cependant, c'est moins l'agonie affichée que la pureté et l'intensité de l'amour des deux garçons au centre de l'histoire. Des balades à vélo à travers la campagne belge à l'apparente bagarre chargée de sens qui n'est pas complètement comprise par les enfants eux-mêmes, le deuxième film de Dhont (après le film controversé de 2018 Fille) a un sens inné à la fois du rythme de l'enfance et des nombreuses façons dont les amitiés de cette époque scintillent avec une puissance qui vous accompagne toute votre vie, même si les amis eux-mêmes ne le font pas.
À une époque où nous ne sommes pas encore sur le point de nous remettre ou même de traverser une pandémie mondiale qui a remodelé nos vies et nos relations et nous en a pris tant, il est étrangement approprié que l'un des autres films qui comprenait le mieux les amitiés masculines, Comme Proche, directement confrontés à la santé mentale.
Le premier film (oui, un autre) du comédien Jerrod Carmichael, qui joue également, Sur le compte de trois a une prémisse à peu près aussi sombre que n'importe quelle comédie cinématographique de tous les temps - il s'agit de deux amis qui tentent un pacte de suicide. Que Carmichael extrait la tendresse, l'amour et la tristesse de ce gouffre de désespoir témoigne de sa sensibilité en tant que cinéaste et du jeu magistral exposé. Pour mon argent, Prise-22' s Christopher Abbott, jouant le meilleur ami de Carmichael, épris de Papa Roach, qui trimballe son abus d'enfance comme s'il s'agissait d'un sac à dos plein d'épées, donne la meilleure performance de soutien de l'année.
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Courtier , un film sud-coréen du maître cinéaste japonais Hirokazu Kore-eda, extrait également une humanité peu commune et hérissée d'un concept difficile à avaler. Il s'agit d'un propriétaire d'une blanchisserie ( Parasite 's Song Kang-ho dans l'un des virages les plus retentissants de l'année) qui s'enfuit avec un bébé abandonné dans une église et tente de le vendre au marché noir. Un compagnon du film de Kore-eda de 2018 Voleurs à l'étalage et rempli du même humour non forcé et chaleureux, le film ajoute de nouvelles facettes à nos conversations sociétales en cours sur la famille, le choix et la classe.
L'intersection de la famille et de l'identité est filtrée à travers une crise de quart de vie dans le réalisateur franco-cambodgien Davy Chou Retour à Séoul , à propos d'une Française d'origine coréenne qui décide sur un coup de tête - après une nuit à boire du soju - de lever les yeux et d'essayer de contacter ses parents biologiques.
Au cours d'une année qui a été marquée par des performances époustouflantes d'actrices principales - pour effleurer la surface : Cate Blanchett dans Entrepôt , Danielle Deadwyler dans À , Michelle Yeoh dans Tout partout tout à la fois , Williams dans Les Fabelman , Aubrey Plaza à Emily la criminelle – le tour intrépide du premier acteur Park Ji-Min Retour à Séoul comme une âme perdue insouciante tâtonnant entre les mondes sera probablement la performance qui me restera le plus longtemps.
En plus de sa corne d'abondance d'étonnantes performances féminines, cette année a été marquée par la créativité et l'excellence mises en évidence par un large éventail de cinéastes de non-fiction. Parmi les documentaires à couper le souffle de cette année figuraient Shaunak Sen Tout ce qui respire, de Daniel Roher Navalny, Chez Bianca Stigter Trois minutes : un allongement, Chez Sara Dosa Le feu de l'amour , La Sierra Pettengill Riotsville, États-Unis ., et Reid Davenport Je ne t'y ai pas vu . Aussi impressionnante que soit cette liste, ce n'est qu'une fraction des documentaires exceptionnels qui ont été présentés en première au seul Festival du film de Sundance 2022.
de Margaret Brown Descendant a également joué à Sundance, où il a remporté un prix spécial du jury. Trenchant et émouvant, le quatrième long métrage de Brown, originaire de Mobile Alabama, a remodelé la compréhension des deux dernières années et demie de troubles raciaux pour tous ceux qui ont eu la chance de le regarder. Encadré comme une recherche de l'épave du Clotilde, un navire qui a amené des Africains réduits en esclavage aux États-Unis deux générations après que l'esclavage ait été considéré comme un crime capital, le film explore la résilience, la communauté et la façon dont les péchés de notre passé continuent de façonner tout, de qui sont nos voisins à l'air que nous respirons . (Ce Descendant était également l'un des meilleurs films sur la catastrophe environnementale que nous essayons tous de vivre montre la profondeur de la réussite de Brown.)
Alors que l'histoire de la Clotilde était nouveau pour la plupart d'entre nous (j'en ai entendu parler pour la première fois dans un épisode de 2017 de PBS Retrouver ses racines mettant en vedette Questlove, documentariste primé aux Oscars, qui avait un ancêtre sur le navire et a été producteur sur Descendant), Rien ne se compare raconte une histoire que nous pensions tous connaître, mais que nous ne connaissions pas.
Réalisé par la cinéaste irlandaise Kathryn Ferguson et son monteur Mick Mahon, le film raconte l'histoire presque impossible à croire de Sinéad O'Connor . Enfant, la chanteuse a survécu à la négligence et aux mauvais traitements de ses parents et des tristement impitoyables blanchisseries Magdalene de l'Église catholique à l'adolescence, pour devenir brièvement la plus grande pop star de la planète. Lorsqu'elle a utilisé sa plate-forme pour attirer l'attention sur les abus de l'Église contre les enfants une décennie entière avant Le Boston Globe mis à nu ces crimes tragiques au monde, elle est devenue une paria ostracisée. En tant que Gen-Xer qui a vu le scandale se dérouler en temps réel et n'a rien dit et n'a rien fait à ce sujet, le film de Ferguson m'a rempli d'un sentiment épique de componction qui s'est ensuite transformé en un appel à l'action.
Les affirmations selon lesquelles le cinéma tel que nous le connaissons est dans son agonie finale se sont intensifiées cette année, faisant écho à une alarme qui a commencé avec la révolution du streaming et s'est encore renforcée pendant la pandémie. (Les historiens du cinéma sont bien conscients que les experts réclament la disparition imminente des films depuis peu de temps après l'invention du médium.)
Cela est devenu un récit tellement dominant dans une conversation centrée sur le film que des retours en arrière incroyablement passionnants mais thématiquement anémiques comme Top Gun : Maverick et quelques films Marvel sont devenus plus que de simples moyens agréables de tuer un samedi soir; ils ont été suppléés en tant que sauveurs d'une industrie.
En réalité, ce fut une année marquante pour le cinéma de spectacle, mais ce n'est pas grâce à Tom Cruise, Docteur étrange , ou le reste de leur acabit. Pour une fois et, espérons-le, pour toujours, les outils des concours CGI qui ont dominé les deux dernières décennies de nos vies cinématographiques ont été arrachés à nos suzerains d'entreprise et sont enfin utilisés par des cinéastes investis dans la justice, déterminés à faire plus que simplement engraisser le fond des actionnaires. lignes.
Nous avons pu en être témoins avec une vraisemblance déprimante dans À l'Ouest, rien de nouveau , La chronique anti-guerre monumentale d'Edward Berger sur la vie d'un grognement de la Première Guerre mondiale. Mais nous l'avons également vu se produire avec un effet profond, ravissant et beaucoup moins décourageant dans les deux meilleurs fantasmes historiques de l'année: l'épopée en langue télougou de S. S. Rajamouli RRR et Gina Prince-Bythewood La femme roi , rassemblé par sa star envoûtante et productrice Viola Davis.
RRR est une fable anticoloniale sur les missions qui se chevauchent de vengeance et de renversement entreprises par un chef de tribu et un officier de police, interprétés respectivement par les superstars indiennes NT Rama Rao Jr. et Ram Charan. Mettant en vedette un ensemble époustouflant après l'autre, RRR est un rappel emphatiquement exagéré du pouvoir de la création de mythes, de l'amitié et peut-être le plus mémorable, de la danse. Le voir sur le plus grand écran IMAX du monde au Chinese Theatre d'Hollywood pour l'ouverture de Beyond Fest et s'asseoir parmi une foule à guichets fermés - dont beaucoup ont dansé le 'Naatu Naatu' pendant le générique de clôture - a été l'expérience cinématographique la plus mémorable de mon la vie.
Il y avait de la colère et de la douleur résonnant à l'intérieur RRR le nez joyeux et triomphant, mais il est juste là à la surface de La femme roi, qui est un hurlement furieux et guttural d'un film d'action. Quiconque a imaginé qu'une chape contre le colonialisme, l'esclavage et la misogynie - dont les effets ont trop imprégné à la fois notre histoire et nos fantasmes d'écran - pourrait botter le cul si copieusement.
Si À l'Ouest, rien de nouveau était le plus fataliste des grands films de cette année, la procédure journalistique Dit-elle , dirigé par l'actrice allemande devenue réalisatrice Maria Schrader et écrit par la dramaturge britannique Rebecca Lenkiewicz, était le plus optimiste. Il a prouvé qu'avec une précision, un dynamisme implacable et le soutien d'une formidable institution, même les démons les plus enracinés et les plus diaboliquement mauvais peuvent être tués.
Le film de Schrader, ainsi que Après-soleil et Les Fabelman, a suscité la plus forte réaction émotionnelle de ma part de tous les films de cette année. Après avoir terminé ce récit tendu de l'enquête par Le New York Times reporters Megan Twohey et Jodi Kantor (jouées avec une vaillante retenue par Carey Mulligan et Zoe Kazan) dans l'inconduite sexuelle du producteur de films Harvey Weinstein, j'ai pleuré pendant 10 bonnes minutes.
C'était en partie parce que je travaillais à Variété en 2000 en tant que journaliste dans leur bureau de New York. Entre autres choses, j'ai couvert Miramax - le studio basé à Tribeca que Weinstein dirigeait et avait fondé avec son frère - et j'étais une cible régulière des tirades de Weinstein et de ses subalternes.
Je ne savais pas qu'il était un prédateur sexuel, et si mes collègues le savaient, ils ne l'ont pas partagé. Mais nous étions tous bien conscients que ses brimades étaient régulièrement récompensées par des histoires favorables, et d'avoir joué ne serait-ce qu'un petit rôle dans le blanchiment de sa réputation qui était de rigueur car les métiers de l'époque sont obsédants.
C'est aussi l'une des nombreuses raisons pour lesquelles la bravoure dont ont fait preuve les sources de Twohey et Kantor, y compris l'ancienne employée de Miramax, Laura Madden, magnifiquement jouée par Jennifer Ehle, était si émouvante. Au-delà d'une occasion de réflexion mélancolique, Dit-elle , comme tous les films les plus marquants de 2022, sert de lueur d'espoir en ces temps qui continuent d'être plus sombres qu'on ne le souhaiterait.
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Ces films ne demandent pas simplement que nous fassions mieux pour aller de l'avant, ils nous donnent un plan sur la façon de le faire.
Avis d'observateurs sont des évaluations régulières du cinéma nouveau et remarquable.
