Cru, obscène et éhonté sont trois mots qui décrivent assez précisément les films d'Adam Sandler en général, et 50 First Dates en particulier. Comme son valentin de 1998, The Wedding Singer, cette nouvelle comédie présumée associe l'ancien élève de Saturday Night Live à la saucisse à la foie avec Drew Barrymore, les yeux écarquillés et les yeux écarquillés, qui fait un bon agent levant pour le personnage laid, abrasif et effrayant que M. Sandler (et une fraternité toujours déconcertante de critiques de cinéma égarés qui se nourrissent de mauvais goût) appelle probablement le style. Pourtant, les gags d'abrutis habituels et la sentimentalité écoeurante et sophomorique sont ici en abondance: blagues gays, coups sauvages, vieilles personnes séniles qui parlent dégoûtant et la coterie pathétique de marginaux sociaux et médicaux qui traitent le portefeuille de fainéants idiots de M. Sandler comme des champions et héros.
L'intrigue inexistante retravaille le film Groundhog Day de Harold Ramis en 1993, dans lequel Bill Murray jouait un météorologue cynique condamné à revivre les événements du 2 février jusqu'à ce qu'il apprenne à devenir plus empathique envers le rongeur de Punxsutawney à la recherche de son ombre. Si son personnage était coincé au purgatoire, le personnage de Drew Barrymore, Lucy, est condamné aux limbes. Phénomène médical qui ne vit que dans le temps fracturé, c'est une professeure d'arts qui a été blessée à la tête dans un accident de voiture. Maintenant, elle perd sa mémoire à court terme chaque nuit et se réveille chaque matin en croyant que c'est à nouveau le jour de l'accident, qui est aussi l'anniversaire de son père. Pour des raisons que vous ne voulez pas savoir, son père haineux (Blake Clark), son frère aux stéroïdes (Sean Astin) et divers danseurs de hula indigènes (ai-je oublié de mentionner que tout se passe à Hawaï ?) accompagnent le bâillon , même en regardant une rediffusion nocturne de The Sixth Sense et en feignant le choc et la surprise chaque fois que Bruce Willis s'avère être un fantôme. Lorsque la thérapie par l'illusion s'ennuie, M. Sandler entre en tant que vétérinaire marin et conquérant de touristes nommées Henry. Il tombe amoureux de Lucy à la minute où il la repère dans un restaurant, faisant une maison avec une pile de gaufres. Elle aime renifler ses doigts car ils sentent le maquereau. C'est juste la partie propre nauséabonde. Les parties sales nauséabondes attaquent ce qui reste de votre propre cerveau plus rapidement que vous ne pouvez le dire Farrelly Brothers.
Dans chaque film d'Adam Sandler, on se moque des homosexuels, des personnes âgées, des paraplégiques, des personnes dans des poubelles et des fauteuils roulants. Mais n'est-il pas curieux que la seule personne qui semble endommagée et sous-mentale dans tous ces films soit Adam Sandler lui-même ? Dans les 50 premiers rendez-vous odieux, ses lacunes semblent encore plus mortelles que dans le Punch-Drunk Love, prétentieux et engourdissant. Alors que le scénario boiteux de George Wing se prolonge sur une durée insupportable de 95 minutes avec une série de dates sans fin au cours desquelles Lucy pense rencontrer Henry pour la première fois, les scènes répétitives de baisers et de câlins sont compensées par le réalisateur Peter L'engagement de Segal à dénoncer l'excès. A chaque étape de l'idylle, le film s'enfonce dans tant de scatologie et d'adolescence puérile qu'il semble avoir été réalisé par M. Segal le doigt dans la gorge. M. Segal est l'homme responsable de Anger Management et Nutty Professor II: The Klumps , entre autres disgrâces imbéciles, donc personne n'est susceptible d'entrer dans cette crypte à la recherche de subtilité, de fraîcheur ou de style.
Mais même selon les normes hollywoodiennes, quel genre d'esprit vous écrase avec une combinaison de tant d'humour de toilette et d'abus physiques en même temps ? Préparez-vous à des histoires horribles de la maternelle sur les testicules meurtris, un morse qui vomit abondamment et un quasi-hermaphrodite. (L'un ou l'autre n'aurait-il pas suffi ?) Le père de Lucy imite et se moque cruellement du trouble de la parole de son fils. (Les pectoraux exagérés du jeune homme ne suffisent-ils pas?) Nous sommes tous encouragés à rire à tue-tête d'un patient mental atteint de lésions cérébrales, et une blague malsaine sur l'accident de moto quasi-fatal de Gary Busey tombe aussi plate que de la bouse d'éléphant. Ensuite, il y a la performance hammy et surmenée de l'acolyte perpétuel du répertoire Sandler, Rob Schneider, en tant que toxicomane hawaïen à la peau foncée et à l'anglais pidgin qui continue de trouver de nouvelles façons de déchirer les blessures sur son estomac d'une morsure de requin.
Stupide, grossier et absolument pas drôle, c'est le genre de film qui vous fait prier pour qu'une vraie dent de tigre vivante se présente au milieu d'une scène et cause elle-même des dommages permanents. Maintenant, il y a une blague cruelle qui me laisserait vraiment dans les points.
trio sursexué
Malgré tout le battage médiatique et la controverse entourant son sexe pervers et sa nudité masculine frontale, The Dreamers de Bernardo Bertolucci est un film qui transpire pour commander, mais ne parvient pas à retenir l'attention. C'est lourd et assez peu sexy. Enivré par le cinéma et le Kama Sutra, Bertolucci a, dans ses derniers films, abandonné les hormones avec lesquelles il chassait Marlon Brando, dans Dernier Tango à Paris, pour démontrer la seule utilité du beurre qui n'est jamais venue à Julia Child. Mais dans Les Rêveurs, qui se déroule à Paris pendant le printemps mouvementé de 1968, M. Bertolucci revient dans son radotage à ses trois sujets de prédilection : le sexe, le cinéma et la politique. Tous les trois étaient alors à plein régime, alimentant les révolutions des années 60 chaotiques. L'année a été une période de grèves, de protestations étudiantes, de scandales politiques et d'hédonisme furieux et fumant à la chaîne, quand Henri Langlois a été évincé des salles halcyon de la Cinémathèque française à Paris et des foules de cinéphiles en émeute se sont enchaînés aux portes avec New Wave des icônes comme François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jean-Paul Belmondo et Simone Signoret. Le nouveau venu Bertolucci, ancien assistant de Pier Paolo Pasolini qui a rejoint les rangs sacrés après son premier film en 1962, était là, et l'adrénaline de la mémoire est évidemment toujours en train de monter dans son cerveau. C'est la dernière fois que suffisamment de gens ont été tellement influencés par la philosophie qu'ils ont rencontrée à l'écran qu'ils étaient prêts à prendre d'assaut les barricades et à combattre la police brandissant des matraques et des gaz lacrymogènes pour défendre les films de Nicholas Ray.
Adapté par Gilbert Adair de son roman, The Dreamers raconte les expériences de Matthew (Michael Pitt), un étudiant américain solitaire et naïf et cinéphile insatiable qui traîne nuit et jour à la Cinémathèque. Avec une touche de cognac et un coup du sort, il rencontre Isabelle (Eva Green) et Theo (Louis Garrel), des jumeaux français exotiques dont les parents excentriques sont partis en vacances prolongées et ont laissé les frères et sœurs seuls dans l'espace encombré, spacieux et légèrement louche. appartement familial. En deux jours, le frère et la sœur déplacent les affaires de Matthew hors de son hôtel et dans leur appartement, où ils flirtent, fascinent, romancent et le séduisent dans un ménage à trois qui change toute sa vie. Voici un Américain poli, doux et net de San Diego avec un arrière-plan de pelouses vertes, de breaks et de chemises Brooks Brothers, dont la bienséance sexuelle est progressivement diminuée par un acte incestueux de frère-sœur désireux de l'initier à les jeux bohèmes de leur propre révolution sexuelle non conventionnelle. C'est autant un film sur le cinéma que sur la copulation. Étant donné que les références du trio sursexué aux expériences de la vie se limitent toutes à des scènes de films qu'ils ont vus à l'écran, Bertolucci coupe des extraits de films de Chaplin, Garbo dans Queen Christina, Fred et Ginger et, bien sûr, la première impression indélébile de chaque Américain. Paris-Jean Seberg vendant l'International Herald Tribune sur la rue l'Opéra à A bout de souffle . Matthew flotte dans une existence séculaire de décadence incestueuse, se livrant à chaque expérience sexuelle avec une reddition totale, jusqu'à ce que les aventures dans les rues déchirées par les émeutes à l'extérieur dépassent les réveils dans les lits à l'intérieur, et la route vers la maturité et la découverte de soi se termine par séparation. Matthew réalise enfin qu'il y a plus dans la vie que des orgasmes de genre non spécifiques. La question posée est : qu'en est-il d'une suite, où il remet sa transformation cornée à l'épreuve sous les paumes de San Diego ?
Il y a beaucoup de sexe, mais la plupart sont ténus et aucun n'est très palpitant. Les acteurs sont presque rouges d'une vague d'embarras, et à l'exception d'Eva Green - qui gémit avec un désir simulé comme une reine du porno - personne ne semble très excité. M. Pitt, un acteur intensément maladroit de Brooklyn avec des cheveux couleur blé et des lèvres gonflées, met à nu ses fesses et son johnson, mais il est trop maigre et la bouche prismatique pour faire beaucoup de fièvre. L'atelier parisien baroque où la jeunesse met en scène ses fantasmes donne au film une belle qualité sourde qui s'aventure rarement à la lumière du jour, mais c'est un sujet myope que Bertolucci n'arrive pas entièrement à étendre au-delà de sa propre vision personnelle. Le climat politique français de 1968 n'est pas un sujet qui intéresse beaucoup de gens en 2004, et le sexe n'est pas plus érotique que Janet Jackson au Super Bowl. C'est un film sur la jeunesse et la passion qui semble vieux et sans passion.
Can-Can Can!
Can-Can , les premiers Encores ! production de 2004, a dissipé le mythe selon lequel cette série populaire de versions de concerts mis en scène de vieilles comédies musicales de Broadway a survécu à son utilité et à sa popularité. Vous ne le sauriez pas aux cris d'approbation qui rebondissent sur les poutres du balcon du centre-ville. Une question taraude cependant. L'objectif initial d'Encores ! Il y a 10 ans, il s'agissait de reprendre des spectacles que personne n'avait vus depuis des années, montés sans décors ni costumes, avec toute la distribution portant des livres et des livrets dans leurs mains et interprétant des partitions négligées et souvent oubliées dignes d'un second regard. Le Can-Can mousseux mais vide de Cole Porter est-il admissible? Peut-être qu'il n'a pas été beaucoup vu depuis son ouverture en 1953 avec des critiques résolument mitigées, avec un casting comprenant Lilo, Peter Cookson, Gwen Verdon et Hans Conried, mais il a duré deux ans et a remporté des Tony Awards pour Gwen Verdon et la chorégraphie. par Michael Kidd, alors qui l'appellerait obscur ? Et nous pouvons aller dans nos coins respectifs du ring dès maintenant et nous battre pour savoir si cela mérite ou non d'être à nouveau mis en scène. Le livre d'Abe Burrows a toujours été plat, mais en 50 ans, il a fait pousser des cheveux. Et malgré leur durabilité à l'épreuve du temps, des chansons à succès comme I Love Paris, C'est Magnifique et It's All Right with Me ont toujours été parmi mes entrées les moins préférées dans le catalogue Cole Porter. En plus de ça, je trouve Michael Nouri un lox en cyprès, et j'ai toujours été complètement allergique aux cris perçants de Patti LuPone.
Cela dit, je dois maintenant mordre dans une grosse part de tarte humble et admettre que j'ai passé un très bon moment à Can-Can. L'intrigue unidimensionnelle d'une bataille qui se transforme en histoire d'amour entre un juge tendu nommé Aristide, qui promet de faire respecter les lois de censure de 1893 en interdisant toutes les expositions de danse publiques suggestives qui pourraient encourager ou nourrir les instincts de base des Parisiens coquins, et la coquine La Mome Pistache, propriétaire du célèbre cabaret Bal du Paradis à Montmartre, où la canette illégale est un tirage nocturne, est plus jetable que jamais. Tout mène au procès, où dans la salle d'audience, une seule chose va changer la loi, influencer le jury et faire fondre le cœur glacial des juges : Apportez le can-can ! C'est ringard au-delà de toute description, avec un quadrille intrusif, un ballet Garden of Eden et une danse apache torchée qui étaient tous purement superficiels. Mais il y avait aussi quelques plaisirs indéniables : l'intrigue de la deuxième banane sur Boris, un artiste bulgare pompeux et affamé, et sa petite amie qui souffre depuis longtemps, Claudine, une danseuse de cancan, a été énormément renforcée par le charmant Reg Rogers et le libidineux , Charlotte d'Amboise aux longues jambes. Et comme la plantureuse Pistache, Patti LuPone a enfin trouvé un rôle qui remplissait sa voix et son corset. Elle était la pire Annie Oakley que j'aie jamais vue, et en tant que malheureuse Reno Sweeney dans Anything Goes, je ne pouvais pas comprendre un mot qu'elle disait (ou chantait). Mais dans Can-Can, elle était un petit gâteau de la belle époque qui possédait la scène. Son chant s'envolait sans être cuivré ou plat, son jeu salé convaincu sans être énervé ou tranchant. Chaque fois qu'elle attendait dans les coulisses, on entendait le public perdre son attention. Quand elle revint, à grands pas mais pas stridents, tout le monde se mit au garde-à-vous, prêt à saluer. Il s'agit d'une production copier-coller, dirigée professionnellement par Lonny Price, d'un spectacle que je peux facilement conseiller, dans les paroles de Cole Porter, à allez-vous-en . Je ne veux plus jamais voir ou entendre Can-Can, mais en tant que vitrine rare pour mettre en lumière les meilleures qualités de Patti LuPone, le titre de la chanson C'est Magnifique s'est avéré étonnamment vrai.
