Méfiez-vous de M. Baker témoigne du talent légendaire de Ginger Baker et plaide en faveur de son titre. (Photo: Snag Films.) Le trouble affectif saisonnier s'est installé au début de cette année dans le nord-est. Les journées sombres, courtes et froides ne sont pas propices au maintien de la forme pour ceux d'entre nous qui ne fréquentent pas les gymnases mais préfèrent plutôt faire de l'exercice à l'extérieur. Personnellement, j'aime faire du vélo, mais je ne suis pas chaleureux selon une définition raisonnable du mot. Dès que mon activité préférée nécessite une troisième couche de tissus de l'ère spatiale, je me retire au sous-sol et mets mon vélo sur un entraîneur pour un tour d'intérieur époustouflant. Quinze minutes, ça fait deux heures dehors, donc j'ai besoin d'une distraction. L'année dernière, j'ai posé mon iPad sur un pupitre et je me suis frayé un chemin à travers des documentaires musicaux sur Netflix, YouTube et le câble à la demande. Il semble y en avoir un nouveau qui mérite d'être regardé tous les mois environ ces derniers temps, mais en voici 10 qui, je pense, sont bons pour nous amener tous au printemps.
Tais-toi et joue les hits (2012)
Voici comment j'ai su que je vieillissais. J'ai d'abord pris connaissance d'un groupe très populaire appelé LCD Soundsystem via l'annonce du documentaire à venir de leur dernier concert dans un petit endroit appelé Madison Square Garden. Cette gifle a été encore plus douloureuse lorsque j'ai découvert que le premier single de LCD Soundsystem était I'm Losing My Edge, une méta-auto-examen hilarante dans laquelle le fondateur et leader, James Murphy, s'inquiète névrosée de sa crédibilité décroissante, due à sa réinvention d'un rocker indépendant à un DJ très demandé qui a créé des groupes de Krautrock des années 1970 comme Can dos à dos avec la Human League et Eric B. et Rakim. Je perds mon avantage face aux enfants dont j'entends les pas quand ils montent sur les platines/Je perds mon avantage face aux chercheurs sur Internet qui peuvent me dire chaque membre de chaque bon groupe depuis 1962. Mais contenu dans les paroles se trouve un conscience de soi concernant la bêtise d'une telle inquiétude, alors cela devient une chanson préoccupée par l'anxiété qu'il ressent à l'idée même de s'inquiéter de son refroidissement. C'était un hymne pour les collectionneurs de disques creusant des caisses qui regardaient leurs connaissances et leurs goûts profonds, accumulés au fil des décennies, égalés en quelques mois par les enfants. Une telle autodérision fait de M. Murphy un sujet de documentaire charmant et charismatique, montré ici dans des images de la performance extatique de la chanson du cygne de son groupe, entrecoupée de scènes franches qui tournent autour de son appartement et du quartier de Brooklyn, et interviewée par l'écrivain Chuck Klosterman.
Derniers jours ici (2011)
Tout le monde connaît une personne comme Bobby Liebling. Beaucoup en ont un dans la famille ; une personne qui ne peut pas fonctionner dans les restrictions de la vie quotidienne normale, mais qui a trouvé une voix et un exutoire dans une forme d'art choisie. Nous pouvons même croire que certains de ces artistes que nous connaissons sont maintenus en vie grâce à leur travail, leur dévouement étant vraiment une question de vie ou de mort. Derniers jours ici suit un autre collectionneur de disques, celui-ci un fan de heavy metal nommé Sean Pellet Pelletier, qui découvre le groupe Pentagram du début des années 1970 et devient l'ami et le manager de M. Liebling.
Bien que Pentagram porte le nom d'un groupe de metal familier et soit en effet connu de certains fans inconditionnels de ce qu'on appelle le stoner rock et le doom metal, le groupe a saisi d'énormes opportunités au début de sa carrière, travaillant principalement dans l'obscurité pendant des décennies. Nous apprenons que cela est dû en grande partie à l'attitude intransigeante et souvent irrationnelle de leur chef, M. Liebling. Au moment où les cinéastes l'atteignent au milieu des années 2000, il est à peine vivant, une coquille tremblante aux yeux d'insecte embrouillée par des années d'abus de crack et d'héroïne, vivant dans le sous-sol de la banlieue de Virginie de ses parents très solidaires. Comme pour le film de 2009 Enclume! L'histoire de l'enclume , la plupart des téléspectateurs peuvent s'identifier aux sujets sur une base purement humaine. Le fait qu'ils jouent un genre de musique que beaucoup d'entre nous ne creusent peut-être pas du tout sert en fait à présenter le point commun de leurs luttes avec un relief saisissant. Nous témoignons du même genre d'auto-sabotage déprimant observé dans tous les milieux, mais surreprésenté chez les musiciens. Nous encourageons cet outsider à rester en vie d'abord, puis à vaincre ses démons et même à obtenir un minimum de succès.
Méfiez-vous de M. Baker (2012)
D'une sorte de gars que nous semblons tous connaître, à un type singulier de personne avec qui j'espère qu'aucun de nous n'aura à traiter, Ginger Baker, qui est présenté dans le bien intitulé Méfiez-vous de M. Baker (tiré d'une enseigne réelle sur sa propriété). Rester en vie n'a probablement pas été un problème pour M. Baker, bien qu'il ne semble pas avoir beaucoup de chance ou de désir de vaincre les démons. Plus célèbre pour son rôle dans le supergroupe Cream, M. Baker, largement considéré comme l'un des meilleurs batteurs polyvalents du monde, projette une forme de malveillance particulièrement puissante. Comme avec Derniers jours ici, les cinéastes abordent le sujet en tant que fans en mission, bien que dans ce cas, il s'agisse simplement de se faire plaisir au moins assez longtemps pour que M. Baker participe à la narration de son histoire. La coopération de M. Baker vacille au fur et à mesure que le film avance et alors qu'il semble ne se soucier que de lui-même. Mais alors qu'ils retracent son histoire, il devient évident que ses démons proviennent probablement d'une maladie mentale. Mais il est fascinant de voir cet artiste, un véritable aventurier musical, s'impliquer dans des projets très variés, qui finissent inévitablement par des conflits et même des violences, et il s'en sort relativement indemne, mais laissant des épaves - humaines et autres - dans son se réveiller.
je vais me manquer (2005)
Austin, originaire du Texas, Roky Erickson, qui a dirigé le Ascenseurs du 13e étage , probablement le premier groupe de rock psychédélique américain, fait partie de ces figures marginales légendaires qui auraient trouvé leur place dans les paroles de James Murphy pour Losing My Edge. L'histoire de la musique, et des arts en général, est remplie de visionnaires qui ont lutté contre la maladie mentale et l'automédication. Beaucoup ont été assez célèbres, mais il y en a d'autres comme M. Erickson, qui, bien qu'ils aient pu jouir d'une renommée précoce et d'un impact durable, ont été bloqués sur la voie d'un succès plus large en raison de luttes personnelles et parfois de réactions excessives à la Kafka de la part des autorités judiciaires qui fait dérailler leur carrière. Comme pour un autre artiste visionnaire, le co-fondateur de Pink Floyd, Syd Barrett, l'histoire de la maladie mentale de M. Erickson est empêtrée dans une poule et un œuf avec une consommation de drogues récréatives. L'un a-t-il causé l'autre ? Comme pour beaucoup de ces films, Toi je vais me manquer est captivant non seulement pour l'attention qu'il porte à son sujet, mais pour élargir l'attention pour inclure les idées des membres de la famille. Regarder dans l'appartement de M. Erickson et la maison de sa mère se sent un peu voyeuriste, comme regarder un épisode de Accumulateurs . Mais il y a du cœur et de la compassion dans ce film astucieux qui s'inscrit davantage dans la tradition du documentaire des Maysles Brothers de 1975, Jardins gris, qui l'empêche de paraître exploiteur .
Un groupe appelé Death (2012)
Encore un autre sujet qui pourrait s'intégrer dans les récits de collection de disques de M. Murphy, Death était un groupe de frères de Detroit qui étaient peu connus à leur époque, mais dont les seuls enregistrements - des singles et des démos sortis indépendamment - ont été découverts et largement partagés via Internet. des décennies plus tard par des collectionneurs fascinés par le son proto-punk primitif du groupe. C'est une histoire fascinante sur la façon dont David Hackney a amené ses deux jeunes frères, Dannis et Bobby, à former un groupe au début des années 1970 à Detroit. En tant qu'enfants afro-américains vivant à Motor City, ils commencent par jouer le funk et le R&B que l'on pourrait s'attendre à voir venir de l'époque et de l'endroit. Mais après avoir vu des concerts des Who et influencés par d'autres rock de la région de Detroit comme Alice Cooper, le MC5 et les Stooges, le groupe commence à écrire et à enregistrer une forme unique de rock agressif qui présage le punk rock des années 70. , le funk punk de Rick James et le punk hardcore des années 80. Certes, une partie de l'intérêt de l'histoire vient de l'improbabilité de jeunes gars jouant un genre de musique qui ne correspond pas aux idées préconçues.
La musique elle-même est vraiment enrichissante et intemporelle, pas seulement une pièce de curiosité. Mais comme pour tous ces films, vous n'avez pas du tout besoin d'aimer la musique pour trouver l'histoire captivante. Un groupe appelé Death parallèles Derniers jours ici avec son portrait d'une famille solidaire qui laisse place à une force créatrice pour suivre son chemin. Et comme avec Bobby Liebling dans Derniers jours ici, David Hackney avait raté au moins une chance d'amener le groupe à un autre niveau. Dans le cas de Death, sous la direction du frère aîné, le groupe a refusé de changer le nom du groupe à la demande du légendaire président de Columbia Records, Clive Davis. M. Davis avait financé l'enregistrement initial du groupe et son soutien s'est tari en conséquence. Mais le film a une douce coda qui présente les deux Hackney restants et leurs propres enfants profitant de la redécouverte de la musique. C'est principalement une histoire de famille, et les Hackney dégagent une chaleur qui fait que le spectateur tire pour eux à chaque étape du chemin. Certains docs rock sont riches en histoire mais manquent sérieusement de valeur de production, 20 pieds de la célébrité n'est pas l'un d'entre eux. (Photo: Tremolo Productions.)
20 pieds de la célébrité (2013)
En 2012, alors que je recherchais un livre que j'ai écrit, Rocks Off : 50 morceaux qui racontent l'histoire des Rolling Stones , je cherchais un moyen de contacter Merry Clayton, le chanteur du classique des Stones Gimme Shelter, et je suis tombé sur ce film, qui était encore en production à l'époque. Il présente Mme Clayton aux côtés de certains des autres meilleurs chanteurs de session et de soutien de l'industrie de la musique. J'ai envoyé un e-mail à Tremolo Productions et j'ai eu des nouvelles du réalisateur, Morgan Neville, qui a été extrêmement utile et est devenu un de mes amis. Ainsi, couplé avec le sujet des contributions relativement méconnues des chanteurs sur certains des enregistrements les plus célèbres de la musique rock, soul et pop, j'étais certes déjà en faveur de ce film au moment de sa sortie.
Cela a largement dépassé mes attentes, qui étaient déjà élevées par les œuvres précédentes de Tremolo et de M. Neville, notamment des documentaires sur Ray Charles, Iggy Pop, Johnny Cash, Stax Records, les auteurs-compositeurs du Brill Building et la scène de Laurel Canyon autour du Troubadour. discothèque à Los Angeles. En fait, cette liste ne pourrait être composée que de ces précieux documents de Tremolo Production, qui m'ont tous soutenu un ou deux kilomètres supplémentaires sur le vélo stationnaire.
Contrairement à de nombreux films de cette liste, dont la qualité de production varie en raison de contraintes budgétaires, 20 pieds semble et sonne magnifique, un tableau riche contre lequel M. Neville obtient plus de quelques noms de premier plan, comme Bruce Springsteen et Mick Jagger, pour partager la vedette avec certaines des personnes – Mme. Clayton ; Lisa Fischer; Darlène Amour; la famille Waters parmi eux, qui a ajouté de la couleur (littérale) à leurs enregistrements. Mais c'est le pathos autour des divers degrés d'ambition, de succès, d'échec et d'acceptation de ces personnes dans l'ombre qui en fait un grand film.
Note latérale : En 1993, mon groupe, Buffalo Tom, enregistrait aux Cherokee Studios à Los Angeles. J'avais une vision grandiose pour une de nos chansons en particulier appelée Treehouse, qui comprenait un arrangement Stonesy de chanteurs de fond call-and-response à la fin. Cela ressemblait à une décision absurde à l'époque pour un groupe de rock alternatif de demander des choristes professionnels. Nos producteurs, les Robb Brothers, qui y travaillaient depuis les années 60, se sont immédiatement regardés et ont dit, à l'unisson, les Waters Sisters ! Et le lendemain, les Waters Sisters étaient à notre session, et là nous étions en train d'arranger des parties d'accompagnement sur l'une de nos chansons. C'était un peu comme un camp fantastique de rock and roll. Ce n'est que plus tard que j'ai entendu parler de leur discographie stupéfiante, qui comprenait Michael Jackson Polar, comme je l'ai découvert dans ce film. Alors voilà, une question trivia : nommez les seuls musiciens à jouer avec Michael Jackson et Buffalo Tom. Michael qui ?
Bancs musculaires (2013)
Moins réussi à regarder les personnes derrière des enregistrements célèbres est Bancs musculaires, qui est néanmoins digne d'être vu en raison de son sujet, comment une petite ville au bord d'une rivière en Alabama est devenue un foyer de disques à succès dans les années 60 et 70 via deux studios, FAME Studios, et sa filiale, Muscle Shoals Sound Studio. Rick Hall, qui a fondé FAME, mérite une grande partie du mérite d'avoir créé une scène dans le Sud où les musiciens afro-américains et blancs pourraient littéralement bien jouer ensemble. Certaines des plus grandes faces soul du Sud ont été composées de chanteurs noirs et de groupes d'accompagnement blancs. À Memphis, Booker T. & the M.G.s - un groupe interracial composé de Steve Cropper, Donald Duck 'Dunn, Booker T. Jones et Al Jackson Jr. - sont entendus groover sur la plupart des plus grands morceaux de Stax Records. Pendant ce temps, en Alabama, comme l'a souligné Lynyrd Skynyrd, Muscle Shoals a les Swampers, un groupe légendaire de gars locaux - David Hood, Roger Hakwins, Spooner Oldham, Barry Beckett et Jimmy Johnson - qui ont soutenu Aretha Franklin, Percy Sledge, Wilson Picket, les Staples Singers et Arthur Alexander. Ces disques ont influencé les Beatles, les Rolling Stones et d'innombrables autres, dont certains ont fait des pèlerinages à Muscle Shoals.
L'un des défauts du film, cependant, est qu'il passe un peu trop de temps sur l'histoire de Rick Hall, parfois accompagné de plans mélodramatiques d'un Hall contemplatif dans une grange ou sur un tracteur, ressemblant à une publicité de Viagra ou quelque chose du genre. -et pas assez de temps avec les musiciens eux-mêmes. L'histoire la plus enrichissante ici est la coopération de musiciens blancs et noirs créant ensemble des disques intemporels dans le sud profond à l'apogée de l'ère des droits civiques. Mais cette histoire importante, qui n'était en aucun cas sans tension, est mieux racontée dans le livre essentiel de Peter Guralnick en 1986, Sweet Soul Music : Rhythm and Blues et le rêve sudiste de liberté . Et Bancs musculaires ne fait pas un aussi bon travail en discutant des contributions des musiciens en coulisses que son analogue du Nord, Debout dans l'ombre de la Motown a fait en 2002, qui reste le porte-drapeau d'un premier documentaire sur les joueurs de session anonymes et les salles magiques dans lesquelles ils ont enregistré. Ce ne sont pas tant les salles, ce sont les joueurs.
Beats, Rhymes & Life: Les voyages d'une tribu appelée Quest (2011)
Je pense que la plupart d'entre nous, fans de musique, sommes attirés par les documentaires qui nous en apprennent plus sur les artistes et les enregistrements que nous connaissons et aimons déjà. Le vrai plaisir vient avec des films éclairants sur des sujets que nous connaissons peu. En général, je n'aime pas beaucoup le heavy metal post-1977, et je n'ai pas pu nommer une seule chanson d'Iron Maiden, mais j'ai vraiment apprécié de tomber sur Iron Maiden : Vol 666 (2009) où leur chanteur principal, Bruce Dickinson, pilote en fait le groupe, l'équipage, les membres de la famille et l'équipement lors d'une tournée mondiale à bord d'un Boeing 757. Bien que je ne pense pas avoir jamais entendu la musique de Pentagram, je pouvais au moins groover sur certaines de leurs chansons dans Derniers jours ici . Mais la musique des deux n'est qu'un arrière-plan des histoires humaines qui les attirent tous les deux.
Curieusement, même si j'étais bien dans les deux premiers disques de leurs contemporains et frères stylistiques, De La Soul, je ne connaissais que relativement peu la musique de A Tribe Called Quest avant qu'un ami ne me mette le DVD dans la main, insistant pour que je le regarde. Bien que cela m'ait certainement attiré vers certains des disques que j'ai manqués au-delà de leurs tubes très connus I Left My Wallet in El Segundo et Can I Kick It ?, les parties captivantes du film concernent les relations entre les membres du groupe et la façon dont ils évoluer dans le temps.
Réalisé par l'acteur Michael Rappaport, c'est un autre travail d'amour de quelqu'un qui est clairement un fan de la musique. Mais le film parle de Tribe, et ils auraient été satisfaits du résultat, malgré une apparente controverse sur les montages finaux et les crédits de production . Il était à l'origine intitulé avec le mot Fights in place of Life, mais les combats font en effet partie de leur histoire et de celle de tout groupe de longue date. Néanmoins, à l'aide de témoignages de personnalités telles que Pharrell Williams, Mary J. Blige et les Beastie Boys, le premier réalisateur fait un excellent travail en expliquant pourquoi la musique innovante créée par ATCQ s'est démarquée à une époque particulièrement fertile du hip-hop. . Et nous assistons à l'impact durable que leur musique a eu sur des centaines de milliers de fans alors que nous les suivons pendant une partie de leur tournée de retrouvailles de 2008. Bien que ce soit une sous-culture différente de la mienne, cela m'a rendu nostalgique du début des années 90.
À l'envers : l'histoire de Creation Records (2010)
Plus proche de ma propre expérience, la nostalgie ressentie en visionnant ce film était encore plus aiguë. Mon propre groupe a été assez souvent au Royaume-Uni entre 1989 et 1999. Creation Records était déjà une force importante avant même que nous ne soyons arrivés pour la première fois, avec des sorties phares telles que le premier single de Jesus and Mary Chain et un EP de 1989 de My Bloody Valentine. C'étaient des groupes qui exploitaient le bruit et les textures de la guitare dans une sorte de style underground new-yorkais, mettant à jour le Velvet Underground et Sonic Youth dans les îles britanniques. Le légendaire fondateur du label Alan McGee continuerait à gérer la chaîne Jesus and Mary alors qu'ils se déplaçaient rapidement vers d'autres labels, canalisant une grande partie de l'argent qu'il gagnait dans la création et le reste pour nourrir un style de vie aussi hédoniste, souvent plus, que des groupes sur le label, ce qui veut dire quelque chose sur un label qui a hébergé Primal Scream et Oasis. Je ne sais pas pourquoi j'y suis entré avec des attentes quelque peu faibles, étant donné le sujet, mais j'ai été un peu surpris de trouver ce très bon documentaire qui retrace sans broncher les hauts et les bas extrêmes de M. McGee et du label et du fête mobile de personnages. Mon groupe était en tournée avec My Bloody Valentine sur la tournée pour soutenir leur chef-d'œuvre sans amour LP (1991) qui aurait failli mettre le label en faillite, prenant deux ans et de nombreux faux départs. Et quelques années plus tard, nous avons tourné avec Teenage Fanclub, un autre excellent groupe de Creation, et avons fait quelques concerts avec les Boo Radleys du label. Peut-être que mes attentes réduites étaient dues au fait de voir quelque chose de si proche de ma propre expérience montrée comme histoire passée dans un film, quelque chose que j'ai pris pour signifier que je suis vieux.
Véritable Black Metal Norvégien (2007)
Il y a en fait deux documentaires que je connais sur cette sous-culture particulière. Celui-ci est arrivé en premier, produit par Vice Media et VBS.TV, et présenté en cinq parties et animé par Ivar Berglin, un correspondant vice-scandave basé à Stockholm. Un autre film, Jusqu'à ce que la lumière nous emporte est une production américaine sortie en 2008. Les deux se concentrent sur un type presque bande dessinée de métal hautement théâtral, connu sous le nom de black metal, impliquant des musiciens vêtus de costumes élaborés et de maquillage jouant une forme pas totalement inconnue de métal rapide et bas, avec des notes gutturales des voix sur un rythme brutal et brutal de batterie à double coup de pied et de guitares et de basses distordues en staccato. Je ne suis pas certain de ce qui distingue musicalement la variété Black Metal Norvégienne de votre Death Metal ordinaire, mais je ne suis qu'un néophyte avec un palais certes peu sophistiqué pour ce genre de chose. ici ]. Les distinctions de la plupart des thrash viennent principalement d'une philosophie globale à moitié cuite avec des parts égales de mythologie nordique, de nationalisme standard, de xénophobie et d'une opposition extrême à la plupart des religions, en particulier de type judéo-chrétien.
Les deux films se concentrent sur les conséquences d'une série de crimes graves qui ont eu lieu dans les années 90 et attribués à des membres réels du groupe NBM, et pas seulement à leurs fans égarés, comme nous en avons l'habitude ici aux États-Unis. Des membres de diverses bandes ont participé à des meurtres, des tortures, des incendies d'églises et des suicides. Quelle? En Norvège? tu pourrais penser. Précisément. Cette merde est dingue.
Des deux films, j'ai préféré Véritable Black Metal Norvégien. Jusqu'à ce que la lumière nous emporte se présente comme une enquête légitime sur cette scène de sacs à dos, mais ne pose tout simplement pas les questions difficiles de ses protagonistes et le propos du film semble presque aussi vague que le dogme mal conçu craché par les néo-rebelles sans cause. Véritable Black Metal Norvégien, d'autre part, est sans vergogne captivé par ses sujets, en particulier un vétéran de la scène, le sombre charismatique Gaahl, chanteur principal de Gorgoroth, qui avait récemment fait de la prison et aurait payé une lourde amende au nord de 20 000 $ pour les coups et la torture d'un invité indésirable. Les cinéastes semblent véritablement effrayés lorsqu'ils montent dans l'enceinte ancestrale nichée à flanc de colline qui appartient à sa famille… depuis des générations et qui manque de plomberie intérieure. Les Américains pourraient commencer à entendre Dueling Banjos dans nos têtes et penser à des hillbillies, mais à la place, nous entendons la bande-son inquiétante avec quelque chose qui ressemble inexplicablement à un didjeridoo. Le présentateur Berlin apparaît devant la caméra pour nous faire savoir que lui et l'équipe ont été les premiers journalistes à visiter, et il a été très honoré mais a en fait assez peur.
Les nerfs de ces gars de 20 ou 30 ans semblent se calmer un peu alors qu'ils discutent avec Gaahl, en sirotant sa vaste collection de vins. Bien sûr, cela a encore plus de sens lorsque cet imposant néo-viking-sorta-sataniste, qui s'habille comme un sorcier/adolescent qui a tenu un peu trop longtemps au club local Dungeons and Dragons, se révèle plus tard comme une mode gay. designer. Grandir gay avec un penchant pour le maquillage et les costumes dans les collines demande un peu d'autodéfense, peu importe où se trouvent ces collines. Autant s'habiller et jouer au monstre. Vous ne jouez pas du Black Metal si vous n'êtes pas un guerrier, entonne Gaahl de façon inquiétante dans une scène, où il parle de diriger des moutons. Les cinéastes eux-mêmes jouent volontiers les rôles de divers moutons.
