Tim Burton's Corpse Bride de Tim Burton et Mike Johnson, d'après un scénario de John August, Pamela Pettler et Caroline Thompson, avec une musique originale de Danny Elfman, marque la 20e année des efforts toujours excentriques de M. Burton avec des films qui ont trouvé la faveur du jeune public , et avec des admirateurs de tous âges pour les tendances étranges, morbides et carrément étranges de son travail. Au niveau des consultants-consommateurs, permettez-moi de dire d'abord que Corpse Bride est de loin supérieur artistiquement à Charlie et la chocolaterie de M. Burton, sorti plus tôt cette année. Pourtant, malgré tous ses mérites, Corpse Bride m'a déprimé infiniment. La vérité est qu'à mon âge, je me trouve trop proche des intimations de mortalité pour apprécier les joyeuses ébats de M. Burton dans le cimetière. Peut-être qu'un système de notation devrait être conçu pour les cinéphiles plus âgés comme moi afin de nous protéger des caprices factuels de M. Burton sur les squelettes osseux avec des asticots dans les yeux. Maintenant dans la mi-quarantaine, M. Burton n'a jamais dépassé son penchant pour les éléments enfantins (sinon tout à fait enfantins) du divertissement cinématographique.
Je dis cela parce qu'à la projection de Corpse Bride à laquelle j'ai assisté, les enfants dans le public semblaient beaucoup plus ravis que moi par le déroulement macabre. Mais qu'attendez-vous ? La mort est une perspective bien plus lointaine pour eux que pour un vieux bonhomme comme moi. Quoi qu'il en soit, M. Burton, comme de nombreux cinéastes, semble avoir eu une enfance relativement solitaire. L'entrée biographique de The Film Encyclopedia d'Ephraim Katz est instructive à cet égard :
Né en 1960 à Burbank, en Californie, fils d'un employé du Département des parcs, il a passé de nombreuses heures d'enfance reclus à regarder des dessins animés et des films d'horreur à la télévision et a commencé à dessiner des dessins animés alors qu'il était encore à l'école primaire. Il a remporté une bourse Disney pour étudier l'animation à l'Institut des arts de Californie et à l'âge de 20 ans, il a commencé à travailler chez Disney en tant qu'apprenti animateur. Il a connu le succès avec son premier film d'animation, le court métrage primé de six minutes, Vincent, inspiré et narré par son héros d'enfance, Vincent Price. Passant aux courts métrages en direct, il a fait une version de Hansel et Gretel avec une distribution entièrement asiatique. Il a ensuite réalisé pour Disney Frankenweenie, une parodie de 30 minutes en direct de Frankenstein dans laquelle le monstre est un chien. Jugé trop effrayant pour les enfants, le film n'est jamais sorti, mais il a conduit à l'embauche de Burton par Warner Bros. en tant que réalisateur de Pee-Wee's Big Adventure, qui est devenu un succès au box-office. Destiné au marché des enfants, le film a frappé certains critiques par son originalité, son inventivité visuelle et son sens de l'absurde, qualités qui sont devenues la marque de fabrique de Burton et qui se sont fortement manifestées dans ses trois films suivants : le dormeur au box-office Beetlejuice, le succès à succès Batman, et le conte de fées pour adultes largement acclamé Edward Scissorhands. La suite Batman Returns a étendu le symbolisme étrange du film des images d'enfance et des obsessions des adultes. Après Batman Returns, il a signé un contrat pour produire des films pour Disney.
J'ai suivi l'émergence de M. Burton en tant qu'auteur indéniable même lorsqu'il n'a pas dirigé ses productions, mais à une grande distance - si grande, en fait, que je ne me souviens plus de rien de ce que j'ai écrit sur lui. Je n'aimais pas le duo Batman et j'étais légèrement repoussé par Edward Scissorhands et Beetlejuice, bien que j'aie été modérément impressionné par les styles d'acteur subtilement réticents de Johnny Depp et Michael Keaton.
Corpse Bride s'avère être un mélange pesant de marionnettes et d'animation qui est beaucoup trop complexe et laborieux sur le plan technologique pour ce critique désespérément luddite, qui publie cette critique sur une machine à écrire portable Smith-Corona SCM Classic 12. Tout ce que je sais, c'est que tous les personnages, vivants et morts, ont des yeux énormes et des corps difformes. Les voix sont fournies par Johnny Depp dans le rôle de Victor Van Dort, l'époux malheureux qui se retrouve fiancé à deux femmes, dont une seule vivante, à la fois : Helena Bonham Carter dans le rôle de Corpse Bride et Emily Watson dans le rôle de Victoria Everglot, la vivante future mariée. Les parents de Victor sont exprimés par Tracy Ullman comme Nell Van Dort et Paul Whitehouse comme William Van Dort, les parents de Victoria par Joanna Lumley comme Maudeline Everglot et Albert Finney comme Finnis Everglot. Richard E. Grant est la voix toujours moqueuse du méchant total Barkis Butor. Christopher Lee sonne comme le pasteur Galswells grotesquement dominateur, et le compositeur Danny Elfman (qui est avec M. Burton depuis le début de sa carrière) chante la voix de Bonejangles, le leader du groupe du cimetière.
L'intrigue, telle qu'elle est, repose sur l'extrême maladresse de Victor lors de la répétition du mariage, le forçant à fuir dans l'humiliation vers un cimetière boisé, où il place par erreur l'alliance de Victoria sur une branche d'arbre qui se métamorphose soudainement en la main et le doigt de la mariée. , avec la mariée elle-même émergeant dans toute sa forme squelettique et éparse de la tombe dans laquelle elle languissait depuis qu'elle avait été assassinée par son époux méchant et chasseur de fortune. Il y a d'abord une touche d'Ichabod Crane chez Victor Van Dort, mais avec des traits beaucoup plus larges de nervosité hystérique. Au fur et à mesure que l'histoire se développe, cependant, l'expansion lyrique de la musique de M. Elfman fournit un fond de douceur pour servir de contrepoint aux détails macabres des parties du corps en décomposition et en désintégration. En effet, si Corpse Bride fonctionne – et je ne suis pas sûr que ce soit le cas – c'est comme une comédie musicale mordante non sans esprit et avec une certaine dose d'engagement émotionnel.
Les trois personnages principaux se relaient à deux pour des périodes de cour au piano à deux mains, mais les lignes de démarcation entre ce monde et le suivant deviennent de plus en plus floues. Cela est particulièrement vrai lorsque le chœur de Bonejangles vole la vedette (pour ainsi dire) avec leur refrain récurrent à chaque strophe de plus en plus lugubre du conte de Corpse Bride dans Remains of the Day.
Ça se passe comme ça : Mourir, mourir, nous mourons tous / Mais ne froncez pas les sourcils parce que c'est vraiment OK. / Vous pourriez essayer de vous cacher et vous pourriez essayer de prier / Mais nous finissons tous par rester les restes de la journée. Maintenant, je sais que quelque part en moi il y a un petit homme qui hoche la tête en accord avec la vérité existentielle du refrain, mais j'interdis absolument à ce petit homme d'applaudir à l'unisson avec les chanteurs de Bonejangles. Ce qui suit ensuite dans le récit est aussi soigné et doux qu'une comptine. Normalement, j'aurais envisagé la résolution de ce triangle bizarre si sentimentalement artificiel qu'il est devenu un exemple d'avoir son gâteau (ou son cadavre) et de le manger aussi. Pourtant, M. Burton se range, bien que tardivement, du côté de la vie et de l'amour, et je n'aurais pas pu le supporter s'il ne l'avait pas fait. Alors profitez de Corpse Bride si vous le pouvez. Je ne l'ai pas fait, même si je devais admettre que c'était assez accompli pour ce que c'était.
La fille à papa
Keane de Lodge Kerrigan, tiré de son propre scénario, est le troisième film narratif à la première personne distinctement indépendant et très apprécié que M. Kerrigan a tourné au cours des 11 dernières années. Il a fait ses débuts avec Clean, Shaven (1994), une étude approfondie d'un personnage schizophrène nommé Peter (Peter Greene), qui erre en essayant de trouver un but à son existence après avoir été libéré d'un établissement psychiatrique. Pendant ce temps, sa jeune fille a été mise en adoption par sa mère, une policière qui soupçonne Peter d'être le meurtrier brutal d'une autre petite fille et qui est à ses trousses.
Le deuxième long métrage de M. Kerrigan, Claire Dolan, était un récit plus simple et moins douteux que Clean, Shaven car il suivait le personnage principal, joué par feu Katrin Cartlidge, lors de ses tournées désignées en tant que call-girl à prix élevé opérant dans divers endroits entre le New Jersey et New York, une région qui est devenue le terrain de prédilection de M. Kerrigan. C'est un monde éphémère de motels, de bars bon marché et de coups d'un soir.
Keane est plus proche dans son indistinction décousue de Clean, Shaven que de Claire Dolan à partir du moment où il commence, un peu mystérieusement, dans le terminal de bus de la New York Port Authority, où William Keane (Damian Lewis) cherche frénétiquement son enfant de 6 ans. fille, qui a disparu depuis six mois après avoir disparu dans la gare routière alors qu'elle était sous la garde de Keane. C'est du moins ce que prétend Keane alors qu'il boutonne de parfaits inconnus avec une photo de sa fille et une coupure de journal fanée de sa disparition, que nous ne voyons jamais par nous-mêmes, ce qui laisse soupçonner que Keane, négligé et apparemment dément, a peut-être inventé le histoire complète. D'une part, il est toujours montré en train de marmonner ou même de crier à haute voix alors qu'il est suivi sans relâche par la caméra de poche du directeur de la photographie John Foster, qui reste proche de Keane, mais pas assez pour que le public s'identifie à son point de vue. C'est comme si une troisième personne invisible gardait un œil sur Keane pour une raison indéterminée.
M. Lewis, un acteur britannique de grand talent, affiche un accent américain sans faille dans ce qui équivaut à une monopolisation hyper-wellélienne du temps et de l'espace à l'écran. Juste au moment où il commence à épuiser notre patience en incitant à une bagarre idiote autour d'une station de taxis avec un homme qu'il soupçonne inutilement d'avoir kidnappé sa fille, l'intrigue commence à s'épaissir considérablement lorsqu'il rencontre une mère célibataire malchanceuse, Lynn Bedik (Amy Ryan) et sa fille de 7 ans Kira (Abigail Breslin) à son hôtel. Keane est clairement fasciné par la petite fille, peut-être parce qu'elle lui rappelle sa propre fille perdue, et peut-être simplement parce qu'il est un pédophile dangereux qui a des fantasmes sur une fille perdue depuis longtemps.
Nous avons vu Keane se livrer à une rencontre sexuelle avec une femme non identifiée, reniflant de la coke, mais son manque de puissance sexuelle lors de cette rencontre suscite des soupçons plus chargés de suspense sur ses perversités sexuelles. Lorsque Lynn demande à Keane de garder sa fille pendant qu'elle sort de la ville pour obtenir de son ex-mari une pension alimentaire pour enfants, la tension monte sensiblement alors que Keane et Kira se lient comme un père de substitution dévoué et une fille de substitution complètement confiante. Alors que Kira, bien jouée par la complètement adorable Mme Breslin, essaie de remonter le moral de Keane découragé, il ne fait jamais le geste faux ou suspect que nous anticipons avec impatience. Je ne peux pas dire si M. Kerrigan joue au billard sale avec nous dans le public ou non. La pédophilie reste un tabou grave, à l'écran comme en dehors, mais les films récents ont dépassé les bornes (notamment dans le secteur indépendant), et de toute façon, on ne peut jamais être sûr d'un personnage qui semble appartenir à un institution.
En effet, je ne veux pas court-circuiter le suspense en vous racontant ce qui se passe à la fin. Pourtant, je ne peux pas éviter certaines spéculations d'auteur sur une note biographique cryptique que M. Kerrigan a incluse dans les notes de production du film : il vit à New York avec sa fille Serena. Dans son premier film, Clean, Shaven, le protagoniste a perdu la garde d'une fille et est soupçonné du meurtre de la fille de quelqu'un d'autre. Dans Claire Dolan, la protagoniste veut abandonner la prostitution pour avoir son propre enfant. Et à Keane, une fille peut-être réelle est presque magiquement remplacée par une fille porteuse avec un sac à dos étonnamment similaire dans le même terminal de bus.
L'obsession des filles est assez plausible, mais la solitude mobile des protagonistes de M. Kerrigan soulève différentes questions sur la vision de la vie et de la société de l'auteur. Il semblerait que nous nageons tous dans une mer d'indifférence commune, et je suppose que c'est une description aussi appropriée que n'importe quelle autre du monde d'aujourd'hui.
Plus sauvage
Certains l'aiment Wilder: The Complete Billy Wilder, une rétrospective de 26 films, continue sa course au Museum of the Moving Image (35th Avenue à 36th Street, Astoria) avec A Foreign Affair (1948), le retour bruyant de Wilder à Berlin après le guerre, avec Marlene Dietrich jetée contre la réalité en tant que nazi impénitent et Jean Arthur brutalisé en tant que membre du Congrès républicain de l'Iowa dans une compétition sexuelle inégale avec Dietrich pour l'amour d'un soldat américain corrompu (joué par John Lund). Millard Mitchell est également important dans le casting, en tant que commandant comique et sans fioritures. Dietrich chante Marché noir et Ruines de Berlin. Le scénario hilarant a été attribué à Wilder, Charles Brackett et Richard Breen, et les images sur place du bombardement de Berlin ont fait leur propre déclaration ironique. (samedi 24 septembre, 14h)
Stalag 17 (1953) aurait été supérieur au hit de Broadway de Donald Bevan et Edmund Trzcinski. Dans l'adaptation cinématographique de Wilder et Edwin Blum (qui a remporté un Oscar pour William Holden), l'anti-héros initialement épineux devient de manière inattendue héroïque dans un camp de prisonniers de guerre nazi, le Stalag 17 susmentionné. La splendide distribution d'ensemble comprend l'impromptu l'équipe comique de Robert Strauss et Harvey Lembeck (reprenant leurs pitreries sur scène), Don Taylor, Richard Erdman, Peter Graves, Neville Brand, Ross Bagdasarian et Gil Stratton Jr., ainsi que les méchants brillamment joués et écrits avec humour d'Otto Preminger (comme le commandant sardonique du camp) et Sig Ruman (en tant que garde de caserne faussement jovial). Malgré le dernier Hogan's Heroes - la sitcom insipide inspirée par le succès du film - Stalag 17 reste l'un des mélanges les plus résonnants de comédie et de mélodrame de Wilder. (Dimanche 25 septembre, 14h)
La page d'accueil (1974) est, hélas, le remake fatigué de Wilder de His Girl Friday (1940) de Howard Hawk, qui avait habilement hétérosexualisé (avec Cary Grant et Rosalind Russell) la romance originale entre amis de la scène Ben Hecht-Charles MacArthur 20 comédie, ainsi que la version cinématographique de Lewis Milestone de 1931 avec Adolphe Menjou et Pat O'Brian (après que le producteur Howard Hughes aurait refusé Clark Gable et James Cagney, au début de leur carrière, pour les rôles principaux). Dans la version Wilder, Jack Lemmon et Walter Matthau renouent avec la vénérable tradition copain-copain. (samedi 1er octobre 14h)
L'appartement (1960), présenté dans une impression Dolby Digital de 35 millimètres restaurée, a remporté les Oscars bien mérités du meilleur film, du meilleur scénario (Wilder et IAL Diamond), du meilleur montage (Daniel Mandell) et de la meilleure direction artistique-décoration ( Alexandre Trauner et Edward G. Boyle). La perte de Shirley MacLaine aux Oscars en tant que meilleure actrice n'a pas été méritée ; sa performance de bad-girl séduisante était infiniment supérieure à la call-girl ridicule d'Elizabeth Taylor dans Butterfield 8 de Daniel Mann, pour laquelle Mme Taylor a remporté l'un de ses prix périodiques à Hollywood, rendant hommage à son esprit d'acquisition cynique et à sa machine publicitaire bien huilée. Fred MacMurray est aux prises avec le rôle ingrat de mari infidèle et d'adultère mesquin, mais Jack Lemmon et Mme MacLaine sont tout simplement exquis dans leurs vulnérabilités communes, dont ils triomphent finalement dans une explosion de mouvements de caméra spectaculaires. (samedi 1er octobre 16h et dimanche 2 octobre 16h30)
