« Space Oddity » et le pouvoir de la chanson de l'histoire

Dans mes cours de composition , j'assigne une semaine où les élèves doivent écrire une chanson d'histoire - un morceau de musique avec un personnage qui se développe et nous emmène dans un voyage quelconque. Les étudiants me regardent généralement loucher. Une fois, en entendant le devoir, un étudiant a demandé, Vous voulez dire, comme… Pain de viande ? À quoi un autre a demandé, Qui est le pain de viande? Un troisième a clarifié les choses en proposant, Non, il veut dire un peu comme 'Stan', se référant à la chanson Eminem de leurs enfances collectives lointaines.

Oui. Comme Stan.

Pour le moment, les chansons – et je généralise, bien que les charts populaires le confirment – ​​ont tendance à se concentrer sur un moment particulier et à développer une sensation fixe. Par exemple, Bonjour d'Adèle, l'une des chansons les plus populaires au moment d'écrire ces lignes, sort d'un appel téléphonique personnel pour révéler son angoisse face à une relation passée. Les chansons avec un objectif plus large utilisent la première personne du pluriel (nous) et s'adressent directement aux membres du public dans l'espoir de générer un cri de ralliement - l'hymne tout-puissant. (Le refrain du hit 2011 de Fun Nous sommes jeunes vient à l'esprit.) Les genres EDM et électroniques contournent tout le concept d'histoire en éliminant complètement les paroles ou en reléguant une partie vocale à un crochet échantillonné et répété. Dans ce cas, la musique sert de bande sonore personnelle qui peut être interprétée de manière non limitée par la langue. Son imprécision inhérente lui permet d'évoluer au fur et à mesure que d'autres le remplissent de sens, comme s'il s'agissait de la version audio de Facebook.

Rien de tout cela n'est nouveau pour la musique, bien sûr, et je ne tire pas de conclusions sociologiques sur mes élèves ou leur génération de la manière certains ont . Mon objectif en classe est d'identifier une chanson qui fonctionne bien ou qui pourrait mieux fonctionner. Quant aux techniques utilisées par mes élèves, eh bien : la musique pop, c'est la mode, et le pouvoir de charmer. Les ourlets montent, les ourlets descendent. Qui le savait mieux que David Bowie ?

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Me voici flottant dans une boîte de conserve
Loin au dessus du monde
La planète Terre est bleue
Et il n'y a rien que je puisse faire

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Je devais avoir 11 ans environ - plus jeune, même ? – quand j'ai entendu Space Oddity pour la première fois. C'était après l'entraînement de football, et j'étais dans une baignoire surdimensionnée avec de hauts murs de porcelaine sur laquelle je me suis hissé pour regarder le radio-réveil à proximité. Je me souviens avoir eu l'impression que la musique avait cessé d'en sortir et qu'à la place, un film avait commencé à se dérouler sur le sol carrelé par mes crampons et mon maillot tandis que des images étaient projetées sur un écran nouveau et inconnu à mi-distance. Plus que la musique, ou le jeu, ou les prouesses vocales, j'ai été transpercé par l'histoire du voyage spatial du Major Tom, et j'ai tapé des doigts avec impatience sur la baignoire pendant le solo de guitare comme pour dire arrêtez de nouiller et continuez… QU'ARRIVE-T-IL AU MAJEUR TOM !?

Comme pour toutes les grandes histoires, vous n'avez qu'une seule chance d'être aussi choqué que moi par le résultat, mais en y réfléchissant maintenant, je peux reconstituer certaines des techniques que Bowie a utilisées pour peupler la chanson si brillamment. Je me demande si je peux inspirer certains de mes élèves à donner un nouveau look aux chansons d'histoire, non pas par nostalgie, ou parce que je pense qu'ils écrivent de la musique moins convaincante maintenant, mais simplement parce qu'une grande histoire a un pouvoir incroyable.

Contrôle au sol à Tom majeure

Un fléau de l'écriture de chansons d'histoire est le dialogue entre deux personnages - parce que vous ne pouvez pas chanter des guillemets ou des interlignes, vous devez passer un temps précieux à rappeler à l'auditeur, Il a dit _____/Elle a dit _____, etc. À quelques exceptions notables (les Beatles Elle a dit elle a dit vient à l'esprit), c'est un travail chargé de garder une histoire droite.

En simulant une conversation radio bidirectionnelle, Bowie fait non seulement de ce travail chargé un détail enrichissant l'histoire, mais il maintient les personnages parfaitement alignés dans le processus. Il commence chaque couplet avec ce même appareil, et à la fin de la chanson, c'est devenu un refrain en soi - un crochet, dans la terminologie de la musique pop. En conséquence, c'est l'une des lignes d'ouverture les plus reconnaissables de la musique pop.

Début du compte à rebours, moteurs allumés

Le compte à rebours superposé avant le lancement a un double objectif, en ce sens qu'il s'agit d'une partie critique de l'histoire, mais c'est aussi un dispositif classique : l'utilisation de la séquence. Des Jackson 5 A, B, C , chez Feist 1 2 3 4 , les auteurs-compositeurs sont toujours à la recherche de séquences qui tirent des connaissances déjà enracinées dans le nouveau contexte de la chanson. Pour Bowie, la séquence était assise là, et en l'utilisant en arrière-plan de ses refrains au lieu d'y attirer toute l'attention, il superpose deux crochets qui sont composés sans effort dans l'histoire.

Le décollage : La représentation instrumentale du lancement de fusée est, pour moi, l'un des grands moments du pop art. Il marie le chaos, l'ambition, le scénario, la fascination populaire pour les voyages dans l'espace et les limites croissantes de ce qu'un groupe de rock peut faire. Je ne peux qu'imaginer ce qu'Andy Warhol a dû penser la première fois qu'il l'a entendu. Mais au lieu de tomber dans l'auto-indulgence gratuite, toutes les idées tiennent ensemble, grâce au récit précis que Bowie a établi. L'histoire le permet, tout comme elle permet la résolution triomphale et les félicitations hilarantes et grossières de Ground Control :

Et les journaux veulent savoir à qui tu portes les chemises

Sa gifle rapide à la culture de consommation et son clin d'œil à l'auditeur nous contextualisent dans le cadre de la balade. À quelle vitesse un exploit humain colossal est réduit à la cupidité du marché qui traîne les doigts – mais ensuite, nous avons grandi en regardant les pilotes de NASCAR avaler du lait sponsorisé dans le cercle des gagnants, et les Olympiens vantant les vertus d'aller à Disney World quelques instants après la capture l'or. Aussi étrange qu'il paraisse à la surface, Bowie nous rappelle qu'il est l'un des nôtres – un extraterrestre qui parvient à ne pas s'aliéner.

Me voici flottant dans une boîte de conserve

Module lunaire d'Apollo 11. (Photo : NASA)

Space Oddity prend deux respirations substantielles dans l'écriture, qui sont généralement appelées ponts ou sections B. Souvent, ces sections donnent à l'auditeur un angle différent pour voir les événements de la chanson. Bowie les utilise pour élargir l'arrangement musical et fournir le monologue interne de Tom. Pour tous les bavardages avec Ground Control, il est le seul là-haut, avec des moments pour réfléchir à l'échelle de notre espèce face à l'univers. Comme Jodie Foster l'a dit dans le film inspiré de Carl Sagan en 1996, Contacter , Ils auraient dû envoyer un poète. Dans Space Oddity, Bowie en a envoyé un.

Dis à ma femme que je l'aime beaucoup

Elle connaît!

En faisant de Tom un homme marié, sa vulnérabilité augmente énormément, car maintenant l'amour est également suspendu aux fils ténus et à la technologie brute d'un jeune programme spatial. En tant qu'auditeur, nous savons que si ces fils se cassent, les dommages sont à la fois irréversibles et personnel . Le major Tom a une toute autre vie – une pelouse à tondre, des photos encadrées sur sa cheminée, peut-être des enfants – qui est impliquée dans un seul couplet. Il s'agit d'un simple feuilleton télévisé destiné à augmenter les enjeux de la mission, et Bowie, lui-même acteur, en connaissait l'attrait. Si les auteurs-compositeurs d'aujourd'hui ont cessé d'appuyer sur ce genre de boutons mélodramatiques, rassurez-vous, Hollywood ne l'a pas fait : le pouvoir de l'amour brûle au centre des récents blockbusters de science-fiction. Le Martien et Interstellaire , et le public — auquel Bowie a joué — ne s'en lasse visiblement pas.

La planète Terre est bleue
Et il n'y a rien que je puisse faire

Bowie revient à la section philosophique B alors qu'il se rend compte que sa mission est vouée à l'échec, mais maintenant les lignes répétées ont une nouvelle signification tragique : au début, il réfléchit à la façon dont il se sent sans conséquence dans le vaste contexte de l'univers ; dans le second, il admet qu'il n'y a rien qu'il puisse faire pour ne pas être englouti par elle. C'est la définition même du développement d'une chanson : avoir une section répétée qui signifie quelque chose de nouveau au moment où le voyage de la chanson a atteint son apogée.

L'autre: Bowie montre un léger côté sadique en ne complétant jamais le destin de Tom : au lieu de nous donner un accord final et résolu, la chanson s'estompe dans le vide, laissant le major Tom tourner pour l'éternité. Son départ dure une minute entière, soit 20 % de la chanson entière , et après avoir sympathisé avec lui - l'homme fragile et marié qui était presque un héros - nous n'avons d'autre choix que de reconnaître qu'en fin de compte, son destin est le nôtre.

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C'est le genre de chose une chanson d'histoire peut faire, et c'est la raison pour laquelle j'ai mis l'idée devant mes élèves, malgré les tendances actuelles du jour. Ce n'est pas comme si nous avions perdu notre appétit collectif pour les grands personnages et les intrigues archétypales, après tout. Nous ne sommes pas à court de nouvelles histoires, et nous ne sommes même pas fatigués des anciennes, car le Guerres des étoiles franchise nous le rappelle régulièrement. Peut-être que les David Bowies d'aujourd'hui ont été attirés par d'autres formes plus innovantes et plus adaptées aux histoires – séries Web, podcasts, jeux vidéo, etc. Peut-être que notre capacité d'attention ne s'adaptera pas à une autre intrigue à notre époque où les données sont additionnées. Mais quelque part dans l'éther de la musique pop, la chanson de l'histoire pourrait encore conserver son pouvoir dormant et attend les modes du moment. Les ourlets sont décidément bas. Peut-être que cela signifie qu'il n'y a qu'une seule façon pour eux d'aller.

Mike Errico est un artiste d'enregistrement, écrivain, producteur, superviseur musical et professeur conférencier, avec des sorties acclamées par la critique et de nombreux crédits de composition au cinéma et à la télévision. Il a enseigné l'écriture de chansons à Yale et Wesleyan, et enseigne actuellement au Clive Davis Institute of Recorded Music de NYU. En plus de sa carrière musicale, Errico était éditeur en ligne senior de Mixeur magazine et contribue à Monde de la guitare , ASCAP Relecture magazine et Cuepoint. Veuillez rester en contact par signer sa liste de diffusion .