Call Off the Requiem : le business de la musique classique n'est pas encore mort

Il est clair que, du moins en termes de chiffres, le commerce de la musique classique est en difficulté depuis un certain temps ; ce qui est moins clair, c'est pourquoi. Les experts de différents coins du monde des arts ne manquent pas d'explications ou de théories sur ce qui a le plus contribué au déclin de la pertinence culturelle du genre. (Le romancier britannique Kingsley Amis une fois a écrit que la musique classique de la fin du 20e siècle est à blâmer, affirmant que la symphonie moderne a à peu près autant de chance d'être acceptée par le public que la pédophilie. Aie.)

Mais la musique, selon la plupart, n'est pas le problème.

Selon Aubrey Bergauer – qui a été appelée « le Steve Jobs de la musique classique » par des collègues de son secteur en raison de sa capacité semblable à celle de Midas à renverser les orchestres lents et perdants de l'argent, inversant les lignes de tendance vieilles de plusieurs décennies pointant vers des détenteurs de billets moins nombreux (et plus âgés) le problème est en fait assez simple.

La musique en elle-même n'est pas le problème, en fait c'est ce que nous faisons de mieux, c'est notre produit de base. Pourtant, tant d'organisations pensent que si nous modifions le produit, cela améliorera les résultats, mais ce n'est pas le cas, a observé Bergauer, qui a récemment rendu les rênes de l'entreprise basée dans la région de la baie de San Francisco. Symphonie de Californie après avoir bousculé les choses avec des tactiques plus couramment trouvées dans les startups et les entreprises technologiques de la Silicon Valley. Le problème avec la musique classique est tout sauf la musique ; dans le jargon technologique, nous pourrions dire que notre « UX », notre expérience utilisateur client, est généralement nul.

Gardez cette pensée ; nous reviendrons sur Bergauer et l'UX pourri de la musique classique dans un instant.

Tout d'abord, sautons de l'autre côté de l'Atlantique jusqu'à Varsovie, en Pologne, et jetons un coup d'œil à ce qui se passe à l'Orchestre symphonique de la radio nationale polonaise. Ici, vous trouverez peut-être un chef-compositeur du nom de Radzimir Dębski, qui porte le nom de scène Jimek (oui, un chef d'orchestre avec un nom de scène), dirigeant simultanément un orchestre complet d'environ 70 pièces et larguant des bombes dans le style de Funkmaster Flex, naviguant dans ce qui a été appelé la plus grande réussite croisée de l'histoire de la musique classique - une visite éclair de 10 minutes à travers près de 30 des mélodies les plus emblématiques du hip hop.

Après avoir ouvert avec Kendrick Lamar's Swimming Pools (Drank), Jimek guide l'orchestre à travers certains des hymnes classiques du rap par 2Pac, Jay-Z, A Tribe Called Quest, Kanye West, 50 Cent et, bien sûr, les Beastie Boys; Cependant, la plus grande réaction de la foule visiblement engagée des amateurs de concerts survient lorsque le xylophoniste résident de la section des percussions commence à encadrer le thème de Get Ur Freak On de Missy Elliott.

Jimek, semble-t-il, pense que la musique classique doit faire peau neuve. Tony Woodstock, l'ancien président du New England Conservatory of Music et actuel doyen par intérim de l'École de musique de l'École des arts de l'Université de Caroline du Nord, aurait tendance à être d'accord, arguant dans un éditorial pour le HuffPost que le domaine de la musique classique en général est particulièrement résistant à la notion d'innovation car il n'y en a pratiquement pas eu depuis… 100 ans.

La religion organisée et les services religieux ont davantage changé au cours de la même période, a-t-il conclu.

Sur le circuit club et discothèque, Ferry Corsten , le DJ de trance hollandais de renommée mondiale, expérimente de plus en plus les progressions d'accords classiques et les sons d'inspiration orchestrale dans sa musique, qui a toujours été au sommet des charts de danse aux États-Unis et en Europe au cours de la dernière décennie. Son dernier projet vise à porter cette synergie entre les genres à un autre niveau, en créant la première symphonie technologique.

Je crois fermement que si Mozart était vivant aujourd'hui, il composerait de la trance, a déclaré Corsten dans une interview avec Braganca depuis son studio d'enregistrement à Rotterdam. La musique classique au sens traditionnel est peut-être en train de perdre un pas auprès du public, mais son ADN est bien vivant dans la musique électronique. Je soupçonne que les deux genres auront tendance à se rapprocher de plus en plus dans les années à venir à mesure que les orchestres commenceront à adopter les nouvelles technologies, alors qu'ils cherchent de nouvelles façons de se connecter avec une nouvelle génération de publics.

On entend souvent dire que certains artistes grand public populaires sont de formation classique, un compliment quelque peu détourné destiné à transmettre qu'un chanteur ou un musicien peut réellement lire la musique. Mais de plus en plus, les artistes qui ont appris à jouer d'un instrument d'orchestre cherchent des moyens pour insuffler leurs performances avec leurs compétences classiques. Le plus grand exemple de cette infusion classique dans le Top 40 de Billboard est peut-être l'utilisation expressive de sa flûte par Lizzo pendant les pauses de tubes comme Juice et Truth Hurts.

Il apparaît donc que, en marge du moins, les genres musicaux classiques et plus actuels s'engagent dans leur propre version du grand échange colombien , s'influencent mutuellement et brisent les silos qui ont séparé ces genres les uns des autres pendant des décennies.

Mais pour les salles de concert et les symphonies professionnelles du monde entier, le changement se produit à un rythme d'escargot et devra arriver le plus tôt possible, alors que le soutien du secteur public au médium diminue et qu'une classe de mécènes vieillissante s'éteint.

En tant qu'industrie, nous sommes incroyablement insulaires; nous devons chercher de l'inspiration et de l'innovation en dehors de notre domaine, a déclaré à Braganca le Dr Nancy Uscher, doyenne de l'Université du Nevada, Collège des beaux-arts de Las Vegas. Nous ne pouvons pas nous fier uniquement aux vestiges du passé. Nous devons trouver comment élargir ce que nous sommes sans endommager ce que nous avons. Le but devrait être : jouer Mozart et Beethoven comme si l'encre était encore humide.

Uscher pense que la seule façon de changer le fonctionnement de la musique classique est de la secouer de l'intérieur. Les gros donateurs détiennent toutes les cartes, a observé Uscher. S'ils devaient lier l'expérimentalisme et la prise de risque au financement, vous verriez des changements assez spectaculaires assez rapidement dans le secteur. La communauté de la musique classique n'innovera pas tant qu'il n'y aura pas d'incitation financière à le faire.

Presque tous les orchestres américains opèrent régulièrement dans le rouge. Les revenus tirés de la vente de billets représentent généralement moins de 50 % du budget de fonctionnement d'un organisme des arts de la scène musicaux. Même une salle comble, nuit après nuit, ne fera généralement pas l'affaire, car les revenus des billets seront éclipsés par le coût des ventes, les budgets de fonctionnement des installations et la rémunération des musiciens. Aussi laid que soit la vérité, contrairement à leurs homologues européens qui sont largement subventionnés par des entités gouvernementales nationales et locales, les orchestres américains sont à peu près seuls ; Subventions du National Endowment for the Arts (NEA) ont été tellement émasculés ces dernières années qu'ils n'ont pas d'impact substantiel sur le P&L de la plupart des grands orchestres.

Certaines des meilleures symphonies du pays, telles que le Grammy Award Orchestre du Minnesota , dirigé par le directeur musical finlandais Osmo Vänskä et président Michelle Miller Burns , ont déployé des efforts extraordinaires pour forcer l'innovation et la prise de risque. Plus tôt cette année, un bataillon de musiciens et de personnel de soutien (dont le rappeur Celles-ci , intégré en tant que correspondant reportant le voyage pour la radio publique sous le hashtag #dessainsafrica ) a effectué une tournée dans cinq villes d'Afrique du Sud, marquant la première visite dans le pays d'un orchestre professionnel américain, dans le cadre de la célébration mondiale du centenaire de Nelson Mandela. Le récent voyage du Minnesota Orchestra en Afrique du Sud fait suite à un échange culturel similaire à Cuba en 2015.Orchestre du Minnesota

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Pour Miller Burns, la tournée ne visait pas à transmettre une tradition culturelle particulière à une autre. La tournée a réuni des artistes sud-africains et américains et leur musique, offrant des échanges musicaux extraordinaires avec des groupes d'étudiants dans des auditoriums de spectacles à grande échelle dans des collèges, des mairies et des églises, a-t-elle expliqué. Pour les membres de notre orchestre, il s'agissait autant d'apprendre et d'absorber que de partager. Michelle Miller Burns est la présidente du Minnesota Orchestra, lauréat d'un Grammy Award, qui a activement recherché des partenariats et des lieux innovants pour élargir la portée et la pertinence de son organisation.Josh Kohanek

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Cette tournée révolutionnaire n'était pas la première du genre pour le Minnesota Orchestra ; en 2015, l'organisation est devenue le premier orchestre professionnel américain à jouer à Cuba depuis que les États-Unis et la nation insulaire ont commencé à normaliser leurs relations au cours des dernières années de l'administration Obama.

Musicologue légendaire et observateur aigu de la scène musicale professionnelle, Robert Freeman loue les efforts tels que les orchestres qui font le tour du monde dans des endroits inattendus, évitant les arrêts aux stands traditionnels à Vienne et à Berlin, ainsi que ceux qui expérimentent des musiques de films en direct et d'autres tirages uniques visant à susciter l'intérêt d'une nouvelle cohorte d'acheteurs de billets de concert. Cependant, de l'avis de Freeman, le problème primordial auquel est confrontée la musique classique se situe plus en amont ; Freeman prévient qu'un excès de musiciens formés professionnellement est ce qui fait pression sur l'industrie de l'intérieur - une offre trop importante pour une demande assez limitée.

Les écoles de musique forment leurs musiciens beaucoup trop étroitement, Freeman, l'ancien chef de longue date de la célèbre École de musique Eastman , a dit Observateur. Les conservatoires doivent apprendre aux musiciens à devenir des entrepreneurs, ce qui, à son tour, se traduirait par une manière plus dynamique et créative de penser à ce que signifie être un orchestre classique au milieu du 21e siècle.

Selon un fonctionnaire Rapport de l'AEN , il y a 1 214 orchestres aux États-Unis, bien que leurs budgets puissent aller de seulement 1 000 $ par an au budget d'exploitation annuel relativement important du Los Angeles Philharmonic, qui tourne à 120 millions de dollars . Mais, de toutes ces organisations musicales, seules une douzaine environ peuvent se permettre de payer 50 000 $ ou plus à leurs musiciens par an. Il y a vraiment moins de 1 000 postes de musique professionnelle à temps plein aux États-Unis, a observé Freeman, qui est également l'auteur de l'appel du clairon au monde de la musique professionnelle, La crise de la musique classique en Amérique .

En d'autres termes, il y a plus de postes à temps plein dans les listes des 32 équipes de football professionnel de la NFL qu'il n'y a de créneaux musicaux professionnels à temps plein dans les orchestres américains.

Ce qui nous ramène au prodige du secteur de la musique classique, Aubrey Bergauer, qui a utilisé un livre de jeu de la Silicon Valley pour redresser un orchestre naissant dans la région de la baie. Son développement d'un kit d'outils robuste comprenant des mesures de performance clés, une focalisation de type laser sur l'expérience utilisateur et une expérimentation itérative a fait des merveilles dans tourner autour du California Symphony . Au cours de ses quatre années à la barre, les ventes de billets ont augmenté de 70 %, les donateurs ont presque quadruplé et la symphonie ajoute, sans soustraire, des performances pour répondre à la demande.

Bien que Bergauer pense que la musique classique n'est pas nécessairement sur son lit de mort, elle convient que l'industrie est certainement à la croisée des chemins ; Bergauer pense que certains trouveront leur place en innovant ou en copiant ce qui fonctionne ailleurs et en le personnalisant et en l'implémentant dans leurs marchés nationaux. D'autres, malheureusement, réagiront trop lentement aux changements démographiques, ou ne prêteront pas attention aux demandes des utilisateurs, et pourraient éventuellement se replier. Aubrey Bergauer a apporté un état d'esprit de la Silicon Valley à la musique classique et a connu le succès.Les Morrisons

Bergauer a partagé avec Braganca une « liste de contrôle des 10 principaux » d'idées que tous les grands orchestres professionnels devraient (au minimum) étudier ou envisager alors qu'ils orientent leur marketing et leur sensibilisation vers les Millennials et la génération Z et commencent à repenser leur programmation et leurs opérations.

1. Mélangez-le !

Contrairement à un opéra, qui a un nombre défini d'actes qui doivent être joués, Bergauer ne comprend pas pourquoi davantage d'orchestres ne mélangent pas et n'associent pas des pièces contemporaines avec des standby classiques, et peut-être lancer une ou deux pièces croisées amusantes. ' Surtout Mozart « Les séries de types ont si peu de sens pour moi - variez la programmation. Trouvez quelque chose pour tout le monde dans chaque représentation, a conseillé Bergauer.

2. Abandonnez la politique anti-téléphone draconienne

Les orchestres sont notoirement impitoyables envers les clients qui sortent leur téléphone et commencent à filmer ou à prendre des photos, mais regardez simplement combien de téléphones sont éteints lors de tout autre type de concert. Les fans de musique classique, selon Bergauer, veulent vivre leur expérience Facetime Live et 'Insta' tout autant que quelqu'un lors d'un concert de Jay-Z. C'est du marketing gratuit - des millions d'impressions perdues sans raison valable, s'est-elle exclamée.

3. Servez de l'alcool

La musique est un divertissement ; laissez les spectateurs profiter d'une libation ou deux (ou trois) dans la salle de concert pendant qu'ils apprécient le spectacle. (Mais peut-être évitez les boissons sur glace.)

4. Jumbotrons

La plupart des gens ne sont pas équipés de jumelles d'opéra, alors pourquoi les salles de concert ne mettent-elles pas en place des moniteurs à grand écran montrant toute l'action ? Les fans aimeraient voir un visuel haute définition des gouttes de sueur couler sur le front du violoniste de la première chaise juste avant le grand solo. (Nous avons tous l'air tellement mieux en pleine 4K de toute façon, n'est-ce pas ?)

5. Donnez au public un certain contexte

Bergauer a découvert que de nombreux amateurs de concerts pour la première fois ne pouvaient même pas nommer tous les instruments de base d'un orchestre. Ils ne connaissent pas le vocabulaire de la musique italienne si répandu dans les programmes de concerts. Ne le rabaisse pas ; plutôt éduquer. Permettez au chef d'orchestre d'enseigner et de partager avec le public ce qu'il est sur le point d'entendre, ce qu'il faut chercher et écouter, et peut-être un peu de la trame de fond.

6. Encouragez les applaudissements et l'engagement du public

Selon les études de Bergauer, jusqu'à 90 % des participants à un concert de musique classique ne reviennent jamais, et elle pense que beaucoup ont trouvé l'expérience inaccessible. Les règles de la maison tacites concernant la toux ou le moment d'applaudir sont un frein majeur pour le jeune public. Les orchestres doivent trouver des moyens d'engager le public pendant le spectacle et de le faire se sentir à l'aise et libre de s'exprimer.

7. Cultivez une approche plus honnête de l'échec

Bergauer estime que beaucoup d'orchestres ont la tête dans le sable lorsqu'il s'agit d'autocritique. Il n'y a pas beaucoup de partage d'informations vraiment honnête entre les leaders du secteur, je pense, parce que toute la culture est celle du financement, a déclaré Bergauer. Nous sommes formés, quel que soit le projet, pour le présenter comme un succès. Et ce n'est pas utile parce que nous savons que tout n'est pas toujours un succès. Par conséquent, en tant qu'industrie, nous avons un dialogue très centré sur nous-mêmes.

8. Développer des sites Web adaptés aux mobiles

Bergauer dit qu'il est incroyable qu'en 2019, il existe encore de nombreux orchestres sans versions mobiles optimisées de leurs sites Web. Parlez d'un refus à un Gen Zer ou à un Millennial, a commenté Bergauer.

9. La diversité n'est pas que sur scène

Bergauer voit que trop d'orchestres voient la diversité à travers le prisme de ceux qui se produisent sur scène ou des compositeurs qu'ils choisissent de jouer, mais beaucoup ont beaucoup de travail à faire pour s'assurer que le public reflète ce même niveau de diversité.

10. Ne pas gérer par anecdote

Trop d'orchestres se plient et s'inclinent sur la base des opinions de membres du conseil d'administration particulièrement opiniâtres ou de mécènes acariâtres de longue date qui menacent d'annuler leurs abonnements s'ils n'aiment pas certaines des expérimentations en cours. Gérez avec les données, pas par qui a la voix la plus forte, a averti Bergauer. Trop souvent, les dirigeants d'orchestres professionnels sont paralysés par des membres du conseil d'administration très influents. Les dirigeants doivent cultiver des conseils d'administration qui partagent leur même attitude envers la prise de risque et la gestion axée sur les données.

Ceux qui sont en première ligne de cette bataille ont la tâche peu enviable d'œuvrer à la préservation et à la sauvegarde de la tradition de la musique classique tout en cherchant, presque paradoxalement, à l'actualiser pour le public du 21e siècle. Ce n'est pas une tâche facile, mais avec des leaders visionnaires comme Aubrey Bergauer et Michelle Miller Burns, sans parler des perturbateurs tels que Jamik, Ferry Corsten et Lizzo défiant ce qui est et n'est pas dans le domaine de la musique classique, l'ensemble de l'écosystème semble prêt pour un changement majeur. Dans les années à venir.

Quant à l'expérience de concert du futur, Michelle Miller Burns du Minnesota Orchestra l'a résumée ainsi : Plus de spontanéité et de surprise, un plus grand lien avec la communauté et probablement moins de structure et de formalité.

En d'autres termes, sortez votre téléphone, applaudissez lorsque l'esprit vous émeut et n'oubliez pas de prendre un mojito avant de vous asseoir.

Et profitez de la musique.