Appeler un concert, surtout celui d'un chanteur de chants religieux, une révélation dépasse le cliché. Pourtant, il n'y a pas de meilleur terme pour décrire la première fois que j'ai vu le regretté Nusrat Fateh Ali Khan.
À son apogée, le chanteur pakistanais de qawwali était l'un des chanteurs les plus passionnés et les plus imaginatifs de son temps, et cette nuit d'octobre 1992 au Sanders Theatre de Cambridge, Mass., il a chanté sa musique de dévotion soufie avec un abandon à pleins poumons. Le but de Qawwali est de rapprocher les gens de Dieu, et en entendant M. Khan chanter des lignes follement carénées avec un flair rythmique dont vous vous moquez, il était clair qu'une sorte de transcendance avait lieu . Certaines personnes étaient tellement excitées qu'elles ont déclenché l'alarme incendie et le bâtiment a dû être évacué. Près d'une heure s'est écoulée avant que nous ne soyons autorisés à rentrer, mais personne n'est rentré chez lui dans l'intervalle.
J'ai vu M. Khan en concert deux fois de plus, à Town Hall en 1995 – où j'étais assis à côté du fan enragé Jeff Buckley – et à Radio City en 1996. Lors de ce dernier concert, il était clair que quelque chose n'allait pas. M. Khan était maintenant si lourd qu'il avait besoin d'être aidé sur scène. Sa performance, bien que truffée de génie, était relativement modérée. En moins d'un an, ses reins avaient succombé à un diabète de longue date. Il avait 49 ans.
Peu de temps avant sa mort, M. Khan est entré en studio avec le producteur Rick Rubin pour enregistrer huit morceaux qui viennent de sortir sous forme de double disque, The Final Studio Recordings (American/Legacy). M. Rubin peut sembler un choix étrange pour un album de qawwali, mais son récent travail avec Johnny Cash montre qu'il s'abstient de diluer la musique traditionnelle. Le son ici est net, et le tabla et l'harmonium - les seuls instruments à part la voix - sont pompés haut dans le mix, d'autant mieux pour entendre comment ils ombragent délicatement chaque inflexion des envolées improvisées du chanteur.
À quelques exceptions près, M. Khan s'allonge pour la majeure partie du premier disque, laissant la plus grande part du feu d'artifice vocal à son frère cadet, Farroukh Fateh Ali Khan, et à son neveu, Rahat Nusrat Fateh Ali Khan. (Conformément à la tradition familiale, M. Khan avait déjà nommé Rahat comme son successeur. Il vient de sortir un excellent album à lui, également sur American et produit par M. Rubin ; il se produira au Bowery Ballroom le 13 juin.) Sur le deuxième disque, M. Khan semble prêt à s'acquitter de sa tâche, tirant des séries de chants casse-cou alors que le chœur devient plus fervent derrière lui. C'est merveilleux, mais il faut du temps pour y arriver.
M. Khan était à son meilleur lorsqu'il poussait sa voix rauque et soul jusqu'au point de rupture et au-delà, mais au moment où il a enregistré ces morceaux, il était trop malade pour le faire de manière cohérente. Les nouveaux venus dans le travail de cet homme remarquable devraient d'abord trouver Shahen-Shah , ses débuts en 1989 sur Real World, ou l'un des cinq disques d'En Concert à Paris sur Ocora. Contrairement aux tout simplement très bons Final Studio Recordings, ces albums contiennent le genre de musique qui déclenche les alarmes incendie.
–Mac Randall
Les rayures blanches : les grands mopes blancs
Il doit y avoir quelque chose dans le Schlitz. Le Midwest pompe des voitures, des céréales et des produits chimiques dangereux et récolte après récolte de graines de foin à la face pâteuse depuis les années 50. C'est aussi la bande du pays qui s'est le plus accrochée à une forme impétueuse et graveleuse de roche blanche, peu importe que la plupart des actes soient anglais. Au début des années 1970, ils s'étaient tous installés pour un festival de gaz prolongé qui n'a pas encore cessé. Le MC5. Les Stooges. Neil Young. Sabbat noir. La liste est longue et la plupart des morts-vivants sont toujours sur la route.
Il est donc temps que nous ayons une nouvelle réincarnation pour attiser les cœurs et les esprits de notre jeunesse culturellement affamée. Pour tout le Velveeta que le Midwest a produit, il arrive parfois avec un bon Limburger – cru, piquant, un peu bâclé. C'est les rayures blanches.
Depuis leur présentation animée au South by Southwest Music Festival à Austin en mars, ce duo frère-sœur de Detroit a été propulsé à l'avant-garde d'une nouvelle tendance garage-rock. Le garage rock sera-t-il la prochaine grande nouveauté de la musique ? se sont récemment demandé les wags d'Entertainment Weekly. Oh, allez. Tout le monde a entendu parler de l'oiseau. La chose la plus importante que vous puissiez dire à propos du garage rock, c'est qu'il n'y a jamais rien eu de nouveau à ce sujet ; il se délecte toujours d'un skronk minuscule, dépouillé et basé sur le blues. Le chanteur Jack White, qui joue de la guitare et du piano tandis que sa grande sœur Meg bat la batterie comme un Sasquatch, semble le savoir dans ses os.
Mis à part leur prédilection à la mode pour s'habiller uniquement en blanc ou en rouge et invoquer les noms sacrés de Blind Willie McTell et Loretta Lynn, les White Stripes se révèlent rafraîchissantes et crues sur leur troisième album, White Blood Cells (Sympathy for the Record Industry), avec un une bouffée de Buzzcocks ici (Fell in Love With a Girl), un bêlement vintage d'Iggy Stooge (Expecting) et certains des meilleurs riffs crunge depuis que Jimmy Page contrôlait toujours ses entrailles. Et ils le font sans projeter aucune de cette tude de scuzz-rock fatiguée émanant de M. Blues Punk His'sef, Jon Spencer.
Eh bien, je suis désolé / Mais je ne suis pas intéressé par les mines d'or, les puits de pétrole, le transport maritime ou l'immobilier, proclame Jack White (bien que via des paroles tirées de Citizen Kane) lors d'un intermède dans The Union Forever. Qu'aurais-je aimé être ? / Tout ce que vous détestez. Les White Stripes sonnent comme si leurs rêves n'avaient pas encore été anéantis, et c'est une excellente façon de traverser la vie.
–Jay Stowe
Les White Stripes joueront au Bowery Ballroom les 16 et 17 juin et au Mercury Lounge le 18 juin.
Ron Sexsmith : Petit garçon, bleu ?
Cela arrive tout le temps dans les films: le poète au cœur doux tombe avec le rebelle à l'âme sombre, et avant que vous puissiez dire Sal Mineo, le petit agneau titube dans sa ville natale dans une veste en cuir, empestant l'endroit d'haleine de bourbon et le nihilisme des sous-marins. Avant que vous n'ayez fini votre pop-corn, il est mort – un symbole d'innocence perdue, ou des conneries comme ça.
Ce scénario m'a traversé l'esprit quand j'ai vu que le prince noir de Nashville, Steve Earle, avait produit le barde au visage de bébé du nouvel album de l'Ontario Ron Sexsmith, Blue Boy (Spinart). En fait, ma première réaction a été : combinaison intrigante. En ce qui concerne les auteurs-compositeurs-interprètes, M. Earle et M. Sexsmith sont parmi les meilleurs que nous ayons, des gars qui créent constamment des mondes de quatre minutes qui semblent aussi vifs sur le plan émotionnel que celui qui se passe devant les portes de notre appartement.
Puis je me suis souvenu que ces hommes avaient des visions du monde très différentes. M. Earle est un pragmatique - son dernier album contenait une belle chanson intitulée I Don't Wanna Lose You Yet - tandis que M. Sexsmith reste optimiste, même lorsqu'il sombre dans l'ombre. Autant que je sache / L'obscurité aussi / Porte un déguisement à peine voilé, il a chanté sur son excellent deuxième album, Other Songs.
La bonne nouvelle est que M. Sexsmith ne tire pas de Mineo sur Blue Boy. M. Earle traîne son amour pour les couches psychédéliques des Beatles, le reggae et les caisses claires et donne à M. Sexsmith un coup de pied musical dans le pantalon. Bien que l'album ait ses moments sinistres (écoutez Parabole, dans laquelle le pauvre perdant se demande : Et si ce mauvais gagnant / Était un petit accident ?), le romantisme franc et clair de M. Sexsmith l'emporte.
Cette lutte entre l'obscurité et la lumière se retrouve sur le tout premier morceau, This Song. D'une voix qui sonne comme un doux hybride de Van Morrison et de Chet Baker, M. Sexsmith chante l'introduction d'une chanson fragile dans ce monde, demandant à plusieurs reprises : Comment cette chanson peut-elle survivre ? Mais il déclare aussi : Je ne laisserai jamais cette chanson seule / Je vais la garder / Sûr et au chaud / Car la haine est forte / Et les ténèbres prospèrent.
Toutes les chansons de Blue Boy ne sont pas des joyaux. L'orgue triste et la ligne de guitare de Cheap Hotel sonnent bien, mais les paroles, à propos d'une femme fuyant son mari violent, semblent blêmes. Mais il n'y a pas de vrais clunkers. M. Sexsmith continue d'emballer ses paroles magnifiquement simples avec de petites surprises. Sur Fallen, par exemple, il utilise l'image des feuilles d'automne pour symboliser non pas le spectre prévisible de la mort, mais un amour intense : Et les feuilles ont perdu leur emprise / Des branches comme toujours / Qui nous laisse avec de l'or / Et couleur vin sentiers / De la même manière, je suis tombé amoureux de toi.
Il y a des moments - comme sur Don't Ask Why et Just My Heart Talkin' - où la musique ressemble tellement à celle de M. Earle que vous vous attendez à moitié à entendre sa voix lasse du monde sur les guitares cliquetantes. Ensuite, M. Sexsmith se présente et vous fait croire que les optimistes peuvent opérer dans un monde dangereux.
- Frank Di Giacomo
