Stevie Wonder se produit au Rainbow Theatre, à Londres, le 28 janvier 1974. (Photo de Michael Putland/Getty Images). Stevie Wonder entreprend une courte tournée qui l'amènera au Madison Square Garden le 6 novembre, interprétant son album classique phare, Chansons dans la clé de la vie , du début à la fin.
L'album est un mastodonte émotionnel, un cadeau immensément généreux du cœur d'un génie et un chef-d'œuvre à presque tous les niveaux. M. Wonder a entrepris de couvrir l'étendue suggérée par le titre de l'album, rien de moins que la clé de la vie. Et s'il n'a pas tout touché, son but était vrai. C'était le point culminant d'une série de quatre albums (étonnamment sortis en seulement 39 mois) d'une excellence soutenue inégalée en dehors du mont. Rushmore des géants de la musique populaire des années 1960-1970 : les Beatles, les Rolling Stones, Bob Dylan et peut-être Van Morrison. Au cours du disque tentaculaire, deux longs LP et un EP de 7 pouces de quatre chansons, il ne fait aucun faux pas. Des compositions musicales aux paroles, en passant par des performances étonnantes et une production irréprochable, il doit être considéré comme l'un des plus grands disques de tous les temps. Si simplement jugé comme un album de performances vocales, je ne peux penser à rien de mieux. Voici l'un des plus grands chanteurs des 20e et 21e siècles à l'apogée de ses capacités, attirant notre attention pour 22 chansons réparties sur trois dalles sur vinyle.
Vendu au détail pour 13,98 $ en 1976, c'était un record à succès gargantuesque, faisant ses débuts au n ° 1 du palmarès Billboard Pop Albums. Il a passé 13 semaines au n ° 1 et 35 semaines dans le Top 10, donnant quatre singles du Billboard Top 40, dont deux sont allés au n ° 1. C'était le premier album sorti sous le nouveau sept ans stupéfiant de M. Wonder, 37 millions de dollars. contrat avec Motown Records.
J'avais 10 ans quand il est sorti et après avoir été emporté par le groove implacable du single, I Wish, j'ai marché jusqu'au magasin de disques et j'ai déposé mon argent de poche. C'est le premier album que j'ai acheté seul. Je connaissais déjà la musique de Stevie Wonder à la radio. Les singles funky comme Superstition, Higher Ground et Boogie on Reggae Women ont tous été de gros succès. En tant qu'aîné de ma famille de Long Island, la radio AM était ma principale exposition à la musique au début des années 1970. J'avais déjà amassé une collection de singles du Top 40 que j'avais achetés, ainsi que quelques LPs clés et singles des années 60 que j'avais hérités de voisins. Mais I Wish, une chanson d'un homme de 26 ans, nostalgique de l'époque où il avait l'âge que j'avais à l'époque, m'a poussé à m'engager dans mon premier investissement musical important. Je voulais ce record comme la plupart de mes amis convoitaient un vélo à 10 vitesses.
Je pense que si j'avais été moi-même adulte et que j'avais acheté le disque sur la base du R&B dur entendu sur I Wish, j'aurais d'abord été déçu par la façon dont l'album s'ouvre, énigmatiquement sur une sorte de note douce. Enfant, cependant, mon esprit était ouvert. En fait, alors que j'aimais ces singles infusés de funk, j'étais aussi un grand fan des ballades douces de Stevie. You Are the Sunshine of My Life et My Cherie Amour, m'ont aussi parlé. Ce changement de refrain de My Cherie Amour (Oh Cherie Amour, jolie petite que j'adore…) en particulier m'a fait plier les genoux.
Voici quelques-unes de mes préférées, les chansons les plus représentatives de l'album et celles que j'ai le plus hâte d'entendre en live :
L'amour ' J'ai besoin d'amour aujourd'hui
Chansons dans la clé de la vie s'ouvre avec un riche ensemble a cappella de voix masculines présentant Love's in Need of Love Today, qui pourraient être tous des overdubs superposés de Stevie. C'est difficile à dire. Alors que l'album était accompagné d'un livret de 24 pages avec des paroles et des notes de pochette, avec une liste complète du personnel - et une page de gratitude qui salue tout le monde, de Kareem Abdul Jabaar à David Bowie, en passant par Frank Zappa - la liste des crédits qui fait qu'est-ce qui sur chaque chanson est aussi aléatoire que celui des Rolling Stones L'exil sur la rue principale . M. Wonder, cependant, joue lui-même une grande partie de l'instrumentation de l'album, y compris la batterie, et est entouré d'un groupe de base qui constitue l'épine dorsale de l'album. Le bassiste stellaire, Nathan Watts, se démarque parmi un groupe impressionnant, et reste un sideman constant avec M. Wonder à ce jour.
Vous ne voulez pas que cela se termine. Cela vous prend par surprise. Vous pensiez que le gars était juste en train de s'échauffer. Il chante déjà plus que quiconque que vous avez déjà entendu. |
M. Wonder entre doucement, bonjour ou bonsoir amis/Voici votre sympathique annonceur. D'un seul coup, nous avons un aperçu de certains des points forts et peut-être de l'un des rares défauts du dossier. Nous obtenons la chaleur et un peu d'humour qui restent des thèmes tout au long du disque. Mais on a aussi un peu de la syntaxe maladroite qui parsème le texte des chansons. Stevie est l'un de ces auteurs-compositeurs qui feront une fin - parfois, plus comme un double renversement de scintillement de puces - pour terminer une rime. À cet égard, il ressemble moins à Cole Porter qu'à Bob Dylan et qui peut s'en plaindre ? Comme M. Dylan, les mots sont soumis au rythme du maître. M. Wonder réinvente si régulièrement les accents syllabiques et nous laisse suspendus à des rimes, qu'il semble être par conception et est devenu une sorte de marque de commerce adorable.
Le message de la chanson est simple. Les Beatles ont chanté que tout ce dont vous avez besoin, c'est d'amour. Dix ans plus tard, voici un terrible avertissement que l'amour lui-même a besoin d'amour. Avec la voix d'un présentateur de journal télévisé, il constitue une parfaite introduction à l'album qui, en plus de moments intimes, offre une vision large de l'état du monde au milieu des années 1970, un sujet aussi ambitieux que l'étendue des styles musicaux qu'il contient.
La sonorité, la chaleur du morceau lui-même, vous attirent. Vous vous abandonnez au son global, riche et avec une présence nette. Mais ensuite, vous obtenez également tous ces bonbons auriculaires comme le travail en couches de Brian Wilson pour les Beach Boys. C'est un enregistrement au casque classique, avec des percussions parfaitement placées et des overdubs réfléchis.
La chanson reste assez sobre pour la majeure partie de l'arrangement. Mais comme pour de nombreuses chansons de l'album, Mr. Wonder ajoute un vampire improvisé sur un refrain répété ad-libbing avec un style gospel call-and-response. Sa voix commence à monter en octaves. L'arrangement à combustion lente prend une nouvelle couche d'excitation, puis une autre. Avant de vous en rendre compte, vous êtes complètement emporté dedans. La confiance que vous avez témoignée à Stevie Wonder lorsque vous êtes allé déposer 14 $ sur le LP basé sur I Wish s'est avérée bien placée.
L'amour a besoin d'amour aujourd'hui dure plus de sept minutes. Et tu ne veux pas que ça s'arrête. Cela vous prend par surprise. Vous pensiez que le gars était juste en train de s'échauffer. Il chante déjà plus que quiconque que vous avez déjà entendu. Chant inspiré. Chant techniquement brillant.
Village Ghetto Terre
Les Beatles ont autant d'influence sur l'album que Sly Stone, Curtis Mayfield et Marvin Gaye. Et pas seulement en termes de portée et d'ambition, mais aussi musicalement parlant. En effet, Sir Duke semble avoir été écrit par Paul McCartney, et les Hare Krishnas qui chantent sur la chanson Pastime Paradise sont une idée du livre de jeu de George Harrison. Village Ghetto Land est une sorte de synthé des années 1970 d'Eleanor Rigby.
Herbie Hancock, qui a joué sur la chanson As, dit qu'il admirait l'utilisation orchestrale des synthétiseurs par Stevie… Stevie ne tombe pas dans le piège que je fais en essayant de reproduire les sons des cordes acoustiques. Stevie laisse les synthés être ce qu'ils sont, quelque chose qui n'est pas acoustique. Ces parties, provenant d'un synthétiseur ARP, sonnent juste assez comme des cordes pour vous faire savoir que l'ambiance du faux menuet est satirique, une tournée sur la pointe des pieds à travers le ghetto urbain américain typique des années 1970. Les paroles ont été écrites par Gary Byrd, qui a passé des mois dessus seulement pour que Wonder l'appelle pendant l'enregistrement avec le besoin urgent d'un nouveau couplet, que M. Byrd a fourni en 20 minutes environ. La chanson s'adresse à des concitoyens déconnectés, probablement blancs, qui détournent le regard ou même dénigrent les pauvres. Certaines personnes disent que nous devrions être heureux de ce que nous avons. » Pendant ce temps, les familles mangent de la nourriture pour chiens tandis que les politiciens rient et boivent, ivres à toutes les exigences.
Mr. Wonder nous fait sortir du cap fixé par les deux premières chansons. Loves in Need of Love Today contient un avertissement, mais c'est finalement un message d'espoir que nous pouvons renverser la force des plans diaboliques. La chanson funk lente et groovy, Have a Talk with God, offre une source de cet espoir via la foi dévotionnelle. Village Ghetto Land a une morsure, cependant. Ce n'est pas un acte d'accusation personnel à la Dylan ; M. Wonder et M. Byrd offrent simplement une litanie réaliste de la vie dans les ghettos urbains américains pendant un reflux particulièrement bas pour les villes du pays. Il demande simplement, sinon naïvement, Dis-moi, seriez-vous heureux à Village Ghetto Land ?
Monsieur le Duc
La piste qui mène à Sir Duke, l'entraînement de fusion Contusion, portait sur la nouvelle direction que prenait le jazz dans les années 1970. Sir Duke, cependant, est un hommage direct aux pionniers que le temps ne nous permettra pas d'oublier. M. Wonder avait commencé l'album au moment de la mort de Duke Ellington en 1974. La chanson était le deuxième single de l'album et un deuxième smash n°1.
Une explosion de cuivres ouvre la chanson avec le riff qui sert de premier des trois crochets principaux. En tant que numéro pop-jazz, il remonte aux premiers jours de l'ère du big band, avec un rythme de jazz enjoué des années 1930, quelque chose dans le style de Diminuendo in Blue, plutôt que le swing langoureux sexy entendu sur, disons, Jeep's Blues, que l'on peut entendre tous deux sur le grand album de retour d'Ellington, Vivre à Newport 1956 . L'ambiance de retour en arrière et la mélodie montante de la ligne de refrain, vous pouvez la sentir partout (le deuxième crochet) a Paul Your Mother Should Know McCartney écrit dessus. Mais le troisième crochet de la chanson, qui comprend les lignes de basse, de cuivres, de clavier et de guitare syncopés, donne également une idée de l'influence moderne que Earth, Wind & Fire avait sur Mr. Wonder. Au moment de l'enregistrement, ce groupe atteignait son apogée avec des enregistrements R&B effervescents à saveur pop comme celui-ci. Sir Duke est un arrangement d'ensemble remarquable, ce qui rend encore plus étonnant de remarquer à quel point Nathan Watts se démarque avec une partie de basse stupéfiante. Si vous pensez avoir suffisamment entendu la chanson, essayez de l'écouter une fois de plus avec vos écouteurs tout en vous concentrant sur les basses.
Nous obtenons également plus qu'un petit peu de la philosophie daltonienne de Stevie. Ce n'est pas une leçon pédante sur l'importance des contributions des Afro-Américains à la musique américaine destinée à induire la culpabilité (comme peut-être Village Ghetto Land) ; c'est une célébration de tous – blancs, juifs, noirs, hommes et femmes – qui ont aidé à construire cette forme d'art typiquement américaine du jazz.
Je souhaite
Eric Clapton a dit en 1974 que Stevie Wonder est le plus grand batteur de notre temps. Comme le souligne à juste titre le journaliste musical Eric Sandler, il s'agissait d'un éloge de la part d'un homme qui a joué avec Ginger Baker. Véritable prodige de la musique, Stevie était devenu compétent à la batterie, au piano et à l'harmonica à l'âge de 9 ans. À la fin de son adolescence, il n'était pas seulement une pop star lui-même, mais il écrivait et produisait pour d'autres, notamment It's a Shame for the Spinners, sur lequel il joue lui-même le délicieux groove de batterie. ( Ici est la piste d'accompagnement sans voix.)
I Wish est incontestablement un motif de batterie Stevie Wonder. En plus d'avoir un sens inné du groove, il existe une inventivité musicale qui pourrait provenir du fait d'être un multi-instrumentiste complet, par opposition à quelqu'un qui se définit strictement comme un batteur. Il y a un fil conducteur qui va de cette piste Spinners à Superstition et peut être entendu à nouveau sur I Wish; un battement rebondissant de marque Wonder. Cela a quelque chose à voir avec la façon dont Mr. Wonder travaille les cymbales charleston. Sur I Wish, par exemple, remarquez comment sur le break post-chorus influencé par le doo-wop, il ouvre et ferme le charleston d'une manière totalement inattendue et peu orthodoxe, créant un crochet rythmique sous le crochet mélodique réel. Et ce brillant de charleston est là dès le haut de la piste. Alors que le rythme de la grosse caisse et de la caisse claire s'affirme comme l'épine dorsale du morceau, les triolets et les accents floconneux qu'il joue sur le charleston, si important dans le mix, sont le rythme cardiaque excité qui fait battre nos propres impulsions.
Ce qui nous amène à ce groove, l'un des plus célèbres du funk. En tant qu'expression familière musicale, le groove est difficile à définir mais nous le savons quand nous l'entendons. Un groove est obtenu lorsqu'un batteur se repose dans une poche rythmique et empêche le groupe de laisser l'excitation gâcher le tempo qui a été défini en haut de la piste. Il fournit un endroit confortable et prévisible pour l'ensemble, sachant qu'ils peuvent se pencher sur le rythme ou s'en éloigner en tant que choix musical, comme dans le terme de jazz, swing.
Sur I Wish, comme démontré dans le Albums classiques documentaire sur l'album , Stevie a commencé l'enregistrement sur le piano électrique Fender Rhodes, qui est l'instrument sur lequel il a commencé presque toutes les chansons de l'album. Sa main gauche a joué la ligne de basse continue, qui a ensuite été doublée et agrémentée de slides grognants par le bassiste Nathan Watts. Ensuite, M. Wonder est entré et a posé cette piste de batterie, suivie peu de temps par ce qui ressemble à des parties de guitare pizzicato qui grattent le poulet, qui sont en fait deux parties de synthé concurrentes jouant des contre-mélodies.
C'est un morceau contagieux et badass qui est rendu encore plus méchant par une attaque de cuivres percutante. M. Wonder tourne des paroles nostalgiques à la fois spirituelles et poignantes. Pouvons-nous encore rire d'une phrase comme Faire de votre mieux pour vous mettre de l'eau aux yeux/Penser que cela pourrait l'empêcher de vous crier le derrière/J'aimerais que ces jours puissent revenir une fois de plus/Pourquoi ces jours ont-ils déjà dû disparaître ? Sinon, nous pouvons toujours sourire au célèbre Fumer des cigarettes et écrire quelque chose de méchant sur le mur, suivi de la propre sœur de M. Wonder, la réponse réprimande de Renee Hardaway, Toi méchant garçon ! Et beaucoup d'entre nous se souviennent de la même réponse que nous avons faite à nos frères et sœurs plus jeunes qui prétendaient qu'ils allaient nous en parler : ne dites simplement pas que je vous donnerai tout ce que vous voulez dans ce vaste monde.
M. Wonder a enregistré la chanson le lendemain d'un pique-nique Motown. Le label et le studio servaient en quelque sorte de collège et de lycée pour le génie du garçon, ce qui pourrait expliquer en partie le regard mélancolique sur son enfance.
Paradis des passe-temps
M. Wonder a construit cette piste à partir d'un prototype de synthétiseur Yamaha polyphonique (capacité à jouer plusieurs touches/notes simultanément), qu'il a surnommé la Dream Machine. Gary Olazabal, qui était l'un des principaux ingénieurs du dossier, a déclaré SoundonSound.com que M. Wonder était intéressé à utiliser un équipement que personne d'autre n'avait. Stevie essaie toujours d'obtenir la prochaine nouveauté, dit-il. Il est juste comme un enfant de cette façon.
Il est important de comprendre que c'était encore les tout premiers jours des synthétiseurs. Les sons des synthétiseurs analogiques, lancés par la société Moog, ont commencé à être entendus pour la première fois sur des disques populaires à l'époque de Here Comes the Sun des Beatles. Mais la technologie qui permettait des fac-similés assez raisonnables de sons acoustiques comme des cordes en était encore à ses balbutiements. La technologie numérique allait le révolutionner encore plus, mais c'était dans des années. Avec des morceaux comme Pastime Paradise, Mr. Wonder nous a époustouflés alors que nous attachions des écouteurs Radio Shack dans le salon de nos parents de la même manière que les Beatles l'avaient fait une décennie plus tôt pour les fans de musique un peu plus âgés.
Il est facile de tenir pour acquis une piste comme Pastime Paradise maintenant, quand n'importe quel enfant avec Garage Band peut rapidement composer une grande variété de textures sonores. Et pourtant, le rappeur Coolio a utilisé le morceau entier comme échantillon pour former sa propre variation de la chanson avec le hit Gangsta’s Paradise en 1995, bien après que les outils numériques aient été disponibles pour créer facilement de nouveaux sons. En 1975, même pour obtenir quelque chose d'aussi simple que le son de gong inversé qui ouvre la piste, il fallait repérer une bobine de bande, la retourner et localiser méticuleusement le bon endroit, juste au moment où M. Wonder commence à chanter la première ligne. déposer le son dans ce qui constituerait le master final. Quelques années plus tard, la même astuce serait littéralement une simple pression sur un bouton.
Dans le Albums classiques documentaire, M. Wonder désigne tout le groove Earth, Wind & Fire qui se passait à l'époque, comme une influence. Il l'illustre en tapant sur un rythme qui ressemble au Can't Hide Love du groupe de 1975, l'année où M. Wonder était en plein enregistrement de l'album. La tension du Pastime Paradise, relevée par des percussions afro-cubaines et des cloches Hare Krishna, atteint une apothéose lorsqu'un chœur de Krishna, littéralement ramené des rues, se mêle à une chorale gospel chantant We Shall Overcome.
Le titre est un jeu de mots sur le fait d'être piégé dans une fausse nostalgie et de ne pas faire face aux dures réalités du présent. Bien que l'on puisse raisonnablement se demander si ce n'est pas ce que M. Wonder lui-même fait avec I Wish et Sir Duke du même album, après tout, ne vivait-il pas dans un paradis de passe-temps dans l'ambre de la nostalgie, où même whoopin' [son ] derrière a été rappelé avec nostalgie ? — c'est une question d'application.
Bien sûr, nous aimons tous regarder en arrière. Mais quelques années avant l'élection du président Ronald It's Morning Again in America Reagan, Pasttime Paradise met en garde contre politique manipulation d'une telle sentimentalité. Glorifier les jours passés depuis longtemps/Ils ont perdu la plupart de leurs jours à se souvenir de l'ignorance… Alors que les Sudistes qui regardent avec tendresse l'époque de la ségrégation sont une cible ici, M. Wonder s'en prend également à ceux qui sont si fidèles qu'ils acceptent vivant dans de mauvaises conditions avec une promesse future de salut.
Bien que la chanson aborde des sujets lourds dans ses paroles, Mr. Wonder s'enlise un peu dans la litanie des mots -tion, comme Bono le ferait une décennie plus tard. Je me souviens, quand il écrivait cette chanson en studio, il avait du mal à trouver tous ces mots '-tion' comme 'dissipation', 'ségrégation', 'exploitation', a déclaré l'ingénieur M. Olazabal. Il essayait de trouver suffisamment de ces paroles qui signifieraient quelque chose et auraient un sens.
Douleur ordinaire
La chanson suivante, Summer Soft, sert d'antidote à Pastime Paradise et l'ambiance légère continue dans la prochaine chanson de l'album, Ordinary Pain. Mais c'est un répit de courte durée. Cette chanson à la saveur d'Al Green commence avec la voix de Stevie-as-naif, poursuivant le fil Songs of Innocence de l'album, qui peut être divisé selon les lignes de William Blake Chants d'innocence et d'expérience . L'air mélancolique qui forme la première partie de la suite en deux parties Ordinary Pain n'est pas sans humour. Le vraiment Merveilleusement Dites-lui que vous êtes content / C'est fini en fait / Peut-elle emporter avec elle la douleur qu'elle a ramenée est peut-être sa manœuvre la plus gymnastique pour terminer une comptine.
Qu'est-ce qui rend de tels moments musicaux si efficaces ? Si nous pouvions l'expliquer, aurions-nous besoin de musique ? C'est la musique elle-même qui va au-delà de ce que les mots seuls peuvent articuler. |
Mais cette histoire de chien pendu qui m'a fait du tort prend une tournure dure pour sa deuxième partie, a-t-il dit/elle a dit. Alors que la première moitié douce-amère s'essouffle, écoutez comment Stevie ajoute des notes de basse descendantes toujours plus sombres sur son piano électrique, se terminant sur une note dissonante qui se lance dans le funk dur de la deuxième section. À la tête d'une sorte de choeur grec féminin d'appel et de réponse, Shirley Brewer s'en prend au narrateur malheureux de la première chanson, ouvrant sur le franc Tu n'es qu'un idiot masochiste/Je pensais que tu connaissais mon l'amour était cruel. Avec cette ligne, la conscience de soi de M. Wonder est mise à nu. La vision du monde idéaliste qu'il a présentée jusqu'à présent sur l'album vient d'un narrateur imparfait. Mme Brewer le sort de son étourdissement brumeux.
Deux peuvent jouer à un jeu d'amour cruel. Maintenant que nous entendons son contrepoint, nous pensons, Eh bien, hummm. Peut-être qu'il était ' C'est un si bon garçon après tout . Le personnage de Mme Brewer dénonce quelques infractions dont le personnage de Stevie est responsable : Vous pleurez de grosses larmes de crocodile/Pour correspondre à celles que j'ai pleurées pendant des années/Quand j'étais à la maison à vous attendre/Vous étiez quelque part à faire le faire . Elle enfonce le clou avec la ligne Je savais que notre amour devrait se terminer/La nuit où je l'ai fait avec ton ami. J'avais peur de sa voix quand j'avais 10 ans.
Le point de vue de Mme Brewer est celui de l'autonomisation, soutenu par un chœur de fraternité composé de Linda Lawrence, Terri Hendricks, Sundray Tucker, Charity McCrary et Madelaine Jones, un accompagnement de type R&B dans la tradition des Ikettes et LaBelle. . Sur un disque avec un bon funk des années 1970, le groove costaud de la partie II d'Ordinary Pain est un gros morceau qui frappe fort, un lien entre plus tard Sly Stone, Funkadelic et, avec les riffs de cor sur un fond lourd, des trucs qui est venu l'année suivante ou deux, comme la maison de brique des commodores.
J'ai lu ou entendu des gens qui trouvent cela comme un point faible de l'album. Au contraire, pour moi, cela forme une cheville ouvrière, encapsulant brillamment une grande partie de ce qui rend le disque si satisfaisant, les thèmes doux/dur/naïf/amer/innocence/expérience/joie/douleur tous réunis en une seule chanson.
Isn ' Elle est charmante
Quand j'étais enfant, je rejouais certaines parties de certaines chansons encore et encore, soulevant l'aiguille de mes disques et la remettant soigneusement en place pour réécouter un changement d'accord, une voix inspirée ou un solo de guitare. Sur Isn't She Lovely, Stevie fait plaisir à ceux d'entre nous qui veulent que les chansons bien-aimées continuent, en compilant les changements d'accords alors qu'il nous emmène vers de nouveaux plans d'extase avec un solo d'harmonica chromatique (par opposition à la harpe blues) qui dépasse l'harmonica jazz. virtuose, Toots Thielemans, sur le territoire de Sonny Rollins. Lorsque la chanson est devenue une piste d'album populaire pour les disc-jockeys, M. Wonder a résisté avec succès aux appels de Motown pour un 45 tours de 7 pouces. Mais la version que l'on entend le plus souvent à la radio est un montage réalisé par le label. Mais trop longtemps ? S'il te plaît, fils. C'est comme dire à M. Rollins, Hé Saxophone Colossus ! Retenez-le un peu sur «Tenor Madness».
Incidemment, je viens de découvrir que M. Rollins a enregistré une reprise de la chanson, chose que je ne savais honnêtement pas avant de faire la comparaison. C'est logique. L'enregistrement original de M. Wonder a le genre de dynamisme que l'on retrouve dans certains des albums de jazz les plus populaires que M. Rollins a enregistrés. Et mis à part sa longueur et certaines techniques de production des années 1970, Isn't She Lovely sonne comme la pop classique inspirée du jazz qui incarnait les enregistrements Motown des années 1960, jusqu'au travail du tambourin. Stevie joue presque tout sur la chanson, même les parties de basse contagieuses jouées sur un synthé.
Les paroles sont sans vergogne et littéralement affirmant la vie. Sur des enregistrements intimes à domicile de sa petite fille, Aisha, qui apparaît maintenant dans des performances avec lui et dont la chanson célèbre la naissance, M. L'harmonica de Wonder prend son envol dans l'un des meilleurs spectacles d'improvisation jamais enregistrés. Ce n'est pas un solo complaisant ; chaque phrase est mémorable. Chaque tour de composition révèle de nouvelles mélodies originales. Je peux siffler ou fredonner le tout, jusqu'à son bourdonnement (vers 4:40) au grand désarroi de mes enfants lors de longs trajets en voiture. Mais peu de chansons peuvent vous faire sentir aussi bien que celle-ci. Si vous croyez le contraire, vous avez un cœur de charbon, mon ami.
Comme
L'album proprement dit se termine par deux autres compositions aux accents latins, As, et le grand final, Another Star. Sur ce dernier, M. Wonder reconnaît enfin le rythme à quatre au sol et les sons brillants de la musique disco alors à la mode. C'est une séance d'entraînement de danse fabuleuse, avec un grand ensemble de joueurs A-plus tels que George Benson. Mais pour de nombreux auditeurs, As doit être compté comme l'un des, sinon les- meilleure chanson de l'album et je déteste être en désaccord.
De même qu'un autre qui se faufile comme dans une brise de roche douce d'été mais finit par nous faire travailler avec un coup de poing émotionnel dur. Un revirement jazzy entre les couplets cède brièvement à un chœur gospel, une simple préfiguration pour le vampire qui termine la chanson. En attendant, M. Wonder chante encore une autre somme du passage du temps, des saisons et des forces élémentaires de la vie : Tout comme la haine sait que l'amour est le remède/Vous pouvez être sûr de votre esprit/Que je t'aimerai toujours.
Mais c'est encore l'outro où brille Stevie, un mélange de samba et de gospel qui, entre les mains de Stevie, est incontestablement naturel. De cours vous pouvez mélanger toute cette merde! Après une minute de répit de 24 mesures, M. Wonder réintègre la chanson avec un souffle guttural, comme pourrait le faire Sly Stone, sonnant comme Big Bad Steve, pas Little Stevie Wonder, avec peut-être le plus grand moment lyrique de l'album :
Nous savons tous que parfois les haines et les problèmes de la vie
Peut vous faire souhaiter d'être né dans un autre temps et espace
Mais tu peux parier ta vie fois ça et deux fois c'est double
Que Dieu savait exactement où il voulait que tu sois placé
Alors assurez-vous quand vous dites que vous êtes dedans mais pas de ça
Toi ' n'aide pas à faire de cette terre un endroit parfois appelé enfer
Change tes mots en vérités et ensuite change cette vérité en amour
Et peut-être que les petits-enfants de nos enfants et leurs arrière-arrière-petits-enfants le diront.
C'est le message à emporter de l'album. Au cours de toutes ces décennies, je ne l'ai jamais écouté sans ressentir le même nœud d'inspiration, de catharsis et d'euphorie, aussi proche d'une vague croyance que j'ai été guéri par une divinité à mesure que je viens.
Mr. Wonder termine le set avec Another Star, beaucoup plus léger, mais pour moi, c'est le point culminant et la conclusion de l'album. Le reste est un dessert sucré.
yeux d'ébène
Quelque part le long de la ligne, ma collection d'enfance de 45 a disparu. Parmi eux figurait le 7 pouces Something Extra EP inclus dans le Chansons dans la clé de la vie album. Cela m'a brisé le cœur de ne pas pouvoir trouver ce disque. Car parmi ces quatre chansons de l'EP se trouvait l'une de mes préférées éclectiques personnelles de l'ensemble, la chanson Ebony Eyes.
Il semble que peu de gens qui aiment l'album connaissent cette chanson. Je pense qu'à l'époque du vinyle, l'EP était présenté comme, et est devenu une réflexion après coup. Moins de 10 ans après avoir acheté l'album, j'étais à l'université, cependant, et nous passions toute la nuit à tourner des disques, à tour de rôle en tant que DJ de dortoir. Un de mes amis avait une copie beaucoup plus complète et beaucoup moins abîmée de Chansons dans la clé de la vie et je suis immédiatement allé chercher l'EP et j'ai posé le pied sur le morceau de retour au piano funk de la Nouvelle-Orléans, Ebony Eyes, qui, à partir de ce moment-là, est devenu le chef de file de nos hymnes de rassemblement du samedi soir.
Stevie canalise le professeur Longhair, avec plus qu'un peu d'influence d'Allen Toussaint sur la piste. Mais avec sa maîtrise de la talkbox, ce qui fait que ses synthés, comme la guitare de Peter Frampton, ont une énonciation humaine. Il échange des solos avec le saxophoniste Jim Horn, et il y a une partie en acier de pédale de Flying Burrito Brother, Peter Sneaky Pete Kleinow, chacun ayant joué sur des disques des Rolling Stones, George Harrison et une énorme liste d'autres.
Dans le film de Barry Levinson en 1982, Le dîner, les personnages se réfèrent aux bons moments, aux coups de pied et même aux filles chaudes comme à un sourire. Ebony Eyes est un sourire musical. Elle est le tournesol de la graine de la nature/Une fille que certains hommes ne trouvent que dans leurs rêves/Quand elle sourit, il semble que les étoiles le savent toutes/Parce qu'une par une elles commencent à illuminer le ciel.
Me fait tomber des pieds
Je ne peux pas imaginer être l'une de ces personnes qui enregistrent des chansons lors d'un spectacle, peu importe quelqu'un comme ce gars, qui a enregistré l'intégralité de la performance-bénéfice de Songs in the Key of Life à Los Angeles en décembre 2013. Et je détesterais être la personne assise derrière lui. Mais en tant que personne qui n'a pas pu prendre l'avion pour L.A. pour assister au spectacle en personne, je suis reconnaissant que quelqu'un l'ait enregistré.
Mais maintenant, je suis ravi que M. Wonder ait décidé de faire une tournée avec le spectacle. La dernière représentation de lui à laquelle j'ai assisté a été une expérience bouleversante, car il a plongé profondément dans son catalogue. Et je me prépare à être à nouveau une épave émotionnelle quand je vois le spectacle Songs in the Key of Life. La musique a été avec moi toute ma vie d'écoute et, franchement, il suffit d'un verre de vin pour que je pleure. Mais dans la vidéo de la performance de L.A., vous verrez M. Wonder lui-même jaillir, apparemment incapable de chanter le refrain de Knocks Me Off My Feet, alors que la foule prend le relais vers 49-50 minutes.
Qu'est-ce qui rend de tels moments musicaux si efficaces ? Si nous pouvions l'expliquer, aurions-nous besoin de musique ? C'est la musique elle-même qui va au-delà de ce que les mots seuls peuvent articuler. Il y a la lueur chaleureuse de la nostalgie, pas seulement le fait que tout le monde dans le public a probablement grandi avec l'album, mais dans les accords eux-mêmes. Il y a une familiarité avec les changements qui remontent à My Cherie Amour et au-delà, à travers la bossa nova, le jazz et jusqu'aux standards des années 40. Au-dessus de ces parties de piano chaleureuses - électriques et acoustiques - Stevie fait passer sa mélodie d'un simple couplet à une structure de pré-chœur qui contient sa propre montée et descente (littéralement illustrée par un escalier dans le livret de paroles), au chœur envolé. Et il est porté à un niveau encore plus élevé avec la modulation de la tonalité (environ 2:40) pour le refrain final.
Tension, détente et extase. C'est une forme qu'il reproduit tout au long du disque avec les mêmes résultats, comme sur l'ultra-sensuel Joy Inside My Tears, qui ronronne avec un synthé surréaliste et amène Stevie aux improvisations vocales les plus émouvantes depuis Uncle Ray Charles. L'un de mes grands regrets dans la vie est de ne pas avoir vu Ray Charles alors qu'il était encore avec nous. Il faut tout mettre en oeuvre pour aller voir les grands. Stevie Wonder est l'un des géants. Il ne joue pas souvent. Je serai là cette année.
Bill Janovitz est l'auteur de deux livres sur les Rolling Stones, dont Rocks Off : 50 morceaux qui racontent l'histoire des Rolling Stones et L'exil des Rolling Stones sur Main Street .
