Mona Lisa Smile de Mike Newell, d'après un scénario de Lawrence Konner et Mark Rosenthal, aurait eu comme genèse un article de magazine sur les années d'Hillary Rodham Clinton au Wellesley College dans les années 1960. Les scénaristes ont décidé de revenir une décennie en arrière et de tourner le film pendant les années 50 tant décriées, l'ère Eisenhower - une époque où les femmes étaient encore exhortées à devenir des femmes au foyer heureuses et à oublier qu'elles avaient réussi (et rentablement) à faire le travail des hommes pendant La Seconde Guerre mondiale. Il peut sembler étrange à certaines personnes que deux scénaristes et un réalisateur aient collaboré pour créer l'une des déclarations féministes les plus fortes à apparaître à l'écran cette année. Bien sûr, c'est le passé qui est critiqué, et pas toujours de manière juste et précise, comme dans les génériques de fin de certaines des publicités de ménagères heureuses les plus stupides de l'époque, ainsi que des images des concours de Mme America.
Il convient de noter que les diplômées de Wellesley ont été, pour la plupart, un groupe d'élite de jeunes femmes avec plus d'options que la plupart de leurs homologues dans des circonstances plus modestes. Là encore, plus de familles ont réussi à subsister avec un seul salaire dans les années 1950 qu'aujourd'hui ; maintenant, de nombreuses femmes entrent sur le marché du travail non pas tant par désir politique que par pure nécessité économique. C'est le sale petit secret de la soi-disant économie américaine en plein essor : la plupart des travailleurs de la classe moyenne ne sont pas assez payés pour subvenir aux besoins de leur famille de la manière à laquelle les médias les ont habitués.
Après avoir publié cet avertissement d'introduction, je dois dire que j'ai énormément apprécié Mona Lisa Smile, en grande partie à cause de la pure virtuosité de la distribution largement féminine, bloquée par une machine à remonter le temps infernale à une époque où les hommes étaient censés diriger sur la piste de danse. et partout ailleurs. L'administration actuelle de Wellesley a pleinement coopéré avec les producteurs, et pourquoi pas ? Il n'y a pas de honte institutionnelle contemporaine à admettre qu'il y a un demi-siècle, selon M. Konner, ils faisaient de la littérature française le matin et comment servir le thé au patron de son mari l'après-midi. Cette friandise satirique ne fait qu'attester des progrès réalisés dans l'éducation des femmes depuis lors.
Le film nous demande de supposer que dans ce chaudron de conformité vient Katherine Watson (Julia Roberts), un émissaire de l'illumination de la civilisation avancée de Californie, où elle a étudié l'histoire de l'art à l'U.C. Berkeley. M. Konner explique, Il y a 50 ans à peine, la Nouvelle-Angleterre était encore une extension de l'Ancien Monde, tandis que la Californie était vraiment le Nouveau Monde. Nous avons donc pensé que ce serait l'endroit idéal pour que Katherine ait grandi, à la fois en termes de distinctions de classe moins rigides et d'attitudes sociales plus permissives.
Dans la vraie vie des années 50, ce provincial de l'arrondissement extérieur n'avait pas réalisé que la Californie des Nixons et des Knowlands était tellement plus avancée culturellement que la Nouvelle-Angleterre des Kennedy et des Lodges. De plus, j'ai travaillé dans l'illusion que les peintures d'action de Jackson Pollock, qui ont si profondément affligé les administrateurs de Wellesley dans le film, étaient plus à l'aise dans la ville voisine de Manhattan que dans la lointaine Los Angeles. Mais en accordant toutes les hypothèses géographiques et culturelles du film, et même en adhérant à toute la rhétorique selon laquelle les jeunes femmes ont des options en plus du mariage précoce - et même l'option de compléments de carrière au mariage précoce - je ne pouvais pas m'empêcher de penser que le film était un peu suffisant. en laissant entendre que les gens étaient si stupides à l'époque par rapport à leur bon sens maintenant. Aujourd'hui, le gros problème n'est pas tant de savoir si les jeunes femmes ont le choix, mais si elles peuvent raisonnablement s'attendre à tout avoir. Et certaines choses n'ont pas beaucoup changé du tout, par exemple, les femmes en Amérique utilisent toujours des procédures chirurgicales pour réduire la taille de leurs pieds à des fins de chasse à l'homme. Nuances de la vieille Chine !
Katherine elle-même est l'un des personnages pris dans le buzz des attentes conventionnelles de la société. Elle a été fiancée et a même eu des aventures, mais elle a toujours hésité avant de franchir le pas final, même avec une bague de fiançailles au doigt. Par conséquent, elle aborde ses étudiants pour la plupart haut de gamme dans un état de vulnérabilité de la classe moyenne. Le premier cours de Katherine est un fiasco embarrassant alors que ses élèves déclament les noms de peintures savamment mémorisées dans le plan de cours traditionnel de l'école. (Katherine elle-même n'est jamais allée en Europe pour voir de ses propres yeux bon nombre des chefs-d'œuvre artistiques qu'elle enseigne à partir de diapositives et de livres d'images.)
Son ennemi principal est Betty Warren (Kirsten Dunst), la rédactrice en chef bien connectée du journal de l'école, qui commande un assaut mesquin en première page contre Amanda Armstrong (Juliet Stevenson), une infirmière progressiste aux tendances lesbiennes sotto voce, pour avoir publié contraceptifs à des étudiants vraisemblablement libertins. Betty fait virer Amanda et avertit son nouveau professeur que sa mère fiduciaire peut lui en faire autant si elle ose donner une mauvaise note à Betty. Les autres personnages étudiants majeurs sont Joan Brandwyn (Julia Stiles), l'étudiante la plus brillante de Katherine; Giselle Levy (Maggie Gyllenhaal), la fille provocatrice de la literie du campus; et Connie Baker (Ginnifer Goodwin), la membre incertaine du groupe. Les jeunes femmes se lient toutes à Betty outrageusement garce pour former le cercle restreint de l'école, ce qui semble initialement improbable.
Mais peu à peu, Betty, recroquevillée sous la domination de sa mère, est poussée à se marier avec un mari infidèle, dont elle finit par divorcer - à la grande consternation de sa mère - puis s'enfuit à Greenwich Village, où elle partage un appartement avec Giselle. . Pour sa part, Joan postule à la Yale Law School à la suggestion de Katherine; elle est acceptée, mais refuse d'y assister lorsqu'elle se marie également tôt, suivant son mari à l'Université de Pennsylvanie, où il a été admis à étudier le droit. Katherine est déçue de la décision de Joan, mais Joan rappelle au professeur idéaliste qu'elle doit respecter les choix des autres si elle veut être libre de faire le sien. Katherine suit ses propres règles en abandonnant deux amants masculins et le Wellesley College lui-même, après que les administrateurs imposent des conditions onéreuses au renouvellement de son contrat. Elle se lance plutôt dans un voyage en Europe, où, vraisemblablement, elle essaiera de se retrouver.
Une figure particulièrement prudente dans ce conte de moralité féministe est Nancy Abbey (Marcia Gay Harden), réprimée et frustrée, qui enseigne aux filles la parole, l'élocution, l'équilibre et les tâches ménagères. Mme Abbey porte le fardeau des absurdités perçues de l'époque alors qu'elle se fane presque littéralement sur la vigne.
Moan Lisa Smile est à tous égards un trésor pour les sourcils intermédiaires, et je dois avouer que j'étais trop soulagé qu'aucun des jeunes personnages n'ait rencontré la grossesse ou le suicide comme coups punitifs de mélodrame. Leur année scolaire à Wellesley a été assez chargée.
Filles En Perles
La fille à la perle de Peter Webber semble avoir été conçue pour plaire aux spectateurs qui croient qu'un tableau prestigieux est infiniment plus important qu'un simple film qui célèbre l'existence exaltée de ce tableau. Par conséquent, une distribution de premier ordre a tendance à être immergée dans un cosmos pictural qui se concentre sur la domesticité pionnière de la vision artistique de Vermeer. Colin Firth dans le rôle de Johannes Vermeer et Scarlett Johansson dans celui de sa servante, modèle et muse, Griet (le sujet de la peinture érotiquement insaisissable), deviennent des figures discrètes du paysage flamand. Le trouble feutré de la maison de Vermeer est dominé par sa belle-mère commercialement astucieuse, Maria Thins (Judy Parfitt), et tourmenté par sa femme mentalement instable et souvent enceinte, Catharina (Essie Davis). Ajoutez au mélange le riche et lubrique mécène du peintre, van Ruijven (Tom Wilkinson).
Pour sa part, Griet a les mains pleines pour repousser les rages jalouses de Catharina, les tâtonnements exploratoires de van Ruijven et les yeux perçants de Vermeer, qui semblent offrir une évaluation créative de son être intérieur. Griet trouve même le temps de répondre timidement aux ouvertures courtoises de l'honorable garçon boucher Pieter (Cillian Murphy). Malheureusement, Mme Johansson ne sort jamais de sa coquille dans ce rôle, comme elle l'a fait de façon mémorable dans Lost in Translation de Sofia Coppola. Le film n'en est que plus pauvre, Vermeer ou pas Vermeer.
Pour la 3-D, composez le M
À l'occasion de son 50e anniversaire, Dial M for Murder (1954) d'Alfred Hitchcock est relancé dans son format 3D original au Film Forum du 2 au 8 janvier (209 West Houston Street; 212-727-8110). Quand j'ai finalement vu la version 3-D dans les années 60 (plus d'une décennie après avoir vu le format 2-D standard), j'ai noté dans ma chronique Village Voice qu'en 2-D, Dial M est mineur Hitchcock; en 3-D, c'est le major Hitchcock. La dimension supplémentaire a exploité les limites du film d'un champ visuel restreint et d'une scénographie encombrée en dotant les objets flottant dans l'espace par ailleurs vide de la 3-D d'une autonomie inquiétante.
Dans ce spectacle soigné et douillet, Grace Kelly incarne la dame blonde par excellence d'Hitchcock en détresse; Ray Milland, le méchant suave et charismatique ; Robert Cummings, un adultère maladroit devenu défenseur chevaleresque ; Anthony Dawson, un opportuniste amusant manipulé réduit à un tueur à gages infortuné ; et John Williams, un inspecteur de Scotland Yard merveilleusement drôle qui vole la vedette au moment où tout semble perdu. Tout est très amusant grâce à la magie de la mise en scène ultra-fonctionnelle de Hitch.
Judy est de retour !
Judy Garland (1922-1969) fait l'objet d'un renouveau étincelant de neuf films au American Museum of the Moving Image (35th Avenue and 36th Street, Astoria, 718-784-4520), et cela vaut la peine de la voir au sommet, plus ou moins, de son talent impressionnant et désormais obsédant. Mon véhicule Garland préféré est Meet Me in St. Louis (1944) de Vincente Minnelli (27 et 28 décembre et 1er janvier). Je préfère de loin St. Louis au film largement et presque universellement surestimé Le Magicien d'Oz (1939), réalisé par Victor Fleming (20, 21, 26 et 31 décembre). En effet, je préfère toutes les autres entrées de Garland dans cette série à Oz, y compris une autre de Minnelli, The Clock (1945) (28 décembre) et Babes in Arms (1939) de Busby Berkeley (20 et 29 décembre) et Strike Up the Band (1940) (21 et 30 décembre). A Star Is Born de George Cukor (1954) (3 et 4 janvier) et Easter Parade de Charles Walters (1948) (3 janvier) ont également fait partie de la sélection.
Les consorts masculins de Garland dans la série incluent Fred Astaire, Gene Kelly, James Mason, Robert Walker et Mickey Rooney - pas exactement du foie haché eux-mêmes - sans parler des mélomanes d'époque comme Harold Arlen et E.Y. Harburg, Irving Berlin, Hugh Martin et Ralph Blane, Richard Rodgers et Lorenz Hart. Pas un virtuose du hip-hop parmi eux !
Appel de clairon
Ellen Drew (1915-2003) est décédée récemment sans grande fanfare. Drew est arrivée à une époque où sa marque de beauté saine était une pièce de dix cents dans le broyeur de chair hollywoodien des années 1930. Sans surprise, elle a rapidement été reléguée à des rôles ensoleillés stéréotypés. Peut-être que le seul moment brillant de la carrière cinématographique de 21 ans et 40 ans de Drew était un gros plan qui aurait rendu Norma Desmond verte de jalousie. Il se produit dans la comédie de bureau et de quartier de Preston Sturges, de chiffons à la richesse, Noël en juillet (1940). Dick Powell joue la sève ambitieuse d'un petit ami de Drew, qui pense à tort qu'il a gagné un concours de radio de slogan de café avec le brillant aphorisme Si vous ne pouvez pas dormir, ce n'est pas le café, c'est la couchette. Le public sait déjà qu'il est victime d'une farce perpétrée par un trio de farceurs de bureau. Mais son patron est également trompé et notre héros est promu au front office. Lorsque le canular est découvert et que le patron est sur le point de retirer la promotion, la petite amie du pauvre lug (Drew), qui s'est gentiment accrochée à son bras tout au long du film, s'avance soudainement et engloutit tout l'écran en faisant un plaidoyer passionné pour son petit ami et tous les jeunes hommes qui n'ont jamais eu la chance d'échouer dans leur quête du gros lot. L'explosion émotionnelle de Drew est stupéfiante dans le contexte de cette farce spirituelle mais loufoque, et elle résonne encore à l'écran 63 ans plus tard - un appel prolétarien à l'Amérique pour qu'elle soit à la hauteur de sa réputation de terre d'opportunités. Merci, Ellen Drew.
