L'isolement est-il bon pour les artistes ?Khara Woods/Unsplash Nous nous trouvons dans un moment étrange dans le temps, qui nous oblige à rester isolés. Et pendant que le monde tel que nous le connaissons est en attente, nous devons encore remplir nos journées et essayer de gagner suffisamment d'argent pour nous en sortir. Certaines personnes ont la chance de faire leur travail à domicile, d'autres ont été mises en congé jusqu'au retour à la normale, tandis que beaucoup ont été entièrement licenciées. Les créatifs se trouvent dans une position étrange où ils peuvent, au moins en théorie, continuer à produire de l'art dans les espaces dans lesquels ils vivent. Internet regorge de suggestions sur ce qu'il faut faire tout en s'isolant, comment passer le temps, bien que le mythe de l'artiste suggère que les créatifs sont assez habitués à être isolés et en sont peu affectés. La vérité sur l'origine de cette perception est en réalité bien plus intéressante que la fable de l'artiste torturé et reclus qu'elle a engendré.
L'isolement volontaire a été un bon moyen pour les artistes, historiquement et aujourd'hui, de trouver la paix pour créer, loin des rumeurs, de la bureaucratie et du bruit général de la vie. L'architecte et artiste de la Renaissance (et le parrain de l'histoire de l'art) Giorgio Vasari aimait aller dans un monastère de la Toscane rurale où, comme il l'écrivait, je n'aurais pas pu trouver un meilleur endroit pour me connaître. C'est lors d'une de ses premières visites là-bas, une période de deux mois, qu'il peint un Vierge à l'enfant avec les saints Jean-Baptiste et Jérôme et cela a conduit les moines à lui commander un retable entier.
Pendant ce temps, ceux qui le pouvaient quittaient les villes surpeuplées où la peste se répandait rapidement. Les retraites dans les fermes, les monastères et les zones rurales, loin des groupes de personnes, étaient l'une des meilleures mesures préventives contre les maladies - les médecins, à l'époque, étaient mal équipés pour recommander d'autres mesures éprouvées pour se protéger. Dans les villes, l'eau et le vinaigre étaient considérés comme des antiseptiques. Les transactions dans les magasins se limitaient à placer des pièces dans un bol d'eau ou de vinaigre et à faire glisser les pièces à travers une fente dans une porte de magasin, après quoi le propriétaire du magasin glissait les marchandises vers l'acheteur. La prière féroce était également considérée comme un bon défenseur contre la maladie.
Les artistes, historiquement, ont pu créer des œuvres dans l'isolement s'il s'agissait d'éviter la maladie, mais pas s'il s'agissait d'éviter la guerre et les situations de siège. Pendant de telles périodes, les nerfs étaient tellement travaillés et le matériel indisponible, que la production artistique avait tendance à être extrêmement limitée ou inexistante. En fait, la plupart des artistes ont été réaffectés à des rôles d'ingénieurs militaires dans de telles circonstances, Leonardo, Benvenuto Cellini et Vasari remplissant tous ce rôle en temps de conflit.
C'est en partie grâce à l'héritage de Vasari que nous avons ce mythe du créateur isolé, à travers son livre influent de 1550, La vie des artistes, qui dépeint l'artiste comme quelqu'un qui vit à la périphérie de la société (littéralement ou métaphoriquement). Le cliché qu'il a engendré a servi à élever la vie privée de certains artistes à un niveau de renommée au-delà même de ce que leur travail atteint. Le meilleur exemple est Vincent van Gogh, ce génie fou mangeur de chaussures et coupant les oreilles qui fuyait les cafés de Paris - où tous ceux qui étaient dans le monde de l'art traînaient - et a déménagé à Arles, dans le grand sud.
Van Gogh est l'affiche de l'artiste torturé, isolé et ignoré, que nous considérons comme le véritable artiste. Il a dit que son mouvement était de se rapprocher des couleurs et de s'éloigner des gris de Paris, et a expliqué qu'être dans un isolement complet et à l'écart des gens et de toutes les influences possibles autres que ses propres visions lui faisait voir les choses plus clairement. Cet isolement complet l'a aidé à être en la zone , ou continuellement hypnotisé, comme Murakami a récemment décrit le but de son propre isolement auto-imposé lors de l'écriture d'un nouveau livre. La vérité est que pour de nombreux créateurs, un espace où ils peuvent seuls avec leurs pensées est idéal. Les écrivains et les artistes partent régulièrement en retraite, ce qui est essentiellement un auto-isolement volontaire pour travailler sans les distractions de la vie quotidienne. Pourtant, n'oublions pas que beaucoup créent dans des studios partagés, sur des campus bondés ou en collaboration avec d'autres.
Mais quelque chose se produit sans aucun doute lorsque nous investissons tout ce que nous avons dans une période plus longue d'immersion totale dans le processus de création artistique - et peu ou rien d'autre. En même temps, dans de nombreux cas, nous, artistes, poussons si profondément dans notre travail qu'il peut devenir invisible pour nous. Trop souvent la résolution finale, ce déclic, ce coup de génie, le souffle de la divinité, quand tout (vous y compris) est soulevé du sol, alors que la magie s'installe sur votre travail, n'apparaît que lorsque vous en sortez le visage et respire un peu. Parfois, s'éloigner du travail nous aide à y voir plus clair. Combien de fois Writer's Block (ou autres chemins de croix artistiques) a-t-il été magiquement résolu par une déviation imprévue, une frénésie inattendue, une histoire d'amour ou simplement un café dans un nouvel endroit, hors de la routine ? L'isolement est donc bon pour faire de gros morceaux de travail. Mais nous avons besoin de nous éloigner de la planche à dessin (littéralement) pour faire de nouvelles percées, résoudre des problèmes et trouver les notes de grâce qui complètent nos symphonies (parfois littéralement).
C'est lorsque Paul Gauguin, parfois copain, parfois rival de Van Gogh, est venu passer du temps avec lui à Arles que les deux artistes ont vraiment fait des percées et se sont épanouies. Mais les artistes peuvent être susceptibles et la frontière entre camaraderie et rivalité est mince. Ce séjour commun a transformé leur amitié en un désastre, et comprenait ce célèbre acte de Van Gogh lui coupant l'oreille, suivi de Gauguin partant en retraite, loin de la civilisation connue comme il l'appelait - il s'est retrouvé en Polynésie.
Certains artistes ont fait de l'auto-isolement dans leur art, pas seulement un véhicule pour faire de l'art. Chris Burden a préparé une performance ( Morceau de lit, 1972) dans lequel il a donné des instructions strictes à son galeriste de ne pas interférer avec lui de quelque façon que ce soit. Puis il s'est présenté à la galerie, s'est allongé dans un lit à l'intérieur et y est resté, dans un isolement total, pendant trois mois. Cela a eu une résonance supplémentaire pour lui car, après un grave accident de voiture à l'âge de 13 ans, il a été contraint de passer neuf mois au lit pendant sa convalescence. Faisant référence à Burden, l'artiste chinois Tehching Hsieh s'est enfermé dans une cage à l'intérieur de son studio pendant une année entière ( Pièce de cage , 1978-1979).
C'est une danse constante pour les artistes entre isolement et interaction sociale. Quand il y a trop de vie réelle, cela ressemble à une interférence et nous aspirons à passer du temps seuls pour faire notre travail. Mais le simple fait d'être seul avec notre travail peut conduire à des répétitions périmées. Les pauses et les interactions nous rafraîchissent et donnent à notre créativité une chance de s'épanouir à nouveau. Nous pensons également que nos carrières sont en danger si nous sommes isolés et travaillons trop longtemps - c'est une préoccupation post-moderne, que vous devez être là-bas pour que le monde de l'art se souvienne de vous et conserve votre pertinence.
Il n'y a pas de réponse simple à l'équilibre entre isolement et socialisation pour l'artiste, mais nous apprécions la liberté de choisir. Choisissez quand vous isoler, choisissez quand vous engager. C'est un processus, un acte constant de marche sur fil.
La question devient donc, maintenant plus que jamais, est-ce que l'isolement signifie que je ferai un meilleur art, ou est-ce que le fait d'être immergé dans le vortex social ouvre non seulement mes chances d'être vu, mais rend mon art meilleur et plus pertinent ? La réponse est les deux. Il est mis en évidence maintenant, car nous ne pouvons pas plonger dans le vortex social, en dehors des médias sociaux, qui fournissent l'effet de souvenir mais n'offrent pas la distance positive et rafraîchissante de votre travail qui vous permet de concocter de nouvelles idées et d'ajouter de la cerise sur le gâteau des anciens.
Les artistes aiment sauter dans les extrêmes. Naviguer le plus loin possible de tout le monde parfois, tout en étant immergé dans tous les recoins possibles des grands projets parallèles, complexes et variés de l'art contemporain, expositions, collaborations, publications, présentations et conférences. Les artistes veulent montrer ce que nous avons fait pendant que nous étions dans l'une de nos grottes secrètes, ou montrer que maintenant nous ne pouvons travailler qu'en flottant dans un océan d'informations et de disponibilité… jusqu'à ce que nous ayons hâte de repartir, alors nous peut prendre une pause et tout apprécier. Il existe de nombreux clichés sur les artistes, mais l'un d'eux est certainement vrai : qu'ils embrassent les extrêmes ou non, ils forment un groupe compliqué - et mieux vaut que nous le fassions. Sans leurs tentatives créatives pour se comprendre et comprendre le monde, nous serions tous beaucoup plus pauvres.
