Sam Poon, le batteur Anthony Genovesi, Jakeim Hart et Gian Perez dans Chanter la rue .Matthieu Murphy Le film de passage à l'âge adulte du scénariste-réalisateur John Carney sur les enfants dublinois des années 1980 qui se dirigent vers la libération personnelle est sorti en 2016 et moins de quatre ans plus tard, c'est une comédie musicale Off Broadway. Ce doit être un nouveau record de vitesse terrestre pour adapter une propriété de l'écran à la scène. Basé sur le sourd et décevant Chanter la rue au New York Theatre Workshop, cependant, l'équipe créative aurait dû prendre plus de temps, échouer davantage et apprendre de ses erreurs. La plupart de ce qui est frais et attrayant dans le film (qui est joyeusement stéréotypé) a été perdu dans un cadre théâtral plombé qui sape le milieu, le personnage et la musique de toute tension ou charme.
En dépeignant un groupe hétéroclite de parias irlandais boutonneux formant un groupe, pratiquant leurs chansons dans les chambres et les garages, puis se préparant au Big Show, le film présente des avantages considérables. Tout d'abord, vous pouvez incarner de vrais adolescents dans toute leur splendeur maladroite, pas un groupe d'acteurs légèrement trop vieux et trop raffinés pour être pleinement convaincants. Le film capture également la période et la classe plus efficacement que le livre désinvolte et flou d'Enda Walsh. Dans le film original, les difficultés financières familiales forcent la classe moyenne Conor à passer d'une école privée chic à une institution sordide de la classe ouvrière dirigée par les frères chrétiens. Les bagarres et les brimades là-bas, de la part des étudiants autant que des prêtres abusifs, confèrent à la situation difficile de Conor un côté brutal et classiste. Mais Walsh et la réalisatrice Rebecca Taichman évitent les possibilités sinistres et granuleuses, de sorte que la nouvelle situation de Conor est simplement gênante, pas cauchemardesque.
L'intrigue démarre vraiment lorsque Conor (Brenock O'Connor) aperçoit la belle jeune Raphina (Zara Devlin), debout dans un coin avec des lunettes de soleil incroyablement cool. Immédiatement épris, il fait ce que n'importe quel garçon au sang rouge ferait en 1982 : il lui dit que son groupe tourne un clip et qu'elle aimerait en faire partie ? Bien sûr, il doit désormais se bousculer pour former un groupe. Encore une fois, le processus de recrutement de musiciens amateurs était original et gagnant dans le film ; ici, c'est mécanique, Walsh n'arrivant pas à identifier les membres du groupe au-delà des tics paresseux : l'un a une moustache, un autre veut une moustache, un troisième veut ressembler à un perroquet. En comparaison, les tots de déchiquetage de guitare dans Ecole du rock étaient pratiquement tchékhoviennes. Le frère agoraphobe et épuisé de Conor, Brendan (Gus Halper), se rapproche le plus d'une figure entièrement étoffée sur scène, et il obtient la grande finale cathartique, mais cela ressemble à une réflexion après coup. Devlin a un charisme abondant et un joli vibrato qui rappelle Kate Bush, mais elle, comme tout le monde, est obscurcie par les blagues suffisantes de Walsh (des fouilles récurrentes sur le dramaturge irlandais John Millington Synge qui ne vont nulle part).
Les chansons, de Gary Clark et Carney, sont des numéros originaux qui canalisent intelligemment la pop lourde de synthés et la nouvelle vague des années 80, et le casting semble apprécier le brouillage pour lui-même. Les sections de concert sont agréables, avec le groupe battant leurs instruments, ou faisant la moue et se lissant pour la caméra. Mais à propos de ces éléments de vidéoclips : le manager du groupe, Darren (Max William Bartos) est le chef caméraman, mettant en place des tournages à petit budget avec Raphina et les garçons. Le scénographe Bob Crowley a placé un grand écran au centre de la scène, sur lequel est imprimée une grande image de la mer ouverte (un panneau indicateur plutôt émoussé d'évasion). L'écran semble un espace invitant pour la projection vidéo en direct ou peut-être des séquences fantastiques - l'image de soi pleine d'espoir du groupe. L'absence de vidéo dans la conception de la production semble un choix boiteux et contre-intuitif.
Mais alors, l'approche globale de Taichman à l'histoire est frustrante hésitante. Plutôt que d'opter pour le réalisme théâtral de Billy Elliot ou la construction du monde stylisée de Réveil du printemps , elle opte pour une esthétique de présentation épurée. Les acteurs jouent également le rôle de musiciens, regardant de côté lorsqu'ils ne sont pas dans une scène. Il n'y a pratiquement pas de décors ou de repères visuels pour soulager le palais terne et boueux: la soutane noire d'un prêtre, les uniformes scolaires gris, cette étendue de mer statique et ennuyeuse en arrière-plan. Un minimalisme aussi provocant commence à ressembler à un manque d'imagination et de nerf.
Peut-être ne devriez-vous pas essayer de faire une comédie musicale d'art et essai déconstruite à partir d'un film aussi profondément conventionnel et romantique que Chanter la rue . À moins que les producteurs ne soient prêts à verser des millions dans une version somptueuse et colorée de Broadway - peut-être avec des adolescents et des adultes comme futurs doppelgangers fantastiques ? - ce genre de compromis résumé déçoit tout le monde : ceux qui adorent le film et ceux veulent une comédie musicale qui fonctionne et donne de la joie. Il ne fait aucun doute que le New York Theatre Workshop a soif d'une autre vache à lait à transférer à Broadway, comme Une fois que (également un film de Carney) a fait il y a quelques années. Mais c'est un travail urgent avec le mauvais écrivain et la mauvaise équipe de conception. L'un des morceaux les plus accrocheurs de la partition est un rocker de liberté appelé Drive It Like You Stole It. Ils ont peut-être volé le bon véhicule, mais personne ne peut le faire passer en première vitesse.
