Si vous n'avez pas encore vu Million Dollar Baby de Clint Eastwood et que vous avez bien l'intention de le faire, je vous conseille respectueusement de ne pas lire plus loin. Conservez simplement cette chronique pour après l'avoir vue, car j'ai l'intention d'expliquer pourquoi, contrairement à mes estimés collègues, je ne partage pas leur enthousiasme pour ce film. Je vais donc devoir donner plus que quelques détails de l'intrigue afin de soutenir mon cas.
Permettez-moi de commencer par dire qu'aucun film dans ma mémoire ne m'a plus déprimé que Million Dollar Baby. Je l'ai vu deux fois, d'abord lors d'une première projection et plus tard en DVD, et même si je n'étais pas aussi déprimé la deuxième fois, cela m'a quand même laissé assez sombre.
Adapté d'un scénario de Paul Haggis, Million Dollar Baby est basé sur une collection d'histoires intitulée Rope Burns: Stories from the Corner, du vétéran de la boxe F.X. Toole. M. Eastwood, un 74 remarquablement énergique, joue l'entraîneur de combat grisonnant Frankie Dunn. Avec son copain et ancien combattant Eddie (Scrap) Dupris, joué par Morgan Freeman, Frankie dirige un gymnase pour anciens au centre-ville de Los Angeles, qui sert également de lieu de sommeil à Scrap. La camaraderie mesquine des deux copains ressemble à celle d'un vieux couple marié, un peu comme leurs tireurs liés par magie dans Unforgiven de M. Eastwood (1992).
L'image commence avec Frankie gérant un jeune poids lourd prometteur, Big Willie Little (Mike Colter), mais après plusieurs victoires impressionnantes, Big Willie quitte Frankie parce que le manager hésite à organiser un combat pour le titre. L'un des nombreux démons du passé culpabilisant de Frankie est la cécité partielle de Scrap, survenue lorsque Frankie l'a dirigé dans un combat pour le titre qui a mis fin à la carrière de boxeur de Scrap. Autre démon : les nombreuses lettres retournées non ouvertes de la fille de Frankie, à qui il continue néanmoins d'écrire régulièrement. Frankie assiège virtuellement le père Horvak (Brian O'Byrne), son curé, pour obtenir des conseils sur l'expiation appropriée de ses péchés passés, en étudiant pour lire W.B. Yeats dans le gaélique original étant l'un de ses rituels d'expiation.
Conformément à la sociologie de la boxe des classes inférieures, les combattants dans le gymnase sont soit noirs, soit latinos, du moins jusqu'à ce que Maggie Fitzgerald (Hilary Swank) se présente. Elle commence à travailler de manière inexperte sur un sac de boxe, avec l'intention avouée de devenir une championne de boxe sous la tutelle de Frankie. Laissant sa famille de caravanes et de poubelles travailler pour des centimes et des restes en tant que serveuse dans un restaurant bon marché, Maggie est déterminée à s'en sortir sur le ring. Frankie essaie de la décourager en lui faisant remarquer qu'à 33 ans, elle est beaucoup trop âgée pour commencer à s'entraîner en tant que combattante. Mais avec l'aide de Scrap, Maggie persévère au point où elle commence à gagner des combats de club. Bien sûr, une relation père-fille de substitution naît entre Frankie et Maggie - il conçoit même le gadget promotionnel astucieux de la présenter comme une fière combattante irlandaise pour s'assurer une base de fans ethniques.
Et puis la chute. La première note aigre est frappée lorsque Maggie dépense une partie de ses revenus pour acheter une nouvelle maison à sa mère et à ses frères et sœurs. Margo Martindale, en tant que mère de Maggie, devrait remporter une sorte de prix pour la mère de tous les temps de l'enfer; malgré la générosité de sa fille, elle se moque de Maggie que tout le monde se moque d'elle pour la façon dont elle gagne sa vie.
Pourtant, il y a une certaine consolation dans la tournée mondiale triomphale de Maggie, avec des gens qui l'acclament partout où elle va. À son retour en Amérique, Maggie est en pleine forme pour un combat de championnat contre un adversaire qui se bat si salement qu'elle fait ressembler Mike Tyson à un enfant de choeur. Le combat commence et Maggie semble gagner jusqu'à ce que, dans un moment sans surveillance après le son de la cloche, son adversaire la frappe avec un coup de ventouse si féroce qu'il envoie Maggie chanceler à travers le ring, sa tête s'écrasant sur le tabouret que Frankie s'arrête après la cloche.
Maggie est maintenant une corbeille, aspirant de l'oxygène d'un tube dans un lit d'hôpital. Elle supplie Frankie de l'aider à mettre fin à ses jours. Pour ajouter à l'horreur, Monster Mom se présente avec toute sa progéniture avide et un avocat sous contrat pour céder tous les revenus de Maggie à sa famille. Tu as perdu, chérie, tu as perdu, dit la maman, réduisant sa fille à l'humiliation totale. Lorsque Maggie est incapable de signer le contrat - ses mains sont paralysées - sa mère place obligeamment le stylo dans sa bouche, après quoi Maggie prend tout son sens en crachant le stylo, en maudissant toute la famille et en les envoyant se précipiter hors de l'hôpital comme rats d'un navire en perdition.
Ce que j'ai trouvé le plus perplexe à propos de la tournure tragique des événements, c'est de savoir comment un combat de championnat qui s'est terminé par un acte quasi-criminel n'a pas eu de répercussions ou de protestations, de Frankie ou de quiconque. Je sais que John F. Kennedy a dit que la vie était injuste bien avant qu'il ne soit assassiné, et je sais que les critiques de cinéma ont été conditionnés à condamner les fins heureuses, mais cela justifie-t-il une telle malignité excessive ?
Ce qui m'a un peu amusé et frustré, c'est la façon dont les critiques ont scrupuleusement évité d'entrer dans les détails de l'accumulation soudaine de malheurs qui rendrait le film de M. Eastwood si émouvant. Bien sûr, ils ne veulent pas gâcher le plaisir du public, qui reste crispé face à l'apparition soudaine d'une douleur et d'un chagrin terminaux.
Mais je dirais que qualifier le résultat final de tragédie, comme l'ont fait certains critiques, est une grossière erreur. Les tragédies ne me dépriment pas, car elles sont soigneusement construites pour éviter les aléas de l'accident aveugle et du mal aléatoire.
En fin de compte, Frankie accède aux supplications de Maggie et facilite son suicide, après quoi, selon la narration de Scrap, Frankie disparaît de la vue, pour ne plus jamais être revu. La question épineuse du meurtre par compassion devient quelque chose d'un dénouement à côté de la conjonction oppressive d'un combattant maléfique et d'une mère monstre - je dirais que rien dans le récit ne nous prépare à un dénouement aussi désastreux, bien que certains critiques prétendent avoir discerné un assombrissement de la texture du film alors qu'il semblait rouler sur sa voie inspirante à la Rocky. Je ne suis pas d'accord alors que je plaide mon dossier contre Million Dollar Baby. Cela ne veut pas dire que je souhaite rabaisser le travail de M. Eastwood, M. Freeman et Mme Swank : Ils sont tous excellents dans ce qui est, à mon avis peut-être ultra-aristotélicien, une cause perdante.
Libération douce
The Sea Inside d'Alejandro Amenábar (en espagnol, sous-titré en anglais), basé sur le livre Letters from Hell de Ramón Sampedro, raconte également l'histoire d'un protagoniste handicapé souhaitant mettre fin à ses jours pour mourir dans la dignité. Mais alors que Million Dollar Baby m'a laissé déprimé, The Sea Inside m'a laissé exalté. Mon problème ne réside donc pas dans les sentiments complexes impliqués dans le désir des affligés de mourir dans la dignité, mais dans la façon dont l'histoire du chercheur de mort est racontée. Là où Million Dollar Baby s'enfonce dans le gouffre d'un désespoir sans fond, The Sea Inside s'élève aux sommets fantastiquement romantiques de l'amour entre un homme et une femme. Et quand je dis planer, je le pense littéralement pour décrire l'une des plus grandes scènes d'amour de l'histoire du cinéma.
Javier Bardem incarne Ramón Sampedro, un tétraplégique de 55 ans qui est resté paralysé après un accident de plongée 30 ans plus tôt. Dans son état alité, il passe des années à demander aux autorités laïques d'Espagne de lui donner le droit de mettre fin à ses jours dans la dignité.
La scène d'amour à laquelle j'ai fait référence se produit après qu'il est tombé amoureux de Julia de Belén Rueda, une avocate qui est venue l'aider à déposer son plaidoyer judiciaire. Julia est elle-même partiellement handicapée, utilisant une canne pour se déplacer à cause d'une maladie dégénérative. Elle est mariée et Ramón est cloué au lit, mais ils atteignent néanmoins un degré de relation spirituelle sans précédent.
Puis, un jour, sur la mélodie émouvante de l'air de Giacomo Puccini Je vais vaincre de Turandot, Ramón se lève comme par magie de son lit, l'écarte de la fenêtre pour démarrer en courant, et s'envole par la fenêtre jusqu'au bord de la mer, où il rencontre Julia pour une étreinte passionnée. Il y a plus qu'un peu d'audace metteur en scène dans cette incursion onirique dans les royaumes que Blaise Pascal a le mieux résumé dans l'aphorisme Le cœur a ses raisons. Cette audace semble venir naturellement à un réalisateur dont l'œuvre antérieure était imprégnée d'un autre monde, dans des films comme Thesis (1996), Open Your Eyes (1997) et The Others (2001).
Il y a deux autres femmes dans l'existence de Ramón physiquement mais pas émotionnellement réduite: Rosa de Lola Dueñas, une mère de deux enfants mélangée et bouleversée, qui voit en Ramón un homme à qui elle peut verser son cœur sans le faire piétiner. dans la boue, et Manuela de Mabel Rivera, la belle-sœur de Ramón, qui se consacre plus aux besoins de Ramón qu'aux besoins de sa propre famille. La seule question (et on finit par y répondre) est de savoir laquelle de ces femmes l'aime suffisamment pour satisfaire le désir de son cœur, et ainsi être séparé de lui pour toujours.
Tout au long de son épreuve apparemment sans fin, le Ramón de M. Bardem, comme son homologue de la vie réelle, reste une présence joyeusement souriante pour les personnes qui affluent à son chevet pour être réconfortées de leurs propres malaises. Ce joyeux stoïcisme de Ramón est rendu avec brio par M. Bardem, actuellement l'un des plus grands acteurs mondiaux.
Femme de ménage à L.A.
Spanglish de James L. Brooks, tiré de son propre scénario, pourrait être accusé de bigoterie à l'envers pour le contraste déséquilibré qu'il fait entre une nounou mexicaine nommée Flor (Paz Vega) et sa riche employeur de Los Angeles, Deborah Clasky (Téa Leoni). En effet, M. Brooks dirige Mme Leoni, une actrice qui n'est pas étrangère à la subtilité, dans la même note unique et stridente pendant presque tout le film. Les critiques, et je présume le public, sont pratiquement obligés de détester son personnage - même si, quand on y pense, elle ne fait jamais rien de vraiment malveillant, sauf peut-être acheter des vêtements trop petits pour sa fille potelée, Bernice (Sarah Steele ). En revanche, Flor, le bon flic, a gentiment cousu pour Bernice une tenue qui lui va parfaitement.
Adam Sandler incarne le malheureux mari de Deborah, John Clasky, un chef célèbre de classe mondiale. Dans un renversement de type, M. Sandler joue un personnage de Casper Milquetoast, répondant invariablement avec douceur et sensibilité aux explosions les plus scandaleuses de Deborah. La mère de Deborah, qui boit beaucoup d'alcool, ajoute également au chaos dans le ménage, Evelyn (Cloris Leachman). L'histoire est en fait racontée par la fille précoce de Flor, Christina (Shelbie Bruce), dans un flash-forward à sa candidature à Princeton malgré son passé d'immigrant illégal.
Mais juste au moment où j'étais sur le point d'écrire le film de M. Brooks comme celui d'un bienfaiteur riche et détesté avec un faible pour les filles latinos, il a soudainement commencé à changer de point de vue pour révéler que la source de l'angoisse de Deborah avait beaucoup à voir avec sa carrière ratée et son enfance malheureuse avec une mère ivre et promiscuité.
Dans l'une des scènes les plus drôles de tous les temps où des anglophones et des hispanophones essaient de communiquer - une scène qui montre à quel point une enfant actrice Mme Bruce est ingénieuse - Christina traduit non seulement pour sa mère, mais improvise également des gestes et des mouvements pour dramatiser le contenu émotionnel des paroles de sa mère. Ce hurlement d'une scène vaut à lui seul le prix d'entrée. J'ai aussi aimé la scène dans laquelle Deborah donne à Flor un air un peu idiot en essayant de la distancer sur le chemin du retour, avec la surperformante Deborah, pour une fois, ne réalisant même pas qu'elle est mise au défi.
Pourtant, ce n'est pas un hasard si Span- précède -glish dans ce plaidoyer spécial pour la population immigrée. Cependant, le film s'améliore au fur et à mesure et tous les personnages, y compris Deborah, deviennent de plus en plus intéressants et attrayants à mesure que nous apprenons à mieux les connaître. À bien y penser, M. Brooks a toujours eu tendance à devenir strident, même dans ses meilleurs films comme Terms of Endearment (1983) et Broadcast News (1987). Le spanglish est loin d'être son meilleur, mais il est assez bon pour ces temps généralement sans esprit.
Un classique italien
Luchino Visconti (1906-1976) a adapté le roman historique pénétrant de la Sicile de Guiseppe di Lampedusa en 1860 dans Le Léopard, l'un des plus grands films cinématographiques de tous les temps, ainsi que l'un des plus politiquement profonds. Le Film Forum présente l'intégralité de la version italienne non coupée - 195 minutes, y compris la scène de la salle de bal finale de 45 minutes, qui résume tous les thèmes du film dans un style somptueux alors que la vie d'un homme s'efface lentement. Avec Burt Lancaster, Alain Delon, Claudia Cardinale, Serge Regianni et Paolo Stoppa (12 au 20 janv.).
