Van Patten et Strong dans « The Great God Pan ». (Avec l'aimable autorisation de Joan Marcus) Il serait exagéré de dire qu'Amy Herzog a écrit le drame américain contemporain idéal. Mais quel que soit l'idéal, il doit ressembler beaucoup à Le Grand Dieu Pan , la dernière pièce remarquable de Mme Herzog, qui a débuté hier soir à Playwrights Horizons.
Réalisé par Carolyn Cantor, Le Grand Dieu Pan est provocateur et subtil, lentement, soigneusement révélateur et doucement émouvant. C'est bien joué, précis, dirigé efficacement, stimulant, drôle et perspicace. Mieux encore, il ne dure que 80 minutes. (Ne sous-estimez pas l'attrait pour un critique d'une courte pièce à la fin d'un long automne.)
Son protagoniste est Jamie (un excellent Jeremy Strong, avec des blessures derrière sa certitude), un type parfaitement reconnaissable: un Brooklynite aux cheveux noirs de 32 ans dans une chemise à carreaux soignée, un journaliste talentueux dans un travail médiocre et sans avantages sociaux. Il vit avec mais pas encore fiancé à sa magnifique petite amie blonde de six ans, Paige (Sarah Goldberg), une ancienne danseuse maintenant en formation pour devenir thérapeute. Tout semble bien dans sa vie, mais tout semble aussi un peu au point mort. Au début de la pièce, nous apprenons que Paige est tombée enceinte par inadvertance. Jamie, inquiet pour leur relation, et pour la vie, n'accueille pas cette nouvelle avec joie.
Au début de la pièce, Jamie prend un café avec Frank (Keith Nobbs), un ami d'enfance tatoué et percé. C'est une conversation maladroite : les deux hommes, qui étaient proches en tant que garçons, n'ont plus rien en commun maintenant. Frank a contacté Jamie pour lui faire part de ses nouvelles : il porte plainte contre son propre père pour abus sexuel sur des enfants. Il pense que son père a également agressé Jamie.
Les deux pièces précédentes de Mme Herzog étaient basées sur sa propre famille juive de gauche. Après la Révolution , également chez Playwrights, s'est concentré sur une génération plus jeune essayant de donner un sens à une génération beaucoup plus âgée ; dans 4000 milles , au Lincoln Center Theatre, cette génération plus âgée a apporté de la stabilité à une plus jeune perdue. Dans Le Grand Dieu Pan , qui s'éloigne de la famille Herzog, elle regarde une génération stagnante essayant, pas nécessairement avec succès, d'entrer dans tous les pièges de l'âge adulte - mariage, enfants, réussite professionnelle - et se demande si nous (oui, nous : c'est ma génération , et celle de Mme Herzog) sont entravés par nos enfances ou utilisent nos enfances comme excuse pour être entravés.
Jamie refuse de croire que la révélation de Frank est définitivement vraie, mais refuse également de croire que cela ne pourrait pas l'être. Alors que le journaliste enquête sur son propre passé, parlant à ses parents (Becky Ann Baker dans le rôle de Cathy, sa mère étonnamment optimiste, et Peter Friedman dans le rôle de Doug, son père yoga et polaire), rendant visite à la baby-sitter qu'il a partagée avec Frank, Polly ( une drôle de Joyce Van Patten), la baby-sitter qu'il partageait autrefois avec Frank, dans la maison de retraite où elle vit maintenant, et discutant de choses dans des conversations de plus en plus tendues avec Paige—Ms. Herzog laisse beaucoup de place au doute. Certains faits découverts soutiennent l'accusation de Frank, d'autres la remettent en question, beaucoup soulignent le fait que les souvenirs ne sont pas fiables.
Je ne suis même pas sûr que quelque chose se soit passé, dit Jamie à Paige alors que la pièce approche de son apogée. Vous ne pouvez pas mettre ma vie entière, moi, en fonction de cela, vous ne pouvez pas faire ça. Nous n'obtenons jamais de réponse sûre sur ce qui s'est passé ou ne s'est pas passé, mais nous voyons Jamie progresser vers une compréhension de la façon de gérer les choses maintenant. Le passé, quel qu'il soit, sera toujours là, mais le présent est ce qui a besoin de son attention.
Melissa James Gibson Qu'est-ce qui rime avec Amérique , à l'Atlantic Theatre Company, n'apporte aucune augmentation similaire. C'est une comédie magnifiquement écrite, élégamment mise en scène et profondément mélancolique sur les relations, l'éloignement, la solitude et la tristesse.
Ses quatre personnages : Hank (Chris Bauer), un économiste universitaire raté, toujours amoureux de la femme qui divorce et désespéré de retrouver un lien avec sa fille adolescente ; Marlene (une Aimee Carrero merveilleusement pointue), cette jeune fille intelligente et cynique de 16 ans; Sheryl (la divine Da'Vine Joy Randolph), la confidente de Hank, une actrice en herbe coincée dans un chœur d'opéra ; et Lydia (Seana Kofoed), la vierge d'âge moyen avec laquelle Hank a un rendez-vous horrible – sont perdues et seules, mécontentes de leur vie, mécontente de leurs options, incapable de les améliorer. Vouloir des choses cause de la douleur, dit Sheryl à Hank pendant une pause cigarette sur le quai de chargement de l'opéra après avoir raté une grande audition. Ce qui n'offre que la solution de ne rien vouloir en premier lieu.
L'écriture de Mme Gibson est complètement captivante - follement imaginative, souvent très drôle et pleine d'épigrammes d'une sagesse inattendue. La mise en scène, de Daniel Aukin, est, comme la pièce, belle, sobre et habilement indirecte. Avec quelques décors fixés sur une scène ouverte (conçue par Laura Jellinek), M. Aukin peut créer des scènes distinctes et parfois superposées avec des changements rapides de l'éclairage très intelligent et efficace (conçu par Matt Frey). Sheryl présente à Hank le concept d'enjambement, une pensée ou une phrase qui se poursuit dans la ligne ou la scène suivante, et Qu'est-ce qui rime avec Amérique en regorge, tant dans le scénario que dans la mise en scène.
Et, bien sûr, dans la vie de ses personnages, qui se chevauchent sans jamais aboutir. Dans une pièce touchante mais abattue, c'est un terme mélodieux et une réalité déprimante.
Comment résolvez-vous un problème comme Pacino ?
Al Pacino, la star de cinéma lauréate d'un Oscar, d'un Tony et d'un Emmy Award, est l'un des grands acteurs de cinéma de sa génération et un attrait certain au box-office lorsqu'il daigne apparaître à Broadway. Il est aussi fréquemment une caricature de lui-même, une collection de ses tics, une parodie de sa performance primée aux Oscars dans Le parfum d'une femme . Parfois, comme dans le récent Théâtre Public le Marchand de Venise , il réalisera une performance émouvante. Plus souvent, comme dans le renouveau de Glengarry Glen Ross joue actuellement au Gerald Schoenfeld Theatre, ou dans les bandes-annonces de plus en plus omniprésentes de Levez-vous les gars , il offrira juste plus de la même chose : yeux exorbités, doigts tremblants, grognements, cris inévitables. Là où Michael Corleone était retenu et contrôlé, Al Pacino d'aujourd'hui ne fait que fulminer.
Cela ne fait pas sa performance dans Glengarry , le chef-d'œuvre de David Mamet, lauréat du prix Pulitzer, sur des vendeurs immobiliers désespérés, peu convaincants à regarder. Mais cela fait de sa Shelly Levene – la légende des ventes autrefois grande et maintenant en ébullition qui se désagrège au cours de la pièce – encore un autre hurleur de Pacino, pas un personnage unique et émotionnellement engageant. En effet, cette belle production, dirigée par Daniel Sullivan (qui a également dirigé M. Pacino dans marchande ), ne devient jamais aussi engageant qu'il le devrait.
Bobby Cannavale, qui au cours des dernières saisons est passé d'un joueur vedette de sitcom à une star de scène dynamique et intense, apporte son fanfaron concentré au rôle de Ricky Roma, le jeune vendeur flashy et réussi, joué par M. Pacino Version cinématographique de 1992. John C. McGinley est intense et hilarant dans le rôle de la tête brûlée du bureau Dave Moss, et Richard Schiff est incroyablement névrosé dans le rôle du milquetoast George Aaronow. David Harbour en tant que directeur du bureau intrigant, Jeremy Shamos en tant qu'acheteur plein de remords et Murphy Guyer en tant que flic enquêtant sur l'effraction du bureau ont également réalisé de belles performances.
Mais malgré tout ce talent, ça ne colle pas vraiment. Le dialogue de M. Mamet, surtout dans cette œuvre echt-Mamet, devrait se transformer en une poésie sale et saccadée. Ce n'est pas le cas. L'effondrement de Levene devrait être dévastateur. Ce n'est pas le cas. La pièce parle de la mort d'un certain type de virilité purement américaine. Au lieu de cela, c'est un morceau de nostalgie du Mamet qui était autrefois. C'est amusant à regarder, mais ce n'est pas authentique.
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