59e Biennale de Venise , « The Milk of Dreams », ouvert en avril dernier placé sous le signe du surréaliste de Leonora Carrington livre pour enfants homonyme . Événement très attendu qui reprend pour la première fois depuis le début de la pandémie, la Biennale s'ancre ostensiblement dans le féminisme. Mené pour la première fois par un conservateur italien, Cécile Alemani (directeur et conservateur en chef de la High Line de New York), il comprend également une majorité sans précédent de femmes artistes, présentées dans divers sites à travers la ville.
La proposition d'histoire de l'art d'Alemani sur le surréalisme prend forme dans cinq 'capsules' conçues pour revisiter poétiquement trois notions empruntées au philosophe contemporain italien Rosi Braidotti : périphérie de l'homme, devenir-machine et devenir-terre.
Dans 'Le Berceau de la Sorcière', l'une des capsules les plus passionnantes du pavillon central de la Biennale, le format sert à discuter des facettes d'une 'Femme Nouvelle' et à réintroduire les œuvres d'artistes féminines oubliées ou négligées, comme l'Algérienne- née Retour Mahieddine (née Fatima Haddad, 1931-1998) qui a commencé à exposer à Paris à l'âge de 16 ans, ou d'origine congolaise Tranchée Antoinette (1895-inconnu), narration moderne pionnière à une époque de massacres coloniaux répandus.
Pourtant, ensemble, ces capsules, aussi informatives et éducatives soient-elles, esquissent une image historique déroutante du surréalisme réduite à un assemblage d'éléments et de qualificatifs divers - bizarre, étrange, nostalgique avec nostalgie, mythologique, spirituellement protéiforme, sexuellement fluide - qui suivent les exigences du Zeitgeist. d'inclusion et de diversité, mais dont un argument cohérent peine à émerger. Le surréalisme est-il juste audacieux, étrange et maladroit ?
Par exemple, un clip documentaire joyeux d'une danse sensuelle et insouciante Joséphine Baker (1906-1975) rappelle son statut d'avant-gardiste dans le Paris de l'entre-deux-guerres, mais est-elle nécessairement 'surréaliste' nous demandons-nous.
Le philosophe français André Breton, auteur du Manifeste surréaliste (1924) avait définit le surréalisme comme un « automatisme psychique à l'état pur, par lequel on se propose d'exprimer – verbalement, au moyen de la parole écrite, ou de toute autre manière – le fonctionnement effectif de la pensée ». Au fond, un projet révolutionnaire, anticonformiste et émancipateur « dicté par la pensée, en l'absence de tout contrôle exercé par la raison, exempt de tout souci esthétique ou moral ». Il s'agit de déterrer l'inconscience pour libérer des rendus illogiques, absurdes et débridés d'occurrences oniriques et d'obsessions qui éclairent des thèmes plus larges.
L'inclusion par Alemani de pionniers historiques tels que Remèdes varus (1908-1963), Léonora Carrington (1917-2011) et Cecilia Vigogne (né en 1948) démontre de manière plus convaincante que les autres artistes participants que le surréalisme est d'abord une renégociation de la réalité, un saut et une audace fondamentaux, un coup d'État sans vergogne contre l'impossibilité qui transcende l'esthétique bizarre et audacieuse avec une réflexion sur la perception, l'existence et l'altérité .
Vicuña, qui a reçu un Lion d'or pour l'ensemble de sa carrière avec Katharina Fritsch, réinvente l'action opprimée et le nettoyage éthique par la digestion dans Le mangeur (2019). Dans l'œuvre que l'artiste a dû repeindre à partir d'un original des années 1970, une femme nue mange des êtres humains, fixant obliquement le spectateur, nous rendant complices de son rêve de manger des 'malfaiteurs' pour 'les digérer et les déféquer pour ma merde'. pour fertiliser la terre, afin qu'une nouvelle civilisation puisse naître. Oui s'il te plaît.
Dans l'Arsenal de Venise, loin du pavillon central des Giardini, à une génération d'écart, le graveur cubain Belkis-Ayon (1967-1997) et peintre mexicain Philippe Baeza (né en 1987) explorent la profondeur des yeux en tant que portails multidimensionnels et réinterprètent la qualité émouvante des silhouettes Varo-esque - incisivement fluides, étrangement obsédantes, commandant dans leur silence.
Dans le même ordre d'idées, apportant des idées contemporaines à des formes familières, le Groupe artistique basé à Macao 'YiiMa' tord les esprits des fresques de la Renaissance et du plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange avec une «Allégorie des rêves» inspirée de l'histoire de l'art dans laquelle des scènes de la culture moderne de Macao rencontrent une éminence aérienne.
Les créatures d'un autre monde sont les sujets fréquents des explorations artistiques de la Biennale - de l'archéologique et du prométhéen avec l'artiste libanais Ali Cherri (né en 1976) aux expériences cinétiques transhumanistes de Yunchul Kim (né en 1970) dans le Pavillon de la République de Corée et la chorégraphie organique, plumeuse et ondoyante de L'arbre pédagogique de Muhannad ShonoPlus (né en 1977) représentant Arabie Saoudite . Dans ce labyrinthe subconscient, les figures géantes spectrales de l'artiste congolais Sandra Muginga invitent à un voyage spéléologique symbolique dans un pseudo-cimetière éclairé à la chaux, contrastant avec le vert luxuriant de Précieux Okoyomon ’s garden (intitulé à juste titre Voir la Terre avant la fin du monde , 2022) qui met en scène des personnages matriarcaux ressemblant à des totems doucement dépassés par des vignes grimpantes vivantes.
Les cosmogonies sacrées - réinventées, réinterprétées, reclassifiées - renégocient les frontières du sacré, répondant aux désirs curatoriaux d'Alemani pour un réenchantement d'un monde très troublé. artiste zimbabwéen Portia Ce qu'ils ont vu (né en 1985) plonge dans la mythologie ancestrale dans de nouvelles œuvres dans lesquelles des figures oniriques flottent, enveloppées et surélevées. Dans La capture des hiboux ( Hiboux capturés ) 2022, Zvavahera dépeint un groupe de chouettes et de suppliants humanoïdes agenouillés dans une enveloppe utérine d'une obscurité céleste, mêlant minuit et bleu de Prusse à des pigments prune. Ce rassemblement caverneux mystique contraste avec les peintures folkloriques éthérées à grande échelle et siréniques de l'artiste dominicain Firela Baez.
« The Milk of Dreams » a également fourni un espace aux artistes pour situer leur corps par rapport à leur place dans le monde. ' Camp paradisiaque ”, hébergé au pavillon national de la Nouvelle-Zélande subvertit brillamment le regard blanc et l'orientalisme à travers des images puissantes de Fa'afafine de Samoa, ou troisième sexe. Et lorsqu'ils ne sont pas orientés vers la tradition et les représentations cachées des femmes du Pacifique du XIXe siècle de Paul Gauguin, d'autres artistes, comme la Palestinienne Noor Abuarafeh (né en 1986) et coréen Myung Hee Oh (b.1956) au Palazzo Mora, contestent respectivement l'oppression historique des musées reproduisant la violence coloniale et l'héritage blessant des «femmes de réconfort» maltraitées et torturées pendant l'occupation japonaise de la péninsule coréenne (1910-1945).
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Parmi les autres premières, la Biennale de cette année accueille en outre la première participation du Sultanat d'Oman , dans une exposition collective qui traite de la vie humaine comme relique et mémoire ; Ghana , superbement représenté dans 'Black Star - The Museum as Freedom' ; et le République du Kirghizistan avec Firouz Farman Farmaian les ombres du déplacement et de l'ascendance post-révolution islamique, démontrant un immense potentiel créatif en dehors des projections occidentales conventionnellement cartographiées, encore largement sous-exploité.
Si les capsules historiques de la Biennale consistent à regarder dans le rétroviseur, on s'attend à ce que le reste de l'exposition parle plus expressément de l'actualité, et de l'intemporel s'il en est. Alors que les œuvres d'art individuelles véhiculent les notions mêlées de métamorphoses et de contemplations oniriques, la Biennale ne parvient pas collectivement à s'affranchir des contraintes esthétiques et figuratives, à être le réceptacle de « l'état pur » de Breton et à défier de manière significative un ordre rationnel avec des thèmes si familiers et si bien intégré dans presque tous les grands événements artistiques des dernières décennies.
Les Giardini de la Biennale illustrent davantage ce déjà-vu. Adjacent au pavillon central, on retrouve les grands noms : Simone Leigh (lauréat du Lion d'or du meilleur participant de l'exposition principale), Sonia Boyce (lauréat du Lion d'or de la meilleure participation nationale), ainsi que Zineb Sédira (mention spéciale), représentant respectivement les pavillons nationaux des États-Unis, de la Grande-Bretagne et de la France dans des installations qui plaisent largement sans poser de questions nouvelles et informulées.
On a beaucoup écrit à leur sujet, qui évoquent bien sûr le talent, ainsi que l'asymétrie d'accès, étant donné que la plupart des artistes non occidentaux ont nécessité plusieurs milliers de marches supplémentaires pour arriver à l'Arsenal et dans des endroits dispersés hors site dans la ville pour être vus, et des jours pour tout voir dans une destination touristique chère. Cette géographie privilégiée - une mini-Biennale pratique dans le périmètre des Giardini qui a reçu une attention disproportionnée du grand public - renforce la domination occidentale pour les visiteurs pressés. Et qui dit non à une visite rapide et efficace ?
Imaginez maintenant l'art comme une étreinte et un coup de poing, comme un pont intangible de solidarité et d'universalité. Imaginez, pourquoi pas, la France prêtant son pavillon national à des artistes malgaches ou maliens, ou le pavillon américain accueillant des artistes cubains ou iraniens. Imagine seulement.
Qu'est-ce que ça fait, surréaliste?
