C'était une grande nouvelle lorsque Frank Ocean, le reclus générationnel adjacent à Salinger de R&B, s'est retiré de la tête d'affiche du deuxième week-end de Coachella après une semaine d'ouverture qui a été un véritable désastre de relations publiques. Ocean a donné très peu de performances en direct depuis son ascension rapide au statut de légende, maintenant un air de mystique auquel la plupart des personnalités publiques ne peuvent pas s'accrocher à l'ère des médias sociaux. Il a tourné fréquemment au début des années 2010 avec le collectif Odd Future, mais après des années de tournées avec parcimonie, une apparition au festival de 2017 à Helsinki semblait être son dernier spectacle. Lorsque Coachella a annoncé Ocean comme tête d'affiche pour les deux semaines, les blagues se sont succédées rapidement.
Déjà notoirement privé, Ocean a un penchant pour les émissions brèves et les annulations, mais il convient de noter que la réaction initiale à l'annonce a été plutôt positive. Les fans avec l'argent pour y assister (les billets Coachella coûtaient entre 500 $ et 1 000 $) étaient ravis de voir le retour tant attendu du rappeur, tout comme ceux qui prévoyaient de se connecter au flux YouTube du festival. Prévu pour le dernier créneau du premier week-end – une heure du matin, heure normale de l'Est, un dimanche soir – le plateau d'Ocean était censé être une vitrine capitale. Au lieu de cela, c'était momentanément décevant.
La chronologie est obscurcie, mais apparemment, les choses se sont effondrées la semaine du premier spectacle. Ocean a subi une blessure mineure à vélo plus tôt dans la semaine qui aurait ruiné ses plans extravagants pour le spectacle, qui comprenait une routine dans laquelle des dizaines d'anciens joueurs de hockey patinaient autour d'une patinoire élaborée au milieu du désert californien.
Les appels de l'équipe d'Ocean pour changer toute la performance à la dernière minute sont tombés dans l'oreille d'un sourd et en signe de protestation, il a interprété un court set qui comprenait autant de DJing et de danse que ses propres chansons, interrompu de manière inattendue par la ville de midi PDT. couvre-feu. Ocean est arrivé avec une heure de retard, après tout. Il a également été annoncé, alors que les fans attendaient le début du tournage, que la performance ne serait pas être diffusé sur YouTube. Les détenteurs de billets pouvaient toujours profiter du spectacle, mais tout le monde à la maison était réduit à regarder le plateau via des flux 240p illégaux et des vidéos Instagram postées à la hâte par la foule.
Le tumulte a été énorme, culminant dans un tsunami de discours anti-Frank Ocean. Beardos a couru sur Twitter pour appeler Ocean un morveux pour ses bouffonneries et n'apprécie pas la foule qui attend avec impatience son retour sur scène après tant d'années. Les nerds de l'industrie et les théoriciens du complot pensaient que cet 'incident' était un autre stratagème dans une longue série de cascades de la machine Frank Ocean PR pour susciter l'enthousiasme pour son hypothétique prochain album. Ils ont souligné le fait qu'il n'avait pas diffusé l'émission en direct comme preuve qu'il essayait de gonfler la demande pour sa musique – quelque chose dont il n'a clairement pas besoin, comme en témoigne le battage médiatique pour cette émission malgré le fait qu'Ocean ait passé plusieurs années sans aucun nouveau sortie musicale.
Les critiques vêtus de flanelle ont également veillé à souligner que des milliers de clients ont payé des sommes considérables pour regarder le plateau en personne, ignorant qu'une bonne partie de ceux qui étaient il a immédiatement défendu l'Océan. La poignée d'adultes raisonnables impliqués dans ces conversations a justifié l'imprévisibilité d'Ocean, notant qu'il a toujours été ouvert sur sa peur de jouer et qu'il s'agissait de sa première émission en direct depuis qu'il a tragiquement perdu son jeune frère. Quelques jours plus tard, Ocean a annulé sa deuxième apparition à Coachella, citant la blessure de vélo susmentionnée. Cue nouvelle indignation.
En fin de compte, les fans sont déraisonnablement en colère contre un artiste qui est humain comme nous tous. C'est juste que cela soit né d'un festival de musique réputé pour être plein de vanité et dépourvu d'âme, où de nombreux participants - qui ont payé le loyer de certaines personnes pour y assister - ne se soucient pas autant de la musique que de l'image. Ils aiment le idée d'être à Coachella et de voir un set légendaire plus que la musique elle-même, ce qui crée une tempête parfaite, emblématique d'un point de rupture dans la perception publique de la musique live.
Les réseaux sociaux mangent de la musique live
Il est important de noter le rôle que jouent les médias sociaux dans la digestion de la musique live. Alors qu'il y avait une contingence de fans qui étaient à l'émission pour défendre courageusement Ocean en ligne, ils constituaient une petite minorité dans la discussion. Ils ont souligné une setlist de qualité qui comprenait des pistes profondes de Sans fin, reprises de soul et remixes de coupes classiques du Jersey Club, mais leurs appels à une évaluation rationnelle ont été noyés par le Twitter Finger Lynch Mob. Dans une déclaration sur son set Coachella, Ocean a donné une réponse prémonitoire qui résume le moment : « C'était chaotique. [Mais] il y a une certaine beauté dans le chaos.
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La scène musicale live d'aujourd'hui est une bête différente des concerts et des performances d'antan. C'était autrefois une arène où les jeunes artistes personnifiaient l'énergie et le charisme de leur musique devant des oreilles sans méfiance… pour que les mégastars vivent un couronnement en temps réel devant des fans adorateurs… pour que les numéros exagérés deviennent nostalgiques du passé pour partisans de longue date. La musique n'a jamais été exclusivement consacrée au spectacle en direct, mais elle a été omniprésente en tant que pierre de touche culturelle et complément aux catalogues d'artistes.
Avant que l'archivage musical obsessionnel ne soit possible, la seule façon de connaître certains des musiciens les plus influents était de les attraper en chair et en os. Robert Johnson, le légendaire bluesman du delta du Mississippi dont la légende urbaine prétend qu'il a vendu son âme au diable en échange de vénérables talents de guitariste à 12 cordes, n'a enregistré que 29 chansons dans toute sa vie. Même ces enregistrements, cités par des icônes telles que Keith Richards et Eric Clapton comme leurs plus grandes influences, n'étaient pas facilement accessibles au public avant des décennies plus tard. Le mot de la légende de Johnson est né des murmures des clients des bars des juke joints à travers le delta qui n'en croyaient pas leurs oreilles. Mais cela a suffi à catapulter le nom de Johnson dans le folklore du rock'n'roll.
Tel est le pouvoir de la musique live. Lorsqu'il est percutant, il engendre l'adoration et pousse les artistes dans un royaume mythique. Au fur et à mesure que le rock ‘n’ roll mûrissait, certains actes ont été cimentés dans la tradition par leurs concerts. Les Rolling Stones sont devenus le groupe de rock par excellence grâce à des bouffonneries de tournée et à un sens du spectacle qui a duré six décennies. Il en va de même pour les Grateful Dead, les plus grands musiciens live d'Amérique, qui ont commencé à jouer tous les jours lors de fêtes à la maison pendant les tests Kool-Aid de Ken Kesey au milieu des années 1960 et n'ont pas cessé depuis, créant ainsi le groupe de jam et construisant une communauté plus grande que le groupe lui-même, un mastodonte qui imprègne la culture pop à ce jour. D'autres artistes légendaires, comme Bob Seger et les Allman Brothers, ont enregistré leurs meilleurs albums en direct.
La musique live de ces années semble moins monumentale et plus accessible - une nouveauté par rapport à un aspect nécessaire de l'air du temps musical. Pensez à certains des meilleurs albums de musique live et à leurs moments légendaires. Un auditeur peut avoir un aperçu d'un groupe qui tue ses standards. Ou peut-être entendront-ils le groupe sortir une version différente d'une chanson classique, à la grande surprise d'une foule captivée. de James Brown Vivre à l'Apollon ou MC5 Expulser les confitures venir à l'esprit. Pensez maintenant à ce qu'ils ont en commun. Aucun d'entre eux n'est récent. J'ai passé des jours à creuser mon cerveau pour la dernière vraiment album live mythique. Ma meilleure supposition ? Probablement quelque chose de l'ère MTV Unplugged, peut-être Alice in Chains en 1996. Rien ne me vient à l'esprit du 21e siècle.
Ce n'est pas comme si les spectacles en direct étaient devenus mauvais. J'ai grandi à l'ère d'Internet, après la mort de l'album live, et j'ai vu d'innombrables performances impeccables. Ce qui a changé, c'est que le potentiel publicitaire n'est plus le même. La création et les ventes d'albums sont largement dictées par les demandes du marché, et pour la première fois dans l'histoire de la musique récente, personne ne semble se soucier de l'album live dans le contexte du succès artistique. Les musiciens en herbe ne sont plus besoin de s'appuyer sur des émissions en direct pour construire leur marque. À toutes les autres époques, les groupes devaient ravaler leur fierté et jouer des concerts locaux pour se faire connaître. Les Beatles ont joué dans des bars à Hambourg, en Allemagne, pour se présenter devant les promoteurs. Bob Dylan a joué tard dans la nuit dans des cafés du Greenwich Village de New York pour s'insérer dans le circuit folk.
Même ces dernières années, des rappeurs légendaires du New York des années 90, comme Biggie et Big L, ont perfectionné leurs talents de MC dans des batailles de rap devant des acteurs de l'industrie au coin des rues. De nos jours, les artistes peuvent emprunter des voies plus efficaces, notamment en mettant leurs morceaux sur des sites de streaming et en lançant des campagnes publicitaires sur les réseaux sociaux. Ce n'est pas que les jeunes artistes soient particulièrement anti-live, mais faire quoi que ce soit coûte plus cher qu'avant. Les fonds sur la voie du succès potentiel sont probablement mieux dépensés pour exploiter la technologie moderne que pour marteler spectacle après spectacle, du moins pour les jeunes artistes.
Impeccable et de plus en plus inaccessible
De plus, les concerts sont moins accessibles qu'ils ne l'ont jamais été. Alors que le capitalisme avancé progresse et que la technologie moderne décentralise le monde, la musique n'est plus locale. Il y a trop de dérégionalisation parmi les scènes underground. À la fin des années 60, si vous vouliez vous immerger dans la scène musicale live, vous pouviez faire du stop à San Francisco. À la fin des années 80 et au début des années 90, si vous vouliez être quelque chose dans le grunge, vous pouviez réserver un aller simple pour Seattle. Ces « tiers espaces » de la musique n'existent plus aujourd'hui parce qu'il n'y a plus autour d'eux une communauté physique répondant à leurs besoins. De nouveaux artistes peuvent faire des spectacles dans leur ville natale, mais il n'y a plus de cultes étroitement liés de fans qui financent la scène et répandent l'évangile.
Le prix des billets est aussi un vol d'autoroute, et il l'a été à un degré croissant au cours des deux dernières décennies. Le premier moment national inquiétant est survenu en 1992 lorsque Pearl Jam était le plus grand groupe du monde. Ticketmaster , l'endroit le plus populaire pour obtenir des billets pour n'importe quel événement, lancé en 1982 et au début des années 90 avait commencé à monopoliser l'industrie. Avant cela, l'expérience d'achat de billets en personne n'était pas facile - la demande a toujours été susceptible de dépasser l'offre, provoquant des ventes - mais elle était toujours abordable. Au milieu des années 90, des artistes hérités comme Billy Joel et The Eagles facturaient plus de 100 $ par billet, un chiffre plus proche des prix d'aujourd'hui.
La haine brûlante du leader de Pearl Jam, Eddie Vedder, pour les pratiques prédatrices de Ticketmaster a atteint son paroxysme lorsque la société a facturé des frais sur les billets gratuits pour les concerts de retour du groupe à Seattle. Les batailles juridiques entre Pearl Jam et Ticketmaster ont duré des années, mais malheureusement, Pearl Jam n'a pas pu vaincre le monstre. Il était vain de lutter contre un monolithe qui avait des accords avec tant de sites régionaux. À un certain moment, il est devenu difficile pour Pearl Jam de trouver des lieux raisonnables, alors ils ont cessé leurs plaintes. Finalement, l'enquête du ministère de la Justice des États-Unis sur les prix abusifs de l'entreprise a été close et Pearl Jam a recommencé à travailler avec Ticketmaster en 1998.
Au fil des ans, les frais prédateurs de Ticketmaster ont augmenté et se sont propagés comme une infection imparable. Au cours de l'année dernière seulement, l'excitation suscitée par certaines des tournées les plus attendues a été atténuée par la cupidité de l'entreprise. Les frais pour la tournée 2023 de Beyoncé sont devenus si farfelus que certains Américains optent plutôt pour voler à l'étranger et voir Beyoncé sur sa jambe européenne à un prix similaire. Taylor Swift a poursuivi Ticketmaster en justice pour pratiques anticoncurrentielles après que les Swifties du monde entier aient trouvé impossible d'obtenir des billets à un prix raisonnable, citant que la plateforme oblige les spectateurs à utiliser leur site afin de pouvoir escroquer les prix. Même Robert Smith, le leader normalement réservé de The Cure (qui entamait sa première tournée américaine depuis des années), en a assez de Ticketmaster. Avant la tournée, The Cure visait à maintenir des prix abordables et équitables en renonçant à la tarification dynamique et aux billets transférables, une décision visant à réprimer le marché vorace de la revente. Mais lorsque les fans sont allés acheter des billets, ils ont réalisé que Ticketmaster facturait toujours des frais exorbitants malgré les prix des billets bon marché ; certains frais de fans coûtent plus cher que le billet lui-même. À ce jour, Smith est le seul musicien à avoir remporté une victoire morale contre le géant des billets, car Ticketmaster a été publiquement honteux de rembourser aux fans une partie de leurs frais.
Ensuite, il y a la pandémie, l'éléphant dans la pièce dont l'impact se fait encore sentir dans la musique live. Les salles sont à nouveau ouvertes, mais les restrictions de distanciation sociale ont temporairement tué l'élan du médium. Malgré l'enthousiasme perçu autour du retour de la musique live et de l'amélioration des ventes de billets dans un monde dit post-COVID, les organisateurs de concerts ont noté un ralentissement des ventes de billets en raison de la sursaturation et des prix exorbitants. Dans un pays où tout le monde est de plus en plus fauché, les frais massifs et les prix des billets sans cesse croissants sont difficiles à justifier. Étant donné que plus l'anxiété accrue autour de pratiques potentiellement dangereuses (comme s'entasser dans des salles de danse sombres et moites comme le thon, danser sans réfléchir pendant que les germes et les bactéries tourbillonnent dans la pièce), il est difficile de quantifier exactement comment COVID a changé la musique live, mais ça ne peut pas être bon.
Il est important de noter que les émissions diffusées en direct, qui sont devenues monnaie courante ces dernières années, sont une bonne chose objectivement . C'est un moyen accessible et abordable d'apporter de la musique live aux masses. À savoir : des milliers de jeunes fans de rock indépendant ont pu regarder leur supergroupe de boygenius bien-aimé sur la page YouTube de Coachella. Beaucoup d'entre eux, sinon la plupart, ne pouvaient pas rêver de s'offrir des billets.
Les fans de rock indépendant adolescents ne sont pas seuls. De plus en plus, tout le monde ne peut plus assister à des spectacles aussi souvent qu'avant dans tous les genres. Pendant qu'il était à l'université, mon père était un Deadhead par excellence, passant ses étés à suivre les Grateful Dead à travers l'Amérique. Je ne peux pas imaginer comment quelqu'un pourrait faire cela maintenant en tant qu'étudiant à moins qu'il ne consacre un pourcentage déraisonnablement élevé de ses fonds à voir de la musique en direct. Les riches s'enrichissent, les pauvres s'appauvrissent et les jeunes générations dans les phases de découverte de la vie ont moins de fonds discrétionnaires que jamais. Pearl Jam, Taylor Swift, Beyoncé et The Cure font partie des artistes les plus célèbres au monde. Il ne devrait pas être si difficile de voir de la musique live. Spotify, un autre mal qui prendrait des milliers de mots de plus pour se lamenter, coûte dix dollars par mois. C'est un prix aligné sur le budget et attrayant pour les masses - moi y compris - car les événements en direct deviennent inaccessibles.
meilleure créatine sur le marché
La poursuite de la perfection a conduit à la banalisation
L'inaccessibilité croissante des spectacles en direct change complètement la façon dont nous interagissons avec la musique en direct. Il s'agit moins de l'expérience organique et immersive dépourvue d'attentes que du moment lui-même. De nombreux fans ne voient pas souvent de musique live, donc s'ils dépensent de l'argent pour assister à un spectacle, les attentes peuvent devenir déraisonnablement élevées. Nous voulons désespérément que les expériences de concert soient parfaites, spirituelles et photogéniques ; quelque chose que nous pouvons publier sur les réseaux sociaux pour inspirer la jalousie. Nous commençons à traiter les artistes davantage comme des produits commerciaux qui doivent nous fournir quelque chose de valeur tangible, par opposition à une énigme, un être vivant individuel. Ce faisant, nous jetons de côté le caractère unique qui nous a attirés vers leur musique en premier lieu.
Du point de vue de l'artiste, les tournées perdent de leur éclat et l'incitation à faire une grande performance en direct disparaît. Il n'y a rien pour équilibrer les tracas de la vie de tournée : les dépenses, les mois sur la route, les fans impitoyables et les frais des vendeurs et des lieux. Il fut un temps où l'appréciation des fans et le manque d'attentes rigides pouvaient permettre à un groupe de continuer, mais à l'ère dystopique des médias sociaux où tout a un sponsor et où tout est une ponction d'argent, les restes d'une fanbase enragée peuvent ne pas suffire à bouger l'aiguille. Il semble, plus que jamais, que de plus grands artistes encaissent le chèque de paie lors de festivals à grande diffusion et à gros budgets. Qui peut les blâmer ? Les sets sont généralement plus courts, vous devez en faire moins en un an pour la même quantité de publicité et ce sont de bons événements de réseautage dans un espace qui a connu la décentralisation communale.
Heureusement, la musique live n'est pas morte encore et vivra probablement sous une forme ou une autre pour toujours. Tant qu'il y aura de l'argent dedans, le spectacle continuera. Une réfutation de mon point précédent sur l'inefficacité des émissions en direct pour les jeunes artistes à petit budget est que les émissions en direct sont moins prédatrices financièrement que les flux, qui ne rapportent presque pas d'argent aux artistes. Les spectacles en direct ne sont peut-être pas des vaches à lait pour les jeunes artistes, mais au moins les artistes ont une chance de voir une plus grande partie des bénéfices. Bien sûr, il existe de meilleurs moyens de maintenir l'esprit du spectacle et de l'art de la performance musicale que les incitations à but lucratif, mais c'est mieux que rien. La musique live est essentielle au tissu de la musique elle-même et à la culture pop dans son ensemble, et nous devons la chérir en tant que telle. Une partie de la mystique derrière les plus grands créateurs du médium est leur excentricité, leur créativité et leur imprévisibilité. Ce sont des mystères et leur singularité transparaît sur scène, soit en réaffirmant votre croyance en la beauté de l'art, soit en changeant complètement votre idée de ce que l'artiste essaie de faire.
La musique live est viscérale. C'est nécessaire. Le théâtre sans spectacles n'est qu'un conglomérat de mots sur une page. L'architecture sans bâtiments n'est qu'un plan. Qu'est-ce qu'on est censé faire avec ça ? Je ne me souviens pas d'une seule fois où j'ai regretté d'avoir vu de la musique live, et je doute que cela se reproduise de si tôt.
